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出版者:

作者:钱芑

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2009-1

价格:32.80元

装帧:

isbn号码:9787807167136

丛书系列:

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• 长笛
• 乐器
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小提琴演奏技法进阶与音乐诠释 本书特色： 本书旨在为已掌握基础演奏技巧的小提琴学习者提供一套系统、深入的进阶训练方案，重点探讨高级技巧的精湛运用以及如何通过精妙的音乐诠释赋予作品生命力。内容涵盖了从弓法、指法到音准、音色的全方位提升，并结合大量经典曲目实例进行分析和指导。 第一部分：弓法哲学的深度探索 第一章：弓弦接触点的精确控制 1.1 物理学基础：理解弓毛与琴弦的摩擦系数与动态压力关系。 1.2 接触点的精确定位：从琴码到指板的不同区域对音色产生的质变影响。 1.3 微调技术：如何在保持连贯性的前提下，实现弓速、弓压的瞬间微调，以适应快速变化的力度记号（如sforzando到pianissimo的过渡）。 第二章：多层次的运弓技巧 2.1 换弓的艺术：分析不同换弓点（如靠近琴码、靠近指板、弓根、弓中）对乐句流畅度和呼吸感的影响。 2.2 连弓的深度挖掘： 分弓组的内部结构： 探讨如何通过细微的弓速变化来清晰划分乐句中的子单位，避免“一弓到底”的单调感。 波浪式运弓（Wavy Bowing）： 专门针对巴洛克和古典时期作品中对连贯性和节奏清晰度的双重要求的练习方法。 2.3 分弓的精准性： 断奏（Staccato）的变体： 区分快速的抛弓（Jeté）、轻快的触弓（Ticcato）以及需要更强控制的按弦断奏，并提供针对性的手指稳定训练。 顿弓（Martelé）的力度控制： 强调起弓瞬间的爆发力与弓毛的有效“咬住”琴弦，避免声音的尖锐或拖沓。 第三章：弓杆的有效运用 3.1 弓根的厚重感：专门训练如何利用弓杆的重量来获得饱满、歌唱性的低音区音色，尤其适用于浪漫主义协奏曲。 3.2 弓尖的灵活性与清晰度：针对帕格尼尼等炫技作品中要求极高速度和轻盈感的弓尖跑动，设计抗疲劳与精确定位练习。 3.3 中弓的平衡：如何在中弓区域保持稳定性和音色的一致性，这是演奏抒情段落的关键。 第二部分：指法的高级精炼 第四章：精准的音准与听觉训练 4.1 宽泛音准的概念：超越物理上的“对准音孔”，进入到基于和声背景和演奏情绪的动态音准调整。 4.2 听觉与触觉的反馈回路：利用节拍器、电子调音仪与人耳听觉的协同训练，建立对音高的即时修正能力。 4.3 四指与小指的强化：针对高把位指距的自然扩展，设计特定音程的跨指练习，确保小指的独立性和支撑力。 