（7DVD）三维动画大师 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:416

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出版时间:2009-7

价格:128.00元

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isbn号码:9787894877499

丛书系列:

图书标签:

• 三维动画
• 动画制作
• DVD教材
• 动画大师
• CG技术
• 动画教程
• 特效制作
• 影视制作
• 数字艺术
• 软件教学

经典电影特效制作深度解析 一部全面涵盖视觉特效历史、理论与实战技法的权威指南 本书深入探讨了电影视觉特效从萌芽到成为当代电影制作核心驱动力的演变历程，并为有志于投身这一领域或希望深入了解其运作机制的专业人士和爱好者提供了一份详尽的技术与艺术交汇点的指南。 第一部分：特效的起源与发展：从光学魔术到数字浪潮 本部分追溯了特效艺术的根源，展示了人类如何利用错觉和巧妙的布景在早期电影中创造奇观。 1. 早期电影中的机械与光学诡计（1895-1930年代） 停机再拍（Stop Motion）的诞生与应用： 详细解析了詹姆斯·斯图尔特·布莱克顿（J. Stuart Blackton）如何运用此技术，以及它在早期恐怖片和奇幻作品中的基础作用。 替代法（Subtractive Photography）： 重点介绍威廉·林迪格（William Latham）的“拉特林”（Lattes）技术，以及如何通过多次曝光和遮罩实现复杂的场景叠加。 模型与微缩景观（Miniatures and Forced Perspective）： 分析了《金刚》（King Kong, 1933）中那些令人叹为观止的布景设计如何欺骗观众的眼睛，讨论了比例尺对真实感的影响。 2. 银幕奇观的飞跃：油彩、赛璐珞与实拍合成（1930s-1970s） Dyna-Matte与Schüfftan技术精进： 探讨了20世纪中期，好莱坞如何利用复杂的玻璃和镜面反射技术，将演员与宏大场景无缝融合，尤其在科幻史诗片中的应用。 赛璐珞动画的成熟： 虽然与真人特效有所区别，但对迪士尼等工作室在多层摄影机和色彩分离技术上的突破进行了梳理，这些技术为后来的合成奠定了基础。 蓝幕/绿幕的前身： 介绍早期基于色差原理的底片遮罩技术，讨论其局限性——如何因光照和胶片颗粒度而产生的边缘瑕疵。 3. 数字革命的黎明：CGI的引入与标准化（1980s-2000s） 《星球大战》与工业光魔（ILM）的奠基： 分析了《星球大战》系列如何推动计算机辅助设计（CAD）进入电影制作，特别是在模型制作和运动控制摄影（Motion Control）方面的革命。 早期CGI的里程碑： 重点剖析《电子世界争霸战》（Tron）和《终结者2：审判日》（Terminator 2: Judgment Day）中“液态金属”的渲染技术，探讨了早期光线追踪（Ray Tracing）和体积渲染（Volume Rendering）的局限与突破。 毛发与皮肤的挑战： 讨论了如何从简单的多边形模型过渡到对生物体复杂表面特性的模拟，如《侏罗纪公园》中恐龙皮肤的质感表现。 第二部分：数字特效的深度技术解析 本部分聚焦于当代主流视觉特效的制作流程、核心软件应用以及关键算法的原理。 1. 三维建模与数字雕塑（Modeling and Sculpting） 拓扑结构与布线的重要性： 解释了低多边形（Low-Poly）与高细节模型在动画绑定和渲染优化中的不同角色。 数字雕塑的流程： 详述ZBrush等软件在创造高频细节（如皱纹、毛孔）方面的操作技巧，以及如何将高模信息烘焙（Bake）到低模贴图上。 程序化建模的兴起： 介绍Houdini等工具中基于节点的工作流，如何用数学函数生成复杂的几何体，如岩石、植被和城市景观。 2. 纹理、材质与着色器设计（Texturing and Shading） PBR（基于物理的渲染）流程： 深入讲解金属度（Metallic）、粗糙度（Roughness）和法线贴图（Normal Maps）如何协同工作，以模拟真实世界的光与物质交互。 UDIM工作流： 分析现代高分辨率纹理贴图的组织和管理方法，确保角色和资产在多个渲染镜头中保持一致的视觉质量。 程序化纹理的优势： 探讨如何利用噪声函数（如Perlin Noise）创建自然变化的表面细节，减少手工绘制的工作量。 3. 动态模拟：物理世界的数字化重现（Simulation） 流体动力学（Fluids）： 详细解析Navier-Stokes方程在模拟水、烟、火等现象中的基础应用，讨论网格分辨率对模拟真实感的影响，以及如何处理缓存和二次优化。 刚体与软体动力学（Rigid and Soft Body Dynamics）： 解释如何设置碰撞检测、摩擦力和形变限制，以确保破碎的物体或布料运动符合物理定律。 毛发与皮草模拟（Grooming）： 介绍基于引导线（Guides）的毛发系统，如何处理成千上万根独立发丝的碰撞、重力和风力影响，以及后期渲染时的阴影计算。 4. 绑定与动画原理（Rigging and Animation Principles） 角色骨骼绑定： 讲解正向运动学（FK）与逆向运动学（IK）的切换机制，以及解剖学约束（Joint Limits）和驱动器（Drivers）在创建易于动画师控制的控制器方面的应用。 形变技术（Deformation）： 深入探讨基于混合形变（Blend Shapes/Morph Targets）和骨骼权重（Skinning Weights）的实现方式，以处理复杂的面部表情和关节处的肌肉收缩。 动画曲线的艺术： 强调“时机”（Timing）和“间隔”（Spacing）在赋予角色生命力方面的关键作用，超越软件工具本身，回归动画的艺术本质。 第三部分：合成与后期处理：光影的最终融合 本部分是连接三维元素与实拍画面的桥梁，是决定最终影片质量的关键环节。 1. 摄影测量与匹配运动（Matchmove and Camera Tracking） 2D与3D跟踪的区分： 分析如何利用点云数据和三维场景几何体，精确地将虚拟摄影机运动与实拍镜头数据对齐。 镜头畸变与校正： 讨论如何分析镜头的光学特性（如焦距、失真），并在合成阶段消除或复现这些误差，以达到无缝融合。 2. 渲染输出与多通道合成（Multi-pass Rendering and Compositing） 渲染通道的分解： 详细解释了漫反射（Diffuse）、高光（Specular）、次表面散射（SSS）、环境光遮蔽（AO）等各个通道的意义，以及它们如何为合成提供最大的调整空间。 深度与运动信息的使用： 讲解Z-Depth通道如何用于后期景深调整，以及运动矢量（Motion Vectors）如何在不重新渲染的情况下修复运动模糊问题。 合成软件的核心操作： 重点介绍Keying（抠像）、Roto（遮罩绘制）、Color Correction（色彩校正）和Grade（调色）在最终画面统一性上的作用。 3. 最终光照与色彩统一（Final Lighting Integration） 光影匹配的艺术： 探讨如何分析实拍现场的光照方向、强度和色温，并通过环境光探头（HDRI）或手动设置虚拟光源来重现这些效果。 边缘融合技术（Edge Blending）： 分析如何处理CGI元素与实拍背景之间的边缘过渡，消除“胶带感”，确保合成对象看起来像是“呼吸”在场景中。 结语：未来趋势与艺术家素养 本书最后展望了实时渲染引擎（如Unreal Engine, Unity）对传统管线的冲击，以及人工智能在辅助生成资产和优化工作流程中的潜力。它强调，无论技术如何演进，对光线、形态和叙事节奏的深刻理解，始终是杰出视觉特效艺术家的核心素养。 本书内容全面、深度适宜，不仅适用于初学者理解流程，也为经验丰富的专业人士提供了回顾和深化技术理解的宝贵参考。

