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出版者:

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出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2003-7

价格:85.00元

装帧:

isbn号码:9780823020805

丛书系列:

图书标签:

• 游戏艺术
• 游戏开发
• 美术设计
• 数字艺术
• 视觉设计
• 游戏CG
• 游戏建模
• 游戏贴图
• 游戏场景
• 艺术教程

好的，这是一份关于名为《Game Art》的图书的详细简介，内容聚焦于游戏艺术的各个方面，同时避免提及该书本身的内容： --- 《概念的具象化：游戏世界的设计与构建》 本书深入探讨了电子游戏这一互动媒体背后的视觉叙事与艺术创作的复杂流程。我们构建的游戏世界，从最初的模糊概念到最终的数字成品，是一个融合了技术、美学和叙事策略的复杂过程。理解这个过程，需要我们回溯到概念的诞生，并审视艺术家如何将抽象的思维转化为可供玩家探索的实体空间。 第一部分：从虚构到蓝图——概念与前期设计 游戏世界的构建始于核心概念的形成。这不仅是关于“什么看起来很酷”，更是关于“这个世界需要什么样的视觉语言来支撑其核心玩法与情感基调？” 1. 世界观与美学风格的建立： 任何一个引人入胜的游戏世界都有其独特的视觉身份。这包括对历史背景、地理环境、社会结构乃至神话体系的深入考量。艺术家需要通过研究不同的文化、建筑风格、自然现象，乃至电影和绘画史，提炼出一套能够统一整个项目视觉语言的“美学纲领”。这个阶段关注的是奠定基调：是赛博朋克的霓虹迷幻，还是高魔奇幻的史诗厚重？决策一旦确立，它将指导后续所有的视觉输出。 2. 角色设计的心理学基础： 角色是玩家与世界互动的焦点。优秀的角色设计绝非仅仅是服装和面孔的堆砌，它承载了人物的背景故事、性格特质和在世界中的功能。设计师必须掌握人体解剖学、服装褶皱的逻辑，并结合象征主义和色彩理论来传达角色的本质。例如，一个反派的轮廓、装甲的尖锐程度，甚至他所处环境的光照，都必须服务于他作为冲突制造者的设定。同时，要确保角色的设计在不同的视角和动作序列中保持高度的可识别性和功能性。 3. 环境叙事的艺术： 游戏环境是沉默的叙述者。玩家通过观察场景中的细节——被遗弃的工具、墙壁上的涂鸦、植被的生长状态——来拼凑出世界发生的故事。环境艺术家需要精通布局、尺度感和氛围的营造。他们如何利用透视法引导玩家的目光？如何通过光影对比来强调重要的互动元素或隐藏的秘密路径？环境设计是一个精密的空间编排过程，它必须在“提供视觉沉浸感”和“确保导航的清晰度”之间找到微妙的平衡。 第二部分：工具与技艺——从 2D 到 3D 的转化 概念图纸必须被转化为可被游戏引擎渲染的资产。这一转化过程是技术与艺术交融的关键环节，涉及多学科的专业技能。 1. 资产的创建与拓扑优化： 从高模的雕刻到低模的优化，每一步都关乎最终的游戏性能。雕刻软件（如 ZBrush）允许艺术家赋予模型无与伦比的细节，模拟出皮革的纹理、金属的锈蚀。然而，这些细节必须被有效地“烘焙”到低面数模型上，通过法线贴图、环境光遮蔽贴图等技术，在保证视觉效果的同时，确保实时渲染的流畅性。这是对数字雕塑家和技术美术之间协作的终极考验。 2. 材质与着色器的魔力： “看起来像什么”的答案很大程度上取决于材质的设定。PBR（基于物理的渲染）流程的普及，要求艺术家对现实世界的光学属性有深刻的理解。金属的粗糙度、表面的反射率、半透明物体的散射效果——每一个参数都精确模拟了光线与真实世界物质的相互作用。一个优秀的美术师能够通过调整这些着色器参数，让一块石头看起来冰冷、潮湿，或者让布料显得轻盈、飘逸。 3. 动画与运动的生命力： 角色和物体只有在运动中才真正“活”起来。动画师的工作超越了简单的骨骼绑定和关键帧设置，他们必须理解物理规律、角色意图和情感表达。快节奏的战斗动作需要精确到帧的爆发力；慢速的探索行走则需要细微的呼吸和重量感。动态视觉语言是增强沉浸感不可或缺的一环，它桥接了静态的美术模型与动态的游戏体验。 第三部分：光影与氛围——渲染与后期定型 在一切模型和材质准备就绪后，最终的呈现效果取决于光线和色彩的最终处理。 1. 光照设计的层次： 光照是构建情绪和聚焦玩家注意力的最强大工具。在游戏世界中，光照不再是简单的照明，而是一种叙事手段。主光源如何定义场景的整体情绪？辅助光和填充光如何揭示环境细节？环境光遮蔽和间接光照如何增加场景的深度和真实感？设计师必须学会“绘画”出场景的光线布局，引导玩家的视线，并在必要时使用光源来突出关键的游戏元素或路径。 2. 后期处理与调色板的统一： 游戏引擎提供的后期处理效果——如景深、镜头光晕、色彩分级（Color Grading）——是赋予游戏最终电影质感的关键步骤。调色不仅仅是让画面“好看”，更是对美学风格的最后一次强化。通过调整对比度、饱和度和色相，可以瞬间将一个平淡的场景转变为符合史诗基调的画面，或渲染出一种怀旧的、梦幻般的滤镜效果。这个过程确保了从预告片到实际游戏画面的视觉连贯性。 3. 性能与艺术的平衡点： 所有这些视觉上的精雕细琢，都必须在实时渲染的限制下完成。顶尖的游戏美术工作流程，是关于如何最大限度地提升视觉保真度，同时确保帧率稳定。这要求艺术家对优化技术有深刻理解，懂得如何在视觉复杂度和技术可行性之间做出明智的取舍，确保最终呈现的艺术效果能够被所有目标平台流畅地体验。 总结而言，电子游戏的美术设计是一个多维度的领域，它要求创作者不仅具备高超的绘画和建模技巧，更需要成为一位建筑师、心理学家、光影工程师和故事讲述者，共同协作，将一个抽象的“想法”，转化为一个可以被数百万玩家探索、感受和铭记的数字现实。

