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出版者:清华大学出版社

作者:李当岐（主编）

出品人:

页数:200

译者:

出版时间:2009-4-1

价格:680.00

装帧:精装

isbn号码:9787302198758

丛书系列:

图书标签:

• 高清
• 女红
• 女性文学
• 情感
• 成长
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• 治愈
• 现实主义
• 心理

《古韵新声：宋代文人生活与审美探微》 第一章：士大夫的日常：衣食住行中的雅致与隐逸 本书深入剖析了宋代士大夫阶层的日常生活图景，旨在描摹出他们如何在动荡的时局中，构建起一套独属于文人的审美体系与生活哲学。我们聚焦于那些被历史长河冲刷而略显模糊的细节，力求还原一个立体、鲜活的宋代文人形象。 一、服饰的“简”与“真” 宋代服饰文化经历了从唐代的华丽奔放向内敛素雅的转变。士大夫阶层尤其推崇“去繁就简”，这并非物质上的匮乏，而是一种精神上的自觉。 1. 袍服形制考证：详细梳理了宋代官员与文人常服（如公服、圆领袍）的演变脉络。通过对出土文物、壁画及相关文献（如《宋会要辑稿》中的仪制部分）的交叉比对，我们发现宋代的官服色彩更加趋于淡雅，纹样也从龙凤等象征皇权的图案，转向了祥云、瑞兽等寓意吉祥却不事张扬的图饰。特别是对“襕衫”这一特定形制的研究，揭示了理学兴起后，文人对“格物致知”在着装上的投射——强调结构清晰、线条流畅。 2. 头冠与配饰的“文气”：宋代文人对头冠的偏爱是其身份的显著标志。幞头（如展角幞头）的形制变化，反映了朝廷对官员仪态的规范，而文人私下佩戴的“儒巾”则更具自由和个性化的表达。我们考察了玉带、革带上的装饰物，发现它们多以玛瑙、犀角、沉香木等材质为主，其价值不在于炫耀财富，而在于其蕴含的文化象征意义，如玛瑙的温润象征品德的内敛。 二、饮食的“清”与“雅” 宋代的饮食文化达到了前所未有的精致程度，尤其在士大夫阶层中，饮食不再仅仅是果腹之需，而是成为一种艺术实践和社交礼仪。 1. 茶道的精微化：宋代是点茶法鼎盛的时期。本书详述了点茶的流程、斗茶的规矩，并对比了当时的茶具——兔毫盏、油滴盏等建盏的审美取向。我们分析了苏轼、蔡襄等人在茶事活动中的地位，探讨了茶在文人清谈、以文会友中的媒介作用。煮茶用水的选择，对茶汤色泽和口感的影响，以及文人对水质的苛刻要求，都体现了他们对生活细节的极致追求。 2. “细食”的哲学：与唐代的“重肉食”不同，宋代文人更偏爱素食和清淡的羹汤。对蔬菜的栽培、调味品的发明（如酱、醋的精进），以及对“五味调和”的追求，都体现了宋人对中和之美的推崇。我们通过对《东京梦华录》、《梦粱录》中记载的酒楼食肆的分析，描绘出文人在外宴饮时的点菜艺术，以及在家中宴请宾客时，对器皿与摆盘的考究。 三、居所的“拙”与“静” 宋代文人对居住环境的营造，标志着中国古典园林与室内陈设美学的成熟。他们追求的不是宏大叙事，而是“一室之内，尽得山水之趣”。 1. 书斋的构建：书斋是士大夫精神世界的微观投射。我们细致考察了书房的布局，如窗棂的样式（漏窗的设计）、屏风的使用以及书案的朝向。书斋中陈设的“文房四宝”——笔、墨、纸、砚，其材质的选择与鉴赏，成为衡量一个人学养深浅的重要标准。对徽州木雕、苏杭的家具风格的考察，揭示了地域文化如何渗透到文人的日常器物之中。 2. 园林的“借景”艺术：私人园林（如苏轼的“竹洲”或文徵明的私家园林）的兴建，体现了文人“以物观我，托物言志”的哲学观。本书重点分析了“借景”和“叠石”的技术与美学理念，探讨了园林如何成为士大夫逃离官场喧嚣、回归本真的精神场所。 