工业产品造型设计

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页数:210
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出版时间:2009-6
价格:25.00元
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isbn号码:9787111268109
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具体描述

《工业产品造型设计》共分12章,分别介绍了工业产品造型设计的基本概念,造型设计的形式美学法则,工业产品的形态设计,工业产品的色彩设计,工业产品装饰设计,工业产品造型设计中的人机工程学,工业产品造型材料与工艺,工业产品设计的方法和程序,工业产品设计的表现,工业产品模型制作,计算机辅助工业产品设计,工业产品设计的新发展。

《工业产品造型设计》结合高职高专教育特点编写,理论联系实际,结合优秀设计实例阐述问题,全书图文并茂,重在实用。《工业产品造型设计》也可作为大学本科非工、设计专业学生的选修课教材,以及从事工业产品造型设计的设计人员、工程技术人员的参考书。

好的,以下是为您构思的,与《工业产品造型设计》无关,但内容详实的图书简介: --- 巨匠之手:文艺复兴时期佛罗伦萨雕塑艺术研究 作者:[此处可虚构一位学者姓名,例如:阿历山德罗·维斯孔蒂] 出版社:[此处可虚构一家专业出版社名称,例如:翡冷翠艺术文库] 字数:约 1500 字 内容简介: 序言:光影中的永恒凝视 本书深入探讨了人类艺术史上一个最为璀璨的节点——十五世纪至十六世纪早期,意大利佛罗伦萨雕塑艺术的黄金时代。我们试图超越传统的美学赞颂,以一种结合了考古学、社会史学、技术史学和艺术哲学的多维视角,重构这座文艺复兴摇篮中,那些巨匠们如何以凿子和泥土,定义了“人”的尺度与神性的表达。 佛罗伦萨,不仅仅是美第奇家族的权力中心,更是思想、财富与手工艺技艺的熔炉。本书将目光聚焦于从多纳泰罗(Donatello)的早期探索到米开朗基罗(Michelangelo)的巅峰成就这一关键时期,剖析雕塑艺术如何从哥特式的叙事束缚中解放出来,拥抱古典主义的和谐比例,并最终融入人文主义对个体价值的极致推崇。 第一部分:古典的回响与新生的萌芽 (1400-1450) 本部分详细考察了早期文艺复兴雕塑的起源性突破。我们不再将多纳泰罗视为一个孤立的天才,而是将其置于佛罗伦萨布鲁内莱斯基(Brunelleschi)的建筑革命和古典遗存的直接对话之中。 章节一:浴火重生的圣约翰——圣母百花大教堂穹顶浮雕竞赛的深层解读。 我们将详尽分析吉贝尔蒂(Ghiberti)与布鲁内莱斯基在“天堂之门”浮雕设计中的技术差异——吉贝尔蒂对古典叙事线性的精湛运用,与布鲁内莱斯基对空间透视的先驱性实践。本书首次引入了对这些青铜铸造过程中所用合金配比的初步考证,揭示了技术进步如何直接服务于美学表达。 章节二:多纳泰罗与“人性”的回归。 多纳泰罗的《大卫》(青铜版与大理石版)被视为文艺复兴雕塑的里程碑。