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出版者:四川大学出版社

作者:汪纪军, 吴兵

出品人:

页数:16

译者:

出版时间:2009-6

价格:58.00元

装帧:

isbn号码:9787561443606

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《巴洛克时期键盘音乐演奏实践：从理论到实践的深度探索》 作者： [此处可填写一位假想的资深音乐教育家或演奏家姓名] 出版社： [此处可填写一家权威的音乐学或乐谱出版社名称] --- 内容提要： 《巴洛克时期键盘音乐演奏实践：从理论到实践的深度探索》是一部为严肃的键盘乐器学习者、演奏家以及音乐学者量身打造的权威指南。本书旨在系统梳理并深入剖析巴洛克时期（约1600-1750年）键盘音乐的创作风格、演奏技法、历史背景及其美学思想，并提供一套将理论认知转化为实际演奏技巧的完整路径。全书基于对大量一手史料、早期乐谱版本比较研究以及现代演奏实践的深刻理解，力求在尊重历史语境的同时，为当代演奏者提供富有洞察力的指导。 本书的结构兼顾了历史的宏观视野与微观技巧的打磨，分为上下两册，内容详实，论证严谨。 上册：历史语境、风格辨析与基本要素构建 上册聚焦于为演奏实践奠定坚实的理论和历史基础。它不仅仅是一部演奏指南，更是一部微观的巴洛克音乐史与风格研究专著。 第一部分：巴洛克键盘音乐的时代背景与发展脉络 本部分首先概述了17世纪初至18世纪中叶欧洲音乐图景的变迁，重点探讨了键盘乐器（包括羽管键琴、大键琴、早期钢琴及管风琴）在不同地域（如意大利、法国、德国、英国）的发展历程及其对音乐创作的直接影响。 声学革命与乐器革新： 详细分析了温度系统（Temperament）的演变——从不均律到不同程度的良律系统——如何影响了和声色彩和指法选择。探讨了羽管键琴（Harpsichord）在音色、力度控制（或缺乏力度控制）上的特性，以及这如何形塑了作曲家的写作手法。 重要的音乐中心与流派： 对意大利的“帕蒂塔”（Partita）传统、法国的“键盘组曲”（Suite）的装饰技法、以及德国南部和维也纳学派在赋格与奏鸣曲形式上的贡献进行了细致的比较分析。 第二部分：演奏的基石：指法、力度与触键的哲学 巴洛克演奏的首要挑战在于理解其与浪漫主义及后世演奏理念的根本差异。本部分深入研究了早期指法手册（如C.P.E.巴赫、菲利普·埃曼努尔·巴赫等人的论述）的实践意义。 指法的“现代性”与“历史性”： 探讨了巴洛克时期对使用所有五指的偏好，以及如何利用指法的指位转换（Shifting）来实现乐句的连贯性，而非依赖踏板或现代指法的“固定感”。 触键的“颗粒感”与“清晰度”： 详细解析了巴洛克羽管键琴演奏中对音头（Attack）和音尾（Decay）的控制策略。强调了“Articulation”（关节处理）在塑造清晰、对位线条中的核心地位，包括“非连奏”（Non-legato）和“呼吸式连奏”（Breath-like legato）的准确运用。 节奏的内在驱动力： 剖析了巴洛克音乐中节奏的“运动性”（Motoric Rhythm）特征，即如何通过精确的附点、切分和装饰音的执行，维持音乐的持续张力，而非仅仅是“数拍子”。 第三部分：对位法的视觉化：声部线条的独立与融合 巴洛克键盘音乐的精髓在于对位。