第五章：左手的速度与清晰度 5.1 换把的流畅性： 无声换把（Ghost Shifting）： 探讨如何通过预先的肌肉准备和轻微的指板压力释放，实现几乎听不见的把位移动。 精确目标定位： 结合音程记忆和指尖触感，减少在换把过程中的犹豫和不确定性。 5.2 揉弦的深度与变化： 揉弦速度与幅度的匹配： 探讨不同作曲家（如勃拉姆斯要求宽广的揉弦，德彪西要求克制的揉弦）对揉弦风格的要求。 揉弦的独立性训练： 确保揉弦动作不影响指尖对音准的稳定控制，并能快速切换揉弦的快慢。 第六章：指位与把位的扩展 6.1 高把位的音色塑造：在高把位（超越第四把位）如何避免声音变薄或“尖叫”，强调手指的支撑力和对琴弦的有效按压。 6.2 泛音技巧的系统化： 自然泛音与人工泛音的结合应用： 分析它们在炫技段落中如何交替使用以达到特定的音色对比。 人工泛音的清晰度： 重点解决人工泛音中常出现的模糊不清的问题，训练第四指的精确触碰与第一指（或支撑指）的稳定压力。 第三部分：音乐诠释与风格研习 第七章：不同音乐时期的风格处理 7.1 巴洛克时期（Bach, Vivaldi）： 清晰的节奏脉络： 强调清晰的断奏和连弓的明确区分，避免浪漫主义式的过度揉弦和速度浮动。 装饰音的规范性演奏： 详细解析回音、颤音、倚音等装饰音在不同作品中的执行标准。 7.2 古典时期（Mozart, Haydn）： 清晰的乐句轮廓： 学习如何通过轻微的渐强与渐弱来勾勒出清晰的“问与答”结构，保持音乐的典雅。 7.3 浪漫主义时期（Brahms, Tchaikovsky）： 歌唱性的极致追求： 如何使用饱满的弓法和宽广的揉弦来模仿人声的呼吸和情感起伏。 弹性速度（Rubato）的运用界限： 探讨在严格的节拍框架内如何进行富有表现力的速度微调。 第八章：诠释的个体化表达 8.1 动态范围的极限拓展：如何安全地演奏 fff 而不破音，以及如何清晰地演奏 ppp 而不消失。 8.2 情感的逻辑构建：从技术层面分析如何通过速度的细微变化、弓的压力分布来“讲述”音乐故事，而非仅仅是演奏音符。 8.3 演奏版本的比较与选择：鼓励学习者聆听并分析不同大师对同一作品的不同演绎，形成自己对作品意图的独立理解和处理方式。 第九章：协奏曲演奏的舞台策略 9.1 与管弦乐队的配合：如何“聆听”并预测乐队的进入点，确保小提琴的线条始终处于最合适的位置。 9.2 独奏与伴奏的平衡：在乐队全奏时，如何精确控制音量，既要突出主题，又不至于淹没弦乐声部。 9.3 舞台适应性训练：如何在不熟悉的舞台声学环境下，快速调整自己的力度和音色，确保最佳的听觉效果。 附录：曲目选粹与技术攻关 针对性的练习曲目推荐（如Sevcik的Op. 1、Kreutzer练习曲中难度较高的段落的专项分析）。 重点协奏曲（如贝多芬D大调、柴可夫斯基D小调）的第三乐章技术难点解析。 自我录音分析指南：如何客观地听取自己的演奏并进行有针对性的改进。