本书细致比对了这两件作品在姿态、比例以及对裸体表现上的巨大差异。我们分析了多纳泰罗如何通过对人体解剖学的近乎苛刻的观察,赋予人物一种前所未有的心理深度和感官张力,这标志着中世纪神性寓言向人文主义个体肖像的彻底转型。此外,我们还收录了对皮蒂宫收藏的早期木雕作品的修复记录分析,揭示了当时材料处理的复杂性。 第二部分:盛世的辉煌与技术的精进 (1460-1495) 美第奇家族对艺术的赞助达到了顶峰,这不仅刺激了绘画的繁荣,也推动了雕塑材料的探索和工作室运作模式的变革。 章节三:安德烈·德尔·委罗基奥的工作室体系。 委罗基奥的工作室是当时艺术家的“综合工厂”。本章详细描绘了这一时期雕塑工作室的组织结构,从学徒的招募、颜料与金属的采购到复杂雕塑项目的管理。通过分析其代表作《大卫》(青铜)和《圣徒的洗礼》,我们探讨了混合媒介(如青铜与大理石的结合)在增强作品戏剧效果方面的创新。我们特别关注了其对“动态”的捕捉,尤其是对服装褶皱和肌肉紧张感的写实处理。 章节四:肖像艺术的兴起与“侧面”的复兴。 随着贵族阶层对个人纪念性表达的需求增加,圆雕肖像(Bust)艺术复苏。本书收录了对波提切利圈子内雕塑家作品的比较研究,阐释了如何将古典的侧面头像与当时流行的内心刻画相结合,创造出既具纪念意义又富有个性的肖像,例如对美第奇家族成员的铜质半身像的详细断代分析。 第三部分:米开朗基罗时代的巅峰与张力 (1495-1520) 文艺复兴的晚期由一位独一无二的天才所主导,他将大理石的潜力推向了极限。 章节五:从《巴克斯》到《大卫》:对人体潜能的终极探求。 本章聚焦于米开朗基罗早年在罗马和佛罗伦萨的创作历程。我们不再仅仅赞美《大卫》的比例完美,而是深入分析其“未完成”(Non-finito)手法的哲学基础——雕塑家是在“解放”被困于石块中的形体,还是在有意识地引导观众的视线,从而保持作品的永恒张力?我们结合了X射线对早期打稿和工具痕迹的分析,展示了其从初始构思到最终凿刻的思维路径。 章节六:西斯廷祭坛的“未完之作”与雕塑哲学的转向。 尽管主要集中在佛罗伦萨,但米开朗基罗对罗马的介入深刻影响了其对人物群像的理解。本书最后考察了其为教皇陵墓所做的早期设计稿,特别是对被搁置的“摩西”主题的分析。我们论证了米开朗基罗如何通过体量的叠加和内在情绪的爆发,预示了即将到来的巴洛克风格的强烈动感,为雕塑艺术的未来奠定了基调。 结语:材料、意志与永恒 本书的结论部分将佛罗伦萨雕塑家的成就总结为三位一体的胜利:对古典形式的精准掌握、对材料(大理石、青铜)物理特性的深刻理解,以及人文主义“意志力”在坚硬物质上的投射。 雕塑不再是装饰,而是哲学沉思的载体。本书旨在为读者提供一个全面、细致入微的视角,去理解这些在佛罗伦萨阳光下被赋予生命的石头与金属。 --- 本书特色: 技术考古学支持: 结合现代材料科学和修复报告,重建古代铸造与雕刻工艺。 空间语境重建: 详细考察了每一件重要作品在原初环境(如教堂祭坛、市政广场)中的视觉与社会功能。 详尽的图版注释: 收录大量高清局部细节图,并配有专业尺寸及工具痕迹标注。 目标读者: 艺术史专业学生、雕塑艺术研究者、文艺复兴历史爱好者,以及对早期欧洲手工艺技术感兴趣的读者。

