具体描述
Over the last few years, most books on photography emphasized explaining the new breed of cameras and how to master the digital imaging workflow. In "The Art of Black and White Photography" Torsten Andreas Hoffmann takes a different approach, as he focuses on image composition and image capture, with an emphasis on the creative aspects of black and white photography, rather than on the digital workflow. After introducing the ground rules of composition, the author illustrates their applications with various photographic genres such as architecture, street photography, portraiture, and surreal photography with his own stunning black and white images.In the second part of the book, Hofmann illustrates the elements of a photographic language , which distinguishes creative photography from random shooting. The final part of the book is dedicated to post-processing techniques, mostly in Photoshop (CS3), emphasizing the functions that are necessary for creating outstanding black and white images.
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用户评价
这本书，说实话，我拿到它的时候心里是有点忐忑的。封面设计走的是一种极其内敛的路线，那种深沉的黑与灰的交织，让我想起很多年前在老式冲印店里闻到的那种化学药剂的味道。我原本以为它会是一本关于“如何拍摄”的技术手册，里面塞满了光圈、快门速度的枯燥数据，或者是一堆令人眼花缭乱的后期软件教程。然而，翻开第一页我就发现我完全错了。作者似乎对技术层面的探讨采取了一种极其克制的态度，并没有将篇幅浪费在那些互联网上随处可见的基础知识上。更让我惊喜的是，全书的重点似乎更像是在探讨“观看”这件事本身的哲学意味。他用了大量的篇幅去描述光线穿过不同介质时所产生的微妙变化，那种描述的细腻程度，简直就像是诗人对月光的描摹。我记得有一章专门讲了“阴影的质感”，作者用近乎散文的笔法去剖析了一块石头在正午阳光下投射出的影子，它如何不仅仅是缺乏光线的区域，而是一种独立存在的、具有重量和形态的“物”。这种对视觉语言深层次挖掘的方式，让我这个自诩有些经验的摄影爱好者，感到了一种醍醐灌顶的震撼。它真正让我开始思考，我镜头前的世界，究竟是客观存在的，还是我主观选择的结果。这本书，与其说是教你拍照，不如说是教你如何重新认识世界在你眼前展开的方式。
评分我必须承认，这本书的排版和装帧，是近些年来我收藏的摄影书籍里最让我感到“物有所值”的。内页的纸张选择非常讲究，那种略带粗糙感的哑光纸张，恰到好处地吸纳了油墨，使得画面中的黑色显得深邃而富有层次，而不是那种廉价印刷品常见的死黑。我尤其欣赏作者在案例选择上的那种近乎偏执的自洽性。他展示的那些作品，几乎都围绕着某种永恒的主题——时间、记忆、结构与虚无。你看那些建筑的特写，线条的交汇点被处理得如同严谨的数学公式，每一个垂直线和水平线都在对抗着画面的不稳定感；而当你转向自然场景的片子时，那种粗犷和原始的力量感又扑面而来，像是直接从地下挖掘出来的远古化石。我注意到，书中很少出现那种为了追求“戏剧性”而刻意拉高对比度的作品，相反，作者似乎热衷于挖掘那些存在于中间灰调子中的微妙情绪。阅读过程中，我常常需要停下来，盯着某一张照片看上十分钟，试图去捕捉作者是如何在按下快门的一瞬间，捕捉到那个转瞬即逝的“决定性瞬间”，但又超越了瞬间，触及到某种永恒的静默。这绝对不是一本速成的指南，它更像是一场需要耐心的、视觉上的冥想。
评分这本书的叙事节奏非常缓慢，初读时甚至会让人感到有些拖沓。它没有那种商业摄影书籍常见的、直截了当的“秘诀”或“清单体”的章节划分。作者更倾向于使用一种编年史式的、或者说是意识流的结构来组织内容。他会从一个非常宏大的概念——比如“时间在物质上的刻痕”——开始，然后通过一连串看似不相关的观察和片段式的个人经历来论证他的观点。比如，他会用一整页篇幅去描述他在一个废弃工厂里看到的一扇生锈的门，然后突然跳跃到对古希腊雕塑残件的分析，最后才勉强将两者联系起来，强调“衰变”和“留存”在视觉艺术中的辩证关系。这种非线性的结构，初看之下确实考验读者的专注力，但一旦你适应了这种节奏，你会发现它极大地拓宽了你对摄影本体的理解边界。它强迫你跳出“拍什么”的惯性思维，转而关注“为什么如此呈现”。这本书更像是作者多年来对光影世界观察的“知识碎片”的聚合，而不是一个工业流程说明书。对于那些习惯了快餐式学习的读者来说，这可能是一本需要“啃”的书，但啃下来的滋味，却是醇厚且回甘的。
评分我个人认为，这本书的价值很大程度上体现在它对“观看主体”的反思上。作者花了相当大的篇幅去讨论摄影师的主观性，但这讨论不是停留在肤浅的“表达自我”这种口号上，而是深入到生理和心理层面。他探讨了人眼在低光环境下对细节的捕捉能力是如何被欺骗的，以及大脑如何主动地去“填充”缺失的信息，从而构建出一个比真实场景更“完整”的画面。更有趣的是，他引入了一些心理学和现象学的概念来佐证自己的观点，这使得整本书的论证体系非常坚实，且充满智识的吸引力。例如，他对比了不同文化背景下对“留白”的理解差异，并将其映射到黑白摄影中对负空间的运用上。读完这些章节，我开始反思我过去拍摄的那些作品，很多时候我以为我是在记录世界，其实我只是在用自己的偏见和习惯性的视觉过滤网去“裁剪”世界。这本书没有给出明确的“正确答案”，但它提供了一套极具启发性的工具箱，让你能够更审慎、更诚实地面对自己的创作意图。它挑战了那种“好照片等于信息量大”的传统观念，转而推崇一种克制到极致的、直击核心的视觉表达。
评分坦白讲，这本书的印刷质量和装帧设计，完美地呼应了其核心思想——一种对极简主义的极致追求。它似乎刻意回避了所有花哨的装饰，没有任何多余的图注或说明文字分散读者的注意力。书籍本身就像一个媒介，尽量不喧宾夺主，而是将读者的全部心神集中到那些被精心挑选和排版的图像上。我发现，作者在对图像进行选择和编排时，所花费的心思，其难度不亚于拍摄本身。每一页的过渡，都是一种精心编排的视觉节奏变化。从密集的纹理到大面积的纯粹黑色，再到被光线稀释的亮部边缘，这种视觉的“呼吸感”贯穿始终。这种对“物”的尊重，延伸到了对“阅读体验”的尊重。这本书不像是为快速消费而设计的，它更像是为那些愿意将它放在书架上，时不时地拿出来，随机翻开一页，重新陷入沉思的收藏者准备的。它带来的那种沉浸式的、非说教式的学习体验，是市面上绝大多数摄影教程所无法比拟的。它让我对“黑与白”这种看似有限的调色板，重新燃起了无限的敬畏之心。
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