第二章：艺术的交融：诗、书、画中的“意境”构建 宋代的艺术领域，特别是诗、书、画三者之间的界限变得模糊，它们相互渗透，共同服务于“意境”的表达，即强调“不着一字，尽得风流”的含蓄之美。 一、书法的“尚意”革命 宋代书法摆脱了唐代楷书的法度森严，转向追求个人情感的抒发，即“尚意”书风的形成。 1. “宋四家”的风格异化：详细分析了苏轼的“丰腴”与“自然”、黄庭坚的“瘦硬”与“奇崛”、米芾的“潇洒”与“迅捷”，以及蔡襄的“平正”与“内敛”。我们通过解析他们的墨迹细节，阐释了这种风格的转变与理学对“本真”的推崇息息相关。书法不再是写字，而是性情的流露。 2. 刻帖的普及与影响：宋代刻帖技术的进步，使得书法得以更广泛地传播，但也带来了临摹泛滥的弊端。本书探讨了文人如何应对这种标准化带来的审美疲劳，从而在创作中更加强调个性化的笔触和气息的连贯性。 二、绘画的“写生”与“写心” 宋画的成熟，尤其在山水画和花鸟画领域，达到了中国艺术史的巅峰。 1. 山水画的“可行、可望、可游、可居”：重点剖析了李成、范宽等北方山水画派的雄浑气象与南宋院体的精微写实之间的对话。我们探讨了“散点透视”在山水画中的运用，以及画家如何在尺幅之间纳入“宇宙观”。特别是对“留白”的处理，不再是简单的背景虚化，而是被赋予了空气、光线乃至哲思的意义。 2. 花鸟画的“理趣”：徽宗朝的花鸟画达到了写实的极致，但其背后蕴含的却是对生命细微变化的关照。我们分析了画作中对特定花卉（如梅、兰、竹、菊）的象征意义的运用，以及如何通过精准的描绘来寄托文人对高洁品格的向往。 三、诗词的“格律”与“自适” 宋代文学的标志是词的成熟，但诗歌依然是士大夫抒发抱负、进行政治批判和自我调适的主要载体。 1. “以诗为史”与“以诗为禅”：考察了陆游、辛弃疾等爱国词人如何将深沉的家国情怀融入诗歌的古典格律之中。同时，我们也关注了禅宗思想对文人创作的影响，许多诗作追求一种超越世俗、空明澄澈的境界。 2. 词体的审美规范：词从“艳科”走向主流，其音乐性和情感的细腻度是其成功的关键。本书对比了婉约派（以柳永、秦观为代表）和豪放派（以苏轼、辛弃疾为代表）在题材、用典和句式上的差异，揭示了词体如何成为文人表达隐秘心绪的最佳工具。 第三章：器物中的精神：瓷器、香道与文玩鉴赏 宋代的物化审美达到顶峰，人们对日常生活中的器物，赋予了极高的艺术评价标准，形成了成熟的鉴赏体系。 一、瓷器的“纯粹之美” 宋代五大名窑（汝、官、哥、定、钧）的烧造技艺，代表了中国陶瓷史上的一个高峰，其核心审美在于“内敛的釉色”和“完美的器型”。 1. 汝窑的“天青”迷思：深入探究了汝窑独有的那种介于蓝与绿之间的“天青色”的烧制难度和审美价值。这种釉色的不可复制性，使其成为文人心中“至美”的象征。 2. 哥窑的“金丝铁线”：解析了哥窑开片（冰裂纹）的形成原理，探讨了文人如何将这种自然形成的裂纹视为对“残缺之美”的欣赏，这与道家思想中“损有余而补不足”不谋而合。 二、香学的兴盛与文人社交 宋代香道超越了单纯的熏香除味，成为一种高度仪式化的社交活动和精神修养方式。 1. 香的品鉴与配方：详细描述了“焚香点茶”的场景，考察了宋人对龙涎香、沉香、檀香等名贵香料的认知和使用方法。文人雅集往往伴随着用不同香材调配的“合香”的展示，这比茶道更考验主人的学识与品味。 2. 香具的艺术性：对宋代香炉、香盒的形制进行了梳理，发现其设计多模仿自然形态或仿古青铜器造型，体现了对古代器物的追溯与超越。 结语：宋代文人的“在野”哲学 本书最终描绘出，宋代文人通过对日常细节的极致打磨、对艺术形式的不断创新以及对精神世界的深度内省，成功地在政治的夹缝中，构建了一个独立于权力之外的、以审美为核心的“士人共同体”。他们的生活哲学，并非简单的避世，而是在积极入世与抽离审视之间的精妙平衡，构成了中华文明史上独特而迷人的一页。