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读后感

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用户评价

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这本书在视觉呈现上确实下了不少功夫,大量的黑白速写和一些效果图插页,给人一种非常“学院派”的感觉。但是,奇怪的是,这些图例大多非常抽象,缺乏明确的上下文说明。比如,书中展示了一系列关于“动态平衡”的线条图,这些线条似乎在探讨某种内在的张力与和谐,但我完全看不出这些线条如何转化为我们日常接触到的任何一种产品——无论是手机外壳的倒角处理,还是电器的散热口设计。我期待看到的是具体的案例分析,比如某款经典汽车的空气动力学造型是如何演变而来的,或者某款家用工具如何通过调整手柄的曲率来适应不同手型的握持感。遗憾的是,这些内容完全没有涉及。更让我感到不解的是,书中对于色彩理论的讨论几乎是真空的,这在强调视觉冲击力的现代工业设计中是不可或缺的一环。难道造型设计可以完全脱离色彩的语境而独立存在吗?我更倾向于相信,好的设计是结构、材料、人体工程学与美学(包括色彩)的综合体现。这本书更像是站在一个纯粹的雕塑角度来审视工业产品,忽略了产品作为“被使用对象”的现实需求。

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关于制造工艺与造型的衔接,这是工业产品设计中至关重要的一环,因为造型的实现程度直接受限于生产技术的边界。我原本期待这本书能详细讲解注塑成型、冲压、铸造等工艺对曲面复杂度的限制,以及如何在高光泽表面处理中避免应力痕迹的造型技巧。我希望能看到一些关于公差配合、拔模斜度对外观细节影响的图解分析。然而,这本书对“如何制造”的讨论,几乎等同于零。它似乎预设了一个“理想化的制造环境”,在这个环境中,任何复杂的几何形态都可以被毫无成本或技术障碍地实现。这种假设对于初学者而言是极其危险的,因为它会培养出无法落地的设计方案。一个优秀的设计师必须是“制造的诗人”,他的美感必须根植于材料和工艺的现实土壤之中。这本书在这一点上的缺失,使得它更像是一本停留在概念阶段的理论探讨,而非指导我们如何将脑海中的“造型”真正转化为可以被大众使用的、可靠的实体产品。

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这本书的名字是《工业产品造型设计》,我花了相当长的时间来阅读它,希望从中汲取一些关于如何让日常用品更具美感和实用性的智慧。然而,令我感到有些困惑的是,书中似乎花费了大量的篇幅去探讨一种被称为“后现代主义解构主义”的设计哲学。我本以为会看到很多关于人体工程学、材料科学在造型设计中的实际应用案例,比如如何通过曲线和比例来提升用户体验,或者不同塑料、金属在视觉和触觉上的对比效果分析。结果呢,书中更多的是对理论概念的抽象阐述,比如“形式是意义的载体,而意义本身是流动的、不可固定的”这类句子。读起来像是在上哲学课,而不是在学习一门实践性极强的工程艺术。我尝试去寻找一些具体的步骤指南,比如一个产品从草图到模具设计过程中的关键决策点,但这些内容寥寥无几。与其说它是一本指导设计师如何“做”造型的书,不如说它是一本探讨造型背后的思想史的书籍。我理解理论的重要性,但对于一个渴望快速上手或需要解决实际造型问题的读者来说,这种高度的理论化反而成了一种阻碍,让我感觉好像手里拿着一本关于建筑理论的书,却在寻找如何砌砖的技巧。

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这本书的语言风格有一种古老的、略带说教意味的腔调。每一个论断都仿佛是经过深思熟虑的真理,不容置疑。我特别注意到,书中对于“功能服从于形式”的倾向似乎表现得十分明显。比如,它会赞扬某些造型设计虽然在实际操作中显得笨拙或反人类工程学,但仅仅因为其“大胆的几何表达”就给予了高度评价。这与我所理解的优秀工业设计是背道而驰的。在我看来,产品首先必须好用,其次才是好看。如果一个造型设计使得产品的使用体验变得复杂或困难,那么无论它的视觉效果多么震撼,它在本质上都是失败的。这本书似乎更像是一本艺术评论集,而不是一本技术性的设计手册。它似乎鼓励设计师去挑战实用性的底线,以追求某种纯粹的视觉上的“姿态”。对于希望将理论转化为可量化、可测试的设计标准的人来说,这本书提供的指导是非常模糊和主观的,几乎无法用来指导实际的项目决策。

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我尝试从书中寻找一些关于“可持续性设计”的线索,毕竟现在环保和循环经济是设计领域绕不开的话题。我翻阅了几乎所有关于材料和生产工艺的章节,希望能看到关于可降解材料的使用规范、模块化设计如何延长产品寿命,或者如何通过造型设计来简化回收流程的讨论。然而,整本书似乎活在一个没有环境压力的“乌托邦”里。所有的造型都被塑造成一种永恒不变的完美形态,对时间的磨损、对用户生命周期的考量,都像是被有意无意地忽略了。这让这本书的实用价值大打折扣。我们现在设计的每一个产品,都必须面对“它最终会变成垃圾”的现实。一个真正有远见的造型设计指南,应该引导设计师如何在这个有限的资源世界里,设计出既美观又负责任的产品。这本书的视角显得过于超前,或者说,是脱离了当下的技术和社会责任,停留在对“形式本身”的浪漫化迷恋之中,这让我这个关注现实问题的读者感到有些空虚。

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