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出版者:中医古籍出版社

作者:吴风非

出品人:

页数:264 页

译者:

出版时间:2008年

价格:28.0

装帧:平装

isbn号码:9787801745408

丛书系列:

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丹青遗韵：近代中国画的风格流变与精神内核 本书旨在对近代中国画（约1840年至1949年）的发展脉络进行一次细致入微的梳理与深入的剖析。这一时期，中国社会经历了翻天覆地的变革，传统的文化与艺术体系在西方现代思潮的冲击下，面临着前所未有的挑战与重塑。本书将避开对传统书画技法和理论的纯粹复述，转而聚焦于艺术史的宏大叙事下，个体画家群体如何应对时代巨变，其创作思想、风格面貌以及所承载的民族精神是如何进行转型与迭代的。 全书分为五个部分，层层递进，力图勾勒出近代中国画从“抱残守缺”到“开新立异”的复杂历程。 --- 第一章：晚清的“格律”与“守正”：传统文人画的最后坚守 (1840-1911) 本章探讨鸦片战争后至辛亥革命前，中国画坛在保守与变革中的张力。这一时期的艺术活动，很大程度上仍是在既定的“四王”体系框架内进行深化与演变。 1.1 恪守家法与地域流派的细微差异： 重点分析以“四王”余绪为代表的江南画派的最后阶段特征。我们不再简单地将他们视为“摹古派”，而是考察他们如何通过对笔墨精微之处的提炼，试图在既定范式中寻求个人声音的突破。例如，对董源、巨然山水笔法的“量化”研究，以及如何在院体画向民间审美过渡的过程中，对“气韵生动”进行新的解释。 1.2 碑学兴起对绘画的影响： 考察金石学的复兴如何渗透到绘画本体。碑学对书法的影响是显而易见的，但本书将重点分析“金石入画”在造型结构和笔触力度上的具体体现。如何从汉魏造像和碑刻中汲取古拙雄强的力量，以期在传统“士气”中注入一种近乎“力量美学”的元素，以对抗西方的写实主义冲击。 1.3 鉴藏界的权力转移与艺术标准的重塑： 分析晚清士大夫阶层在政治失意后，如何将“审美优越感”投射到对传统艺术的极致推崇上。鉴藏标准的收紧与对“格法”的强调，客观上起到了延缓艺术革新的作用，但同时也为后来的艺术反思留下了深厚的“批判性资源”。 --- 第二章：民国初期的“独立宣言”：海派的嬗变与士气的新生 (1912-1927) 辛亥革命的冲击，使得艺术的独立性首次被明确提出。本章聚焦于上海这一文化熔炉，探讨传统文人画如何开始主动寻求“自救”。 2.1 沪上画坛的都市化与题材的世俗化： 分析上海作为当时中国最国际化的城市，其商业氛围对绘画题材和风格的影响。都市精英对“雅”的定义开始变化，花鸟画题材如何从纯粹的寓意转向对现实生活瞬间的捕捉，以及对异域风格（如日本的“四条派”）的有限吸收。 2.2 个人风格的激进化：对传统“混搭”的尝试： 详细考察一批前卫画家（如吴昌硕后的海派继承者）如何通过色彩、构图上的大胆尝试，试图在不彻底放弃笔墨的前提下，赋予作品新的生命力。重点分析他们如何借鉴民间艺术的鲜明色彩和装饰性，以对抗北方画坛的“晦暗”倾向。 2.3 “非遗存”的困境：老派画家的心态与表达： 探讨在革命浪潮中，坚守旧学的老一辈画家，在面对新式教育和西方艺术观念时的矛盾心态。他们的创作往往呈现出一种技术上的精湛与精神上的“滞后感”之间的张力。 --- 第三章：学院派的介入与“新国画”的肇始：中央与地方的学术角力 (1920s-1930s) 本章核心探讨在官方教育体制建立后，中国画如何被纳入现代学科体系，以及这一过程带来的结构性变化。 3.1 北平“教化”的实践：传统模式的“科学化”： 分析北京艺专等机构如何尝试将中国画教学“规范化”和“体系化”。这包括对“笔墨”进行解构分析，试图将其转化为可传授的、具有普遍性的技术模块。重点剖析“故宫南迁”对学术研究的刺激作用。 3.2 南方“革命”的探索：融合与创新运动： 聚焦于试图以更激进的方式改造中国画的群体。他们不再满足于在传统内部做修补，而是主动将西方的素描原理、解剖学知识引入中国画的造型基础中。分析这种“中西融合”的实践在早期所产生的视觉冲突与美学张力。 3.3 艺术的社会功用性辩论： 考察在国家建设的宏大叙事下，艺术被要求承担的社会责任。画家们开始思考，中国画如何才能“入世”，如何才能描绘工厂、铁路和现代都市生活，而非仅仅是高山流水。 --- 第四章：抗战时期的“民族精神”与艺术的转向 (1937-1945) 战争环境对艺术创作产生了巨大的催化作用。本章关注艺术如何从精英的案头游戏转向大众的鼓舞力量。 4.1 题材的“宏大叙事”与“纪实”倾向： 探讨山水、花鸟题材如何在战争宣传中被“象征化”或“边缘化”。写实性题材（如战争场面、沦陷区人民生活）的兴起，以及画家如何利用传统笔墨去承载现代情感，如对悲怆、坚韧的描绘。 4.2 迁徙中的艺术生态：西南联大时期的学术传承： 分析在抗战后方，不同画派的艺术家如何在艰苦的环境中保持学术交流的火种，以及这种被迫的“地理聚合”如何催生出一些新的艺术思想的碰撞。 4.3 笔墨语言的“硬化”与“力度”的强化： 考察在民族危亡之际，画家们如何通过笔触的力度、墨色的浓淡对比，来表达内在的愤怒与不屈。这一时期的“重墨”运用往往带有强烈的象征意义。 --- 第五章：战后画坛的多元格局与“未来之问” (1945-1949) 抗战胜利后，画坛进入了一个短暂的、充满活力的“重塑期”，为新中国的艺术格局埋下伏笔。 5.1 新兴城市与传统艺术的深度对话： 分析战后上海、香港等地画廊和艺术展览的兴盛，如何为已经成熟的画家们提供了一个展示其“集大成”成果的舞台。这一阶段的风格往往是对其一生探索的总结与提炼。 5.2 少数流派的“边缘化”与“异类化”： 考察在政治意识形态日益清晰的背景下，那些坚持纯粹个人审美趣味的画家，其作品是如何开始被主流话语系统所“警惕”或“忽视”的。 5.3 笔墨的“终结”与“起点”： 总结近代中国画在一百年间，从对传统范式的层层递进式研究，最终走向对“何为中国画”的根本性发问。它不再仅仅是技巧的传承，而成为了一个关于民族身份和文化存续的哲学问题。本书的结论将停留在1949年之前，侧重于分析这一阶段遗留下的美学遗产及其未能完全解决的内在矛盾，为后续的艺术发展留下开放性的思考空间。 本书的叙事策略是避免将近代中国画视为一个线性的进步过程，而是将其视为一个在内外部压力下，充满矛盾、妥协与突破的复杂场域。通过对具体个案的细致考察，揭示其风格变化背后的思想动因与时代精神的深刻烙印。