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我是一名成年转行者，学习乐器的时间比从小学习的孩子要少，因此我更需要一套能让我迅速建立正确习惯的教材。这本《长笛基础教程》在这方面做得堪称典范。它在早期练习中就非常强调“节奏的准确性”和“节拍器的使用”，而不是等到后面才开始强化。书中提供的伴奏音轨（假设它有附带资源，这在现代教程中是标配）的质量也相当不错，钢琴的伴奏音色自然和谐，不会抢走长笛的主旋律，这为我提供了非常真实的合奏环境去检验自己的音准和节奏感。最令我感到惊喜的是，它对呼吸肌群的训练安排得十分巧妙。它没有使用枯燥的“吸气-吐气”循环练习，而是将呼吸训练融入到旋律的乐句处理中，比如在哪里需要更长的气息来支撑一个长乐句，这些都被细心地标注和设计了练习曲目。这种将技术训练与音乐表现力无缝结合的方式，让枯燥的基础练习变得富有目的性和趣味性，极大地缓解了我这种“大龄学生”在学习新技能时容易产生的挫败感。

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这本《长笛基础教程》的封面设计得非常朴实，没有过多花哨的装饰，这倒是挺符合学习基础知识的调性。翻开书本，首先映入眼帘的是清晰的乐谱排版，这一点我非常欣赏，对于初学者来说，视觉上的友好度直接决定了学习的效率。教程的开篇部分，对于长笛的构造、指法图示以及气息的入门讲解，都处理得非常细致入微。作者似乎深谙初学者的困惑点，例如关于口型和气息支持的描述，不再是那种空泛的理论堆砌，而是通过具体的比喻和图解，将抽象的物理概念具象化。我记得刚开始练习气息时，总是无法找到那种稳定而有力的气流支撑，按照书中的“想象自己吹灭一根很远的蜡烛”的练习方法，配合着书后附带的练习曲，慢慢地，那种漂浮不定的气息感有了显著的改善。尤其值得称赞的是，教材在引入新指法时，总会配套相应的短小练习，确保新知识点能够立刻得到巩固，而不是等到后面的大段练习才发现自己哪里没掌握好。这种循序渐进、点对点的教学策略，让我在面对复杂的指法转换时，心理压力小了很多，感觉每一步都走得踏实有力。

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这本书的装帧和纸质质量，给我的阅读体验加分不少。要知道，学习乐器时，乐谱书经常需要摊开放在琴架上，频繁翻页和长时间暴露在光线下是常有的事。这本教程的纸张厚度适中，既不会因为太薄而显得廉价，也不会因为太厚而沉重难以携带。更关键的是，它的内页采用了哑光处理，这在强光下练习时简直是救星，完全不用担心反光刺眼的问题。从内容结构上看，作者的逻辑推进非常符合人类的学习曲线。它不是一口气抛出所有信息，而是像搭积木一样，每一课都是在前一课的基础上稳固地构建新知识。我个人对教材中穿插的一些“小贴士”情有独钟，这些通常是关于乐器保养、选购建议，甚至是学习心态调整的零散内容。比如，书中提到如何正确清洁笛身内部的水汽，这对于保持乐器的寿命至关重要，但往往是那些昂贵的私人课程才会提及的细节，能被收录进来，足见作者的用心良苦和对学习者的关怀。

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相较于我以前用过的几本引进版或国内老旧的教材，这本书的现代感最强，它似乎真正考虑到了当代学习者的需求和习惯。它在提供基本功训练的同时，并没有忘记乐曲的吸引力。在掌握了基础指法和几个常用音阶之后，教程没有立刻跳入难度巨大的古典练习曲，而是引入了一些改编自民间音乐或当代风格的短小乐曲。这些乐曲的旋律性很强，听起来悦耳，能够立即给我带来“我真的在演奏音乐”的成就感。这种即时反馈机制，是保持学习动力的关键所在。此外，我对书中对于“音准微调”的解释印象深刻，作者没有简单地说“用嘴型调整”，而是详细说明了如何通过轻微的气息压力变化和嘴角的肌肉收紧来精细控制超吹和泛音的精准度。对于初学者来说，掌握这些细微的力度控制是非常困难的，但这本书用清晰的图示和口诀，将这些“玄学”般的调整技巧，转化成了可操作的步骤。总而言之，这是一本既有扎实基本功训练，又不失现代音乐审美和学习体验的优秀教材。

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说实话，我一开始对这类“基础教程”抱有很深的疑虑，总觉得它们无非是把网上能找到的资料重新整合一遍，缺乏真正的“内功”。然而，这本《长笛基础教程》彻底颠覆了我的看法。它的深度和广度，超出了我对于一本入门教材的预期。例如，在音阶和琶音的练习部分，作者并没有仅仅停留在“吹准音高”的层面，而是融入了关于不同调性调式色彩的初步探讨。虽然是基础教程，但它已经开始引导读者思考“音乐性”，而不是仅仅做一台机械的发声机器。书中关于连奏（legato）和断奏（staccato）的讲解，给出的练习方法非常具有实操性，它不仅仅告诉你该怎么做，还分析了不同技巧背后的气流控制原理，这种“知其然，更知其所以然”的教学方式，极大地提升了我对乐器控制的认知。我特别喜欢其中一个关于“气流密度”的章节，虽然概念有点深，但作者用非常形象的文字将它与音色的明亮度挂钩，让我明白为什么同样是吹奏C4，别人吹出来的就是圆润饱满，而我吹出来可能就略显单薄。这种对细节的打磨，使得这本书的价值远超同类产品。

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