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出版者:タッシェン・ジャパン

作者:Philippe Garner

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001

价格:0

装帧:

isbn号码:9784887830424

丛书系列:

图书标签:

• 60年代
• 设计
• 复古
• 流行文化
• 视觉艺术
• 平面设计
• 工业设计
• 装饰艺术
• 时尚
• 怀旧

好的，这是一份针对一本名为《60's デザイン》的图书，但不包含该书内容的详细图书简介，旨在描述一本可能存在的、但与“60年代设计”主题无关的图书的概貌。 --- 《光影的低语：当代摄影中的非线性叙事》 作者： 艾丽西亚·维拉 出版社： 恒久视界出版公司 装帧： 精装，附带高清艺术插页 页数： 480页 定价： 198.00 元 内容提要： 《光影的低语：当代摄影中的非线性叙事》并非一本关于复古美学或历史风格的著作，而是对当前摄影艺术领域中一种至关重要的思维转向——从传统的“时间流逝”记录转向“碎片化、多重现实”构建——的深入剖析。本书聚焦于21世纪初至今，摄影师如何巧妙地运用叙事结构、多重曝光、图像并置以及对“在场感”的刻意模糊，来挑战观众对真实性和故事连贯性的固有预期。 摄影，作为一种曾经被视为忠实于现实的媒介，如今正经历一场深刻的认识论革命。艾丽西亚·维拉，一位著名的艺术评论家与理论家，在本专著中提出，当代摄影的真正力量不再来源于清晰、单向度的记录，而在于其对“不确定性”的拥抱。她认为，在信息爆炸的后现代语境下，单一的叙事已无法承载复杂多变的社会经验，因此，摄影师转而构建起如同梦境、记忆碎片或多重平行宇宙交织的视觉迷宫。 本书结构严谨，分为“解构时间之轴”、“空间的叠印与幻影”、“主体的缺席与重构”以及“数字时代的后真相美学”四大核心章节。 第一部分：解构时间之轴 本章深入探讨了摄影师如何通过蒙太奇手法、系列作品的间隔设置，乃至对曝光时长的故意拉伸或压缩，来打破线性的时间感知。维拉审视了诸如朱利安·奥佩（Julian Opie）的非顺序肖像群组，以及蒂娜·巴尼（Tina Barney）捕捉到的私密瞬间中蕴含的永恒停滞感。重点分析了“慢快门”技术在当代艺术摄影中如何从单纯的技术手段演变为哲学工具，用以表达存在的延展性而非事件的瞬间性。探讨了“档案”作为一种非线性的材料，在艺术家手中如何被重组，形成超越原始语境的新叙事。 第二部分：空间的叠印与幻影 “空间”在非线性叙事中不再是物理位置的简单描绘，而成为了心理层面的映射。本部分侧重于分析摄影师如何利用多重曝光、移轴（Tilt-Shift）技术对焦点的操纵，以及对建筑环境的解构，来创造出既熟悉又陌生的超现实场域。维拉详细剖析了博伊斯科·艾夫根（Bojko Efremov）对城市景观的层次叠加，展示了同一空间在不同情绪、不同时间下的“共存”。讨论了“幽灵图像”——那些因相机震动、镜头眩光或后期处理而产生的半透明残留物——如何成为表达缺失与记忆的有效载体。 第三部分：主体的缺席与重构 当代摄影的“人像”往往是反高光的。本章的核心论点在于，许多顶尖摄影师选择通过主体的缺席、背影或局部的特写来重建对“自我”的理解。维拉考察了那些关注“社会结构”而非“个体身份”的作品，探讨了集体肖像和空无一人的场景如何迫使观众将自身的经验投射到画面之中。她分析了如何通过衣着、环境细节而非面部表情来暗示人物的状态，这是一种更深层次的、更具普适性的叙事策略。这种“缺席”本身，构成了对主体性定义的挑战。 第四部分：数字时代的后真相美学 在数码后期和生成式人工智能日益普及的今天，图像的“真实性”边界被彻底冲破。《光影的低语》的最后一部分，探讨了艺术家如何利用这些工具，不仅是为了“修饰”，更是为了“创造一个平行的、可信的现实”。维拉审视了那些故意展示后期痕迹的作品，认为这些痕迹本身就是叙事的一部分，它们向观众宣告：“我所展示的，并非你所认识的世界，而是我构建的世界。”本书探讨了在“深度伪造”技术背景下，摄影作为艺术形式，如何通过故意展示其“虚构性”来重新确立其批判和反思的价值。 本书特色： 理论深度与案例广度结合： 结合了现象学、符号学和后结构主义理论，同时配以近二百幅精选的当代高分辨率摄影作品（非60年代作品），涵盖了纪实、观念、实验等多个流派。 对“叙事”的再定义： 强调摄影叙事不再是“讲故事”，而是“构建体验”。 面向未来： 本书观点具有前瞻性，是理解当前摄影艺术语言演变的关键指南。 --- 目标读者： 艺术史学生、当代摄影师、策展人、对视觉文化理论和后现代美学有浓厚兴趣的普通读者。 （注：本书内容完全集中于21世纪的摄影理论与实践，与20世纪60年代的设计风格、文化运动或历史主题无任何关联。）