本部分的核心任务是将理论上的对位知识转化为听觉和触觉的实践。 声部识别与平衡： 提供了将复杂的复调织体（如赋格、卡农、三声部托卡塔）分解为独立声部的训练方法。重点讨论了在键盘上如何通过音色、触键力度（即使在羽管键琴上，也指触键的“深度”和“清晰度”）来区分主导声部与从属声部，避免“一团和气”的现象。 和声的线性处理： 强调巴洛克音乐中和声是线性运动的结果，而非独立存在。分析了如何通过精确地演奏通过音、邻音和换音，来增强和声进行中的逻辑性和驱动力。 --- 下册：曲式分析、装饰技法与文献实践 下册将理论研究直接导向具体的演奏文献与实践难题，是技术精进与风格完善的实操手册。 第四部分：主要曲式与文体的演奏指南 本部分以具体曲目类型为纲，结合重要的作曲家范例，提供具体的演奏指导。 组曲（Suites）的结构与色彩： 以法国和德国键盘组曲为例，讲解前奏曲、快板（Allemande）、萨拉班德（Sarabande）、吉格（Gigue）等舞曲的特定节奏特征、速度选择和装饰风格。重点剖析了萨拉班德在慢速中对重音的处理（如“第二拍重音”的微妙运用）。 赋格（Fugues）的结构与演绎： 以巴赫《平均律键盘曲集》中的作品为例，详细解析了呈示部、中段、与再现部的结构功能。讨论了主导动机（Subject）的性格化处理，以及如何通过速度的稳定和织体的清晰度来体现“逻辑之美”。 托卡塔（Toccatas）与幻想曲（Fantaisias）的即兴精神： 探讨了这类作品中自由结构与固定结构之间的张力。如何平衡即兴的奔放（如快速的琶音、音阶跑动）与对内在结构（如和声的转调路径）的把握。 第五部分：装饰音的权威解读与个性化实践 装饰音是巴洛克演奏的“语言”，其执行方式直接反映了演奏者对特定地区风格的理解深度。 装饰音的谱写与即兴： 系统梳理了颤音（Trill）、回音（Mordent）、琶音（Arpeggio）以及各种切分装饰音在不同地域和作曲家手中的符号约定。强调了颤音的起始点（通常在主音上方还是在原音上），并探讨了其在不同速度和曲式中的长度变化。 风格化的装饰运用： 详细对比了意大利式（简洁、快速）与法国式（华丽、密集）装饰风格的差异。提供了如何根据乐句的需要，对未被明确记谱的音符进行风格化地“润饰”的原则。 踏板（Pedal）的审慎使用： 针对现代钢琴演奏者，本部分提供了如何有限度、有目的地使用延音踏板的建议，核心在于保持声部的独立性。讨论了在模仿羽管键琴的颗粒感时，踏板仅作为音色的“粘合剂”，而非持续的“混响器”。 第六部分：版本比较与历史语境的融入 本部分引导读者学会批判性地阅读乐谱版本。 版本学基础： 分析了不同手稿、早期印刷本（如Bach的“遗嘱”版本）与现代校订本之间的差异点。教会读者识别哪些是作曲家本意，哪些是后人增添的标记（如指法、力度标记、连奏线）。 从历史到当代： 鼓励演奏者将对历史演奏实践的理解，内化为自身对音乐的诠释。最终目标是超越对“历史复制”的盲目追求，达到一种既尊重文献、又充满个人洞察力的演奏境界。 适用对象： 本书面向具备扎实基础的古典音乐学生、专业键盘演奏家（钢琴、羽管键琴、管风琴）、音乐学院高年级及研究生，以及对巴洛克音乐有深度研究兴趣的音乐理论家和爱好者。 --- 总页数： 约1000页（上下册合计） 配图与范例： 包含大量乐谱摘录、乐器图解、以及历史文献插图，确保理论与实践的紧密结合。