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阅读《女红心境》的体验，如同在尘封已久的老宅中，发现了一件被精心呵护的旧物。它没有华丽的辞藻堆砌，但每一句话都经过了岁月的打磨，沉淀出一种不动声色的力量。我尤其赞叹作者对“感官细节”的捕捉能力，她不仅写了眼睛所见，更写了指尖的触感、鼻尖闻到的淡淡的植物香气，甚至连空气中那种略带潮湿的宁静感都被捕捉得丝丝入扣。这本书的内容是极其私人化的，它像是一本被小心翼翼珍藏的日记，向读者展示了一个内心世界极其丰盈的女性如何与外部世界和谐共处。它不像一本教你如何生活的书，更像是一面镜子，映照出你内心深处那些被日常琐事掩盖的、对美好与宁静的渴望。读完后，我没有急着去做什么，只是静坐了一会儿，心里充满了对作者这份沉静心性的敬意。这是一种需要用心灵去阅读的作品，而非仅仅用眼睛。

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这本书的语言风格简直可以用“内敛的华丽”来形容，初看平淡如水，细品之下却有万千滋味。它不像某些畅销书那样用强烈的戏剧冲突或惊人的爆点来吸引眼球，而是采用一种近乎散文诗的结构，字里行间充满了留白。这种留白非常高明，它不直接把结论塞给你，而是把空间留给读者自己去填补。举个例子，书中有一段描写雨夜，主人公只是静静地听着雨声，手中摩挲着一块旧布料，作者用了不到三十个字来带过，但那份雨夜的清冷、布料的粗粝感以及人物内心的某种沉思，却在我的脑海中构建了一个完整且立体的场景。我甚至能闻到潮湿的泥土味。这本书非常适合夜深人静时，点一盏暖黄的灯，慢慢地、一句一句地品味。它需要你投入心神，如果你只是粗略翻阅，恐怕会错过其中无数精妙之处。

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这本《女红心境》实在让人耳目一新，光是书名就充满了古典韵味和内敛的张力。我本来以为这会是一本专注于传统手工艺的教程或者历史考据类的书籍，毕竟“女红”二字常常指向刺绣、编织这些需要时间和心力的技艺。然而，当我翻开第一页，我发现作者的笔触是如此的细腻和富有哲思。它不是在教你如何一针一线地缝补衣物，而是在探讨那种在重复劳作中寻得的内心秩序与平静。书中大量篇幅描述了光影在丝线上的流转，以及那种“慢下来”的节奏感如何对抗现代生活的喧嚣。我特别欣赏作者对“心境”的剖析，她将那些看似琐碎的针脚，提升到了与禅修、与自我对话的层面。读着读着，我甚至感觉自己也沉浸在那一方小小的绣绷之中，体会着一呼一吸间的专注与放下。尤其是书中描绘的关于色彩搭配和图案寓意的部分，绝非简单的图谱，而是融入了作者对生活、对人际关系深刻的理解，每一处点缀仿佛都是对某种心绪的隐喻，引人深思，让人忍不住要合上书本，走到窗边，静静地回味那份文字带来的安宁。

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这本书给我带来的最大冲击是关于时间观的颠覆。在现代社会，我们总是被“效率”和“产出”绑架，恨不得将每一分钟都榨干价值。而这本书仿佛是逆流而上的一股清泉，它歌颂的是那种无用之用。作者似乎在提醒我们，真正的价值往往蕴藏在那些看起来“浪费时间”的活动中——比如，为了一枚扣子的颜色反复挑选，比如，花上数日只为一朵花形的针脚达到最饱满的状态。这种对“慢”的执着，让我开始重新审视自己的生活重心。书中引用了一些非常古典的典故和哲理，但它们并非是生硬的堆砌，而是巧妙地融入到对日常劳作的描述中，使这些古老的智慧焕发出新的生命力。这本书的结构松散却内在紧密，像是一件手工编织的挂毯，乍看之下纹样复杂，但当你顺着丝线追溯，便能发现所有元素都是环环相扣，形成一个和谐的整体。

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我必须承认，我对这本书的期待值其实是比较低的，抱着打发时间的态度开始阅读，结果却像被 অপ্রত্যাশিত的惊喜砸中了一样。这本书的叙事节奏非常缓慢，这在当下追求快餐文化的阅读环境中显得尤为可贵。作者似乎有一种魔力，能将最寻常的日常场景描绘得如同诗歌一般。比如，她描述清晨阳光穿过未完全拉开的窗帘，在木地板上投下一道柔和的光束，那光束中漂浮的微尘，都成了她感悟生活哲学的载体。我最欣赏的是作者对“缺失”和“不完美”的坦然接受。她没有刻意去美化或粉饰生活中的遗憾，而是将那些未完成的篇章、那些线头打结的瞬间，视为作品本身的一部分，是生命张力的体现。这种成熟而又带着淡淡忧伤的视角，让我这个平日里总想把一切都整理得井井有条的读者，得到了极大的释放。读完之后，我感觉内心深处那些紧绷的弦似乎被轻轻地松开了，对生活中的小瑕疵也多了几分包容。

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印刷清晰的织绣摄影册

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私人收藏，捐赠给了清华。数量质量都还可以。

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