评分☆☆☆☆☆

400+页的全彩，分量非常重 不过书本没什么出彩的地方，唯一说得上来的就是国内最新的xsi教程了(虽然用的也不过是7.5而已) 7张dvd内容还算不错，要是对emule上大片英文xsi教程苦手的可以看下 总体来说还行，就是价格确实挺高的

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这本书，天呐，我简直不敢相信我居然在书店里淘到了这么个宝贝！封面设计就充满了未来感，那种线条和色彩的搭配，一下子就把我的好奇心勾起来了。拿到手里沉甸甸的，就知道这绝对不是那种敷衍了事的入门读物。我本来对三维动画一直都是心存敬畏，觉得那玩意儿得是天才才能搞定的技术活，可翻开目录，我发现它居然把那些复杂的概念拆解得异常清晰。比如讲到“光照与阴影”那一章，作者不是干巴巴地罗列公式，而是用了很多生动的例子来解释，什么“漫反射”、“镜面反射”这些听起来高深的词汇，竟然被描述得像是在讲一个关于光线捉迷藏的故事。而且书中配的图例，简直是教科书级别的！每一个步骤的分解图都标注得清清楚楚，即便是像我这种纯小白，也能大致跟上那个思路。我尤其喜欢它在“角色骨骼绑定”那块的讲解，不仅仅是告诉你“怎么做”，更重要的是解释了“为什么这么做”，背后的逻辑和艺术考量都交待得明明白白。读完前几章，我已经感觉自己像是被一个经验丰富的大师手把手领进了这个神奇的世界，而不是被一堆冷冰冰的技术术语砸得晕头转向。我赶紧把手边的旧作都堆到一边，准备全身心投入到这本书里去，感觉这次是真碰上对的“武功秘籍”了。