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那本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，色彩的运用大胆而富有层次感，仿佛能透过纸张感受到作者的匠心独运。光是拿到手里，那种沉甸甸的质感和精美的装帧，就让人忍不住想立刻翻开它，一探究竟。我尤其欣赏它在细节上的处理，比如烫金的书名，在光线下闪烁着低调而奢华的光芒，让人觉得这不仅仅是一本书，更像是一件值得珍藏的艺术品。虽然我还没有完全沉浸到内容之中，但仅仅是初步的翻阅，那种对阅读体验的重视就已深深打动了我，让人对接下来的旅程充满了美好的期待。它似乎在暗示，接下来的文字会像这封面一样，充满深度和美感，绝非泛泛之作。

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坦白说，我是一个对角色塑造有着近乎苛刻要求的人，而这本书里的角色，简直是活生生地站立在了我的面前。他们身上那种复杂的人性光辉与阴影交织出的真实感，让人不得不去深思。那些主角的挣扎、内心的矛盾、面对困境时的抉择，没有丝毫的刻意拔高或脸谱化，每一个决定似乎都源于他们过往的经历和深层的心理动机。我甚至感觉自己可以从他们的言谈举止中，推断出他们未曾言明的过往，这种深度的代入感，是很多作品难以企及的。他们不是简单的符号，而是有血有肉的个体，他们的命运牵动着我的心弦。

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整体来看，这本书给我的感觉是格局非常宏大，它似乎不仅仅是在讲述一个故事，更像是在探讨一些关乎存在、关于时间、关于人类文明走向的终极命题。虽然具体的内容我还在探索之中，但那种深植于文本之下的哲学思辨和人文关怀，是无法忽视的。它不像那种快消式的娱乐读物，它更像是一份沉甸甸的邀请函，邀请你一同进入一个更广阔、更复杂的世界观中去进行一场精神上的远征。读完之后，我相信它留给我的影响，绝不仅仅是故事的结局，而是一种看待世界角度上的微妙转变。

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这部作品的语言风格，我只能用“精炼却又饱含张力”来形容。它不像某些文学作品那样堆砌华丽辞藻，反而更倾向于用最简洁、最凝练的语句，勾勒出最恢弘或最深邃的意境。很多时候，作者只是轻描淡写地带过一个场景或一句对话，但留给读者的想象空间却异常广阔，足以让每个人在脑海中构建出独一无二的画面。这种“言有尽而意无穷”的表达方式，无疑是对读者智识的一种尊重和挑战。读它的时候，我常常需要停下来，反复咀嚼那些看似平淡却暗藏玄机的句子，从中品味出多层含义。

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这次的阅读体验，最让我感到惊喜的是作者的叙事节奏控制得极其精准，简直就像一位技艺高超的指挥家在掌控着一支庞大而复杂的交响乐团。时而舒缓如潺潺流水，让你有足够的时间去品味那些细腻的情感和环境的描摹；时而又陡然加速，将你卷入一个又一个扣人心弦的冲突和高潮之中，让人几乎喘不过气来，只能紧紧跟随笔锋的指引。这种张弛有度的节奏感，使得阅读过程充满了动感和活力，绝不会让人感到枯燥乏味。每一次情节的转折都恰到好处，如同精心设计的舞台灯光，总是在最需要聚焦的地方，给予最强烈的照明，引人入胜。

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