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从装帧和排版的角度来看，这套书也体现了极高的专业水准。纸张的质量很好，即便是经常翻阅和在谱架上使用，也不会轻易出现磨损或者反光影响阅读的情况。乐谱的印刷清晰度非常高，五线谱和六线谱的对应关系一目了然，尤其是一些复杂的指法标记，处理得非常细致，即便是光线不佳的环境下也能迅速定位到需要注意的细节。另外，我很欣赏它对“练习曲”的选择。这些练习曲并非只是枯燥的音阶组合，它们听起来更像是简化的、但旋律性很强的片段，这极大地提高了我练习的积极性。我发现自己不再是为了完成任务而练习，而是真的期待去把这些“小曲子”弹得更流畅、更好听。这种把枯燥的技巧训练融入到实际的音乐体验中的做法，无疑是激励学习者持续前行的强大动力。

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说实话，我之前尝试过好几本不同的入门书籍，大多在“深入”和“易懂”之间摇摆不定，要么过于浅尝辄止，很快就遇到学习的瓶颈期；要么就是上来就堆砌大量晦涩难懂的术语，让人挫败感十足。但这一套教材，真正做到了“恰到好处”的拿捏。它的难点提升曲线设计得非常平滑，每当你感觉前一页的内容已经基本掌握时，下一页就会非常自然地引入一个新的技巧点，比如从开放和弦过渡到封闭把位的转换，或者是一些基础的琶音练习。最让我印象深刻的是，它对“音色”的强调。很多教程只关注“弹对音高和节奏”，而这本书花费了大量篇幅去讨论如何通过不同的指甲或指肉接触方式来塑造不同的音色，如何通过轻重缓急来表达音乐的“呼吸感”。这让我的练习不再只是机械性的手指运动，而是开始有了音乐性的思考，这对于一个想真正掌握乐器的人来说，简直是醍醐灌顶。

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这本吉他教材的编排实在让人眼前一亮，它不像市面上很多枯燥的技巧书，更像一位循序渐进的老师在手把手地教你。尤其欣赏它在基础乐理和指法训练之间找到的绝佳平衡点。初学者常常因为理论知识的堆砌而望而却步，但这本书巧妙地将乐理融入到实际的练习曲目中，让我在学习爬格子和音阶的同时，不知不觉就理解了和弦的构成和调性的关系。书中对于右手拨弦的细节处理描述得极其到位，无论是连奏还是分解和弦的力度控制，都有专门的段落进行深入剖析，配上的图示清晰明了，哪怕是对于像我这样手型比较僵硬的初学者来说，也能立刻领会到正确的发力点和放松技巧。我感觉自己过去在闷头乱练时遇到的瓶颈，很多都是因为缺乏这种系统化的指导。它真正做到了“授人以渔”，不仅仅是告诉你“怎么做”，更告诉你“为什么这么做”，这种深层次的理解，对于未来进阶到更复杂的曲目是至关重要的基石。

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我特别喜欢这本书中对于“节奏感”的训练方法论。在很多初级教材中，节奏往往只是一个被动接受的元素，学生需要借助节拍器来强迫自己保持稳定。然而，这本书提供了一套更主动、更内在的节奏训练体系。它通过引入一些特殊的节奏型练习，比如故意制造轻微的“提前”或“滞后”的练习，来帮助演奏者建立起对时间流逝的敏锐感知。通过反复的对比练习，我开始能够更清晰地“听”到自己的节奏偏差在哪里，并学会用手指的细微调整来自我纠正，而不是完全依赖外部工具。这种对内部律动的培养，让我的演奏在准确之余，多了一份“弹性”和“生命力”，这才是真正的音乐表现力的基础。这种注重内在感受的教学方式，远比单纯的机械重复有效得多。

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这本书的结构安排，尤其是在对高级技巧的引入上，展现出了一种罕见的条理性和前瞻性。当涉及到需要大量跨弦或复杂扫弦的段落时，作者并没有直接丢出一个让你眼花缭乱的复杂乐句，而是先将这个技巧拆解成几个最核心的、最基础的动作模块进行单独练习。比如，在引入更复杂的“混合拨弦”概念之前，它会先让你专注于右手拇指与食指、中指的相对独立性训练，确保了支撑结构的稳固。这种“化繁为简，逐层递进”的教学思路，极大地减少了学习者在面对高难度段落时的心理障碍。更重要的是，它没有局限于古典吉他的传统曲目，而是隐约透露出对现代演奏手法的兼容性，这让作为学习者的我，对未来的学习方向充满了期待，知道自己打下的基础是足够坚实和具有延展性的。

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居然没人买。。。汗

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