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这本书的编排逻辑非常严谨，它构建了一个从宏观到微观，再从基础到高级的完整知识体系。不像市面上很多书，东一榔头西一棒槌，这本给我的感觉是，它已经为你铺设好了一条清晰的升级路线图。一开始会非常耐心地打地基，确保你对基本概念的理解是扎实的，比如变换矩阵、坐标系转换这些基础到骨子里但又容易混淆的概念，它用非常直观的图示和比喻讲得非常透彻，感觉像是回到了大学课堂上听最棒的教授讲课。随着章节的深入，难度是循序渐进的，你不会突然被一个无法逾越的知识点卡住。最让我感到惊喜的是，在讲解到高级的“流体模拟”和“布料解算”时，它并没有直接跳到复杂的参数面板，而是先从物理学的角度解释了这些现象的本质，然后才引出软件中对应的工具和算法。这种“知其所以然”的教学方式，让我对所学知识的掌握不仅仅停留在“记住按键”的层面，而是真正理解了背后的原理。读完这本书，我感觉自己的技术知识结构被彻底重塑了一遍，那种自信心是其他零散学习无法比拟的，它让我敢于去挑战更复杂、更有野心的项目了。

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说实话，我本来是冲着“大师”两个字来的，心里预期的是那种高高在上、只谈理论不接地气的高级教程。结果这本书完全颠覆了我的认知，它简直就像是一位亲切的“邻家大哥”在毫无保留地分享他的独门秘籍。这本书最打动我的地方在于它的实战性，它不是那种停留在概念层面的空谈，而是紧紧围绕着实际工作流程展开。比如，它专门辟了一块内容讲“场景的优化与渲染效率”，这在很多初级教程里都是被略过或者一带而过的关键点，但这本书却非常细致地分析了不同渲染器的优劣，以及如何在保证视觉效果的前提下，通过调整参数来显著缩短渲染时间。我记得有一次，我为一个项目渲染一个复杂的室内场景，光是测试渲染就耗费了我一整天，带着这个疑问重读了书里的这一节，茅塞顿开！它提供的那套“分层渲染与后期合成”的思路，简直是救命稻草。作者的文字风格非常幽默风趣，读起来一点都不枯燥，时不时冒出的几句吐槽或者自嘲，让人感觉特别放松，就像是跟一个真正的行家在咖啡馆里聊天，而不是在枯坐听课。这种平等交流的感觉，让我对学习的热情持续高涨，真想立刻打开软件就开始实践书里讲的每一个技巧。

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这本书的排版设计，我必须得给它点个赞。现在很多技术书籍为了追求内容密度，把字体挤得密密麻麻，看着就心烦。但这本《（7DVD）三维动画大师》，在版式上简直是艺术品。它懂得留白的重要性，每一段落、每一个插图都有足够的呼吸空间，这对于需要长时间盯住屏幕学习的我们来说，太友好了。而且，它对于不同重要程度的知识点，采用了不同的字体和边框样式进行强调。比如，那些“陷阱警示”或者“性能优化建议”，都会被圈在一个特殊颜色的框里，非常醒目，避免了我们在实践中走弯路。我注意到，书中对软件操作的截图，清晰度极高，即便是那些复杂的节点编辑器界面，里面的小图标和小文字也能看得一清二楚，这点对于我这种视力不太好的人来说，简直是福音。更绝的是，书里还附带了一套配套的素材资源（虽然我还没完全下载完，但光是看介绍就觉得物超所值），可以直接拿来对照书中的案例进行练习。这种“读、看、做”三位一体的学习模式，极大地提高了我的学习效率，让理论和实践的衔接变得无比顺畅。

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让我印象最深刻的是，这本书对于“艺术表现力”的关注度，远远超出了我对一本技术手册的预期。很多教程只会教你如何让模型看起来“完美”，如何达到技术上的“精确”，但这本书更注重“情绪”和“叙事”。在讲解如何搭建一个角色表情库时，它没有简单地给出几个关键帧的数值，而是深入分析了人类面部肌肉的运动规律，以及不同文化背景下人们表达“悲伤”或“喜悦”的细微差别。读到那里，我突然意识到，三维动画不只是冰冷的代码和几何体，它更是关于“讲故事”和“传递情感”的媒介。书中还穿插了一些业界顶尖制作的案例分析，把那些让人叹为观止的画面，用极其简洁的语言拆解成技术模块，让你明白一个令人动容的瞬间是如何通过层层技术叠加而最终呈现出来的。这种对艺术层面的挖掘，让我开始重新审视自己的作品，不再满足于让它“能动”，而是追求让它“有灵魂”。这对于想要从“技术工人”蜕变为“动画艺术家”的我来说，无疑是醍醐灌顶的一剂良药。

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