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坦白讲，这本书的排版设计是它略显“古板”的地方。相对于一些追求极简和留白的现代设计书籍，它的布局显得信息量非常密集，几乎没有多余的空白区域，每一页都塞满了图例和说明文字。初次接触时，这种压迫感让我有点喘不过气。但细细品味后，我开始理解这种布局背处的一种务实态度：内容为王。作者似乎认为，任何一个细节都不值得被忽略，所以必须把所有支撑材料都紧密地呈现在读者面前。它更像是一本工具书，而不是休闲读物，你得抱着学习和查阅的心态去对待它。虽然美观度上可能略逊一筹，但从功能性角度来看，这种“密集排布”确保了知识的完整性和系统性，对于需要快速检索特定技术点的读者而言，效率极高。

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这本书的文字部分，老实说，初看时会觉得有点门槛。它不像那种面向大众科普的读物，而是更像一本深入行业内部的“技术手册”，充满了各种专业术语和行业内的特定流程描述。我花了比预期多得多的时间去理解其中关于PBR渲染管线和次世代材质贴图制作的章节。但一旦我耐下心，结合书中的案例图去对照理解，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。作者没有回避复杂性，而是选择用一种近乎严谨的学术态度去剖析每一个环节，从概念草图到最终引擎实现的完整链路，都进行了详尽的拆解。对于我这种希望了解游戏画面是如何一步步从无到有构建起来的业余爱好者来说，这种深度是极其珍贵的。它迫使我跳出“漂亮”这个肤浅的赞美，去探究“为什么漂亮”，这才是真正的干货所在。

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我收到这本书时，包装非常扎实，书本的开本拿在手里很有分量，纸张的触感也相当不错，那种厚实且略带哑光的质感，让印刷出来的色彩表现得既鲜艳又不刺眼，这对于一本视觉导向的书籍来说至关重要。我在咖啡馆里第一次翻看时，旁边一位似乎是行业前辈的读者也忍不住探头看了几页，我们甚至不约而同地对其中一个场景设定的复杂性发表了看法。这本书的内容似乎在圈内形成了一种无声的交流密码。它不仅仅是知识的载体，更像是一个行业精英间的对话录。书中的案例选取得非常具有代表性，很多都是我过去在特定游戏中印象深刻的画面，现在终于有机会一窥其幕后的制作逻辑，这种感觉就像是拿到了一份顶级大片的制作秘笈，让人感到既兴奋又满足。

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这本书带给我最大的震撼，是关于“风格化”的哲学探讨。在很多艺术书籍只关注如何模仿现实或追求写实的时候，这本书花了相当大的篇幅去探讨如何打破既有的视觉惯性，创造出具有强烈辨识度的艺术语言。它没有给出“标准答案”，而是引导读者去思考自己想表达的核心情感是什么，然后如何用色彩、形体和动态来放大这种情感。我尤其欣赏其中对“意境”的捕捉，那种超越了单纯的技术堆砌，直达心灵层面的表达能力。阅读这些理论，让我对过去随手可见的游戏画面有了全新的敬畏感——原来，每一帧惊艳的画面背后，都蕴含着如此深思熟虑的艺术决策和文化思考。它让我意识到，真正的艺术创作，永远是技术为骨，思想为魂。

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这本书的封面设计简直是艺术品，那种深邃的色彩搭配和充满未来感的字体选择，立刻就吸引了我的目光。翻开书页，里面的插图质量高得惊人，无论是人物造型的细腻刻画，还是场景氛围的营造，都透露出创作者对细节的极致追求。我特别喜欢其中关于光影处理的章节，作者似乎有一种魔力，能让平面上的图像瞬间拥有三维的深度和质感。阅读过程中，我仿佛置身于一个全新的数字世界，那些充满想象力的生物和宏伟的建筑群，都在脑海中清晰地“活”了起来。虽然我不是专业的游戏美术师，但仅仅是欣赏这些作品，就已经是一种极大的享受了。这本书不仅展示了技术层面的精湛，更重要的是，它传达了一种对“美”的独特理解和不懈的探索精神，让人在翻阅时，内心深处都会被那种创造的激情所点燃。每一次合上书本，我都会花很长时间去回味那些震撼的视觉冲击，并开始思考，要达到这样的高度，背后需要付出多少心血和磨练。

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