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坦白说，我购买《60's デザイン》的初衷是想寻找一些复古灵感用于我目前正在进行的一个时尚项目。这本书的贡献远超我的预期。它不仅提供了大量的视觉素材，更重要的是，它解析了“酷”（Coolness）是如何被系统性地建构出来的。六十年代的设计语言核心在于一种自信、一种打破束缚的姿态。书中通过对彼时室内设计和家具设计的分析，展现了空间是如何从功能性容器转变为表达个体身份的舞台。那些充满有机形态、色彩鲜艳的塑料家具，不再仅仅是摆设，它们本身就是一种宣言。作者对“青年文化”如何成为设计的主导力量进行了深入剖析，消费主力的年轻一代如何通过他们的审美偏好，彻底重塑了市场的设计规范。这种自下而上的文化冲击，是这本书中最具价值的洞察之一。阅读过程中，我一直在思考，今天的我们，又有哪些新的“反叛”力量正在塑造未来的设计语言？这本书提供了一个极佳的参照系，让我能更清晰地定位当下的设计语境。

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这本书的版式设计本身就是对六十年代设计美学的一种致敬，但做得非常高明，没有落入俗套的模仿陷阱。打开它，你会发现它的开本选择、纸张的触感、乃至于装订方式，都透露着一种对那个时代产品品质的怀念。内容组织上，作者巧妙地将“高雅艺术”（High Art）与“低俗文化”（Low Culture）并置讨论，打破了传统设计史中对艺术与商业界限的僵硬划分。例如，书中并列展示了前卫的实验电影海报和当时热销的唱片封面，揭示了它们在视觉语言上是如何互相渗透、相互借力的。这种跨界分析，让我看到设计是如何真正地参与到社会思潮的构建之中。它不仅仅是服务于产品，更是一种社会对话的工具。书中对“反设计”（Anti-Design）思潮的探讨也令人深思，那种对功能主义的质疑和对趣味性的强调，预示了未来几十年设计思潮的转向。这本书的阅读体验是多维度的，视觉、触觉和智力都在被同时激活。

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说实话，我一开始对这类专注于某个年代“风格”的书籍抱有一丝怀疑，总觉得会流于表面，堆砌一些华而不实的图片。然而，《60's デザイン》彻底颠覆了我的看法。它最成功的地方在于，它没有仅仅停留在展示“美学”层面，而是深入挖掘了设计背后的社会驱动力。比如，书中提到了太空竞赛对设计语言的影响，那种流线型、未来感的造型是如何从火箭和宇宙飞船的设计中汲取灵感，并迅速转化为汽车、电子产品外壳的工业设计语言的。我特别喜欢它对“模组化”（Modularity）概念的讨论，那不仅仅是建筑和家具的趋势，也反映了当时社会对标准化、可复制性的追求。作者的文字功底非常扎实，行文流畅，即使是对设计门外汉来说，理解起来也毫无压力。最让我惊喜的是，书中穿插了一些设计师的访谈片段，虽然简短，但真实地流露出他们面对一个快速变化的世界时的兴奋与迷茫，这让整本书的质感瞬间提升，不再是冰冷的图像集合，而是有血有肉的时代侧写。

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对于我们这些在数字时代成长的从业者而言，回溯模拟时代的创作过程，本身就是一种宝贵的学习。《60's デザイン》在探讨那个时代的设计制作工艺上做得非常出色。它详细描绘了胶印、丝网印刷等传统工艺是如何限制和塑造最终视觉效果的。例如，丝网印刷带来的那种略显粗糙、颜色堆叠的质感，是如何成为一种独特的风格标签，而不是技术缺陷。书中对比了早期的印刷品和如今高精度数码输出的差异，让我深刻体会到“媒介决定信息表达”的道理。读到有关包装设计的部分时，我注意到当时的产品为了在琳琅满目的货架上脱颖而出，必须依靠极其强烈的图形符号和一目了然的层级结构，这与我们现在过度依赖动态效果和复杂信息展示的现状形成了鲜明对比。这本书像一面镜子，映照出我们失去了什么，又获得了什么。它提醒我，真正的设计魅力，往往源于对现有工具和材料的深刻理解与驾驭。

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这本《60's デザイン》简直是一场视觉盛宴，翻开书页，仿佛瞬间穿越回了那个充满活力与变革的六十年代。我尤其欣赏作者对于色彩运用的细腻捕捉，那些大胆撞色、明亮饱和的色块是如何在那个年代的平面设计中占据主导地位的，书里通过大量的插图和当时的广告案例进行了详尽的剖析。比如，书中对波普艺术（Pop Art）如何渗透到日常设计，从家居用品到海报宣传，那种对大众文化的热烈拥抱和戏谑态度，展现得淋漓尽致。我记得有一章专门讲了字体设计，那时候的衬线体正在向更简洁、更现代的无衬线体过渡，但同时又融入了一种奇特的手写感和夸张的曲线，这种矛盾与融合在书中的案例里体现得非常直观。对于研究现代设计史的人来说，这本书不仅仅是图录，更像是一本活的历史教科书，它没有过多枯燥的理论堆砌，而是通过精选的、具有代表性的设计作品，让你“感受”到那个时代的设计精神——那种对未来的乐观主义和对既有规则的挑战欲。读完之后，我感觉自己对“复古”这个概念有了更深层次的理解，它远不止是简单的模仿，而是一种文化基因的回归与再创造。

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