钢琴基础

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出版者:第1版 (2007年9月1日)
作者:
出品人:
页数:328 页
译者:
出版时间:2007年9月1日
价格:38.00
装帧:平装
isbn号码:9787221066732
丛书系列:
图书标签:
  • 钢琴
  • 基础
  • 入门
  • 乐理
  • 指法
  • 练习
  • 技巧
  • 少儿
  • 音乐
  • 教材
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具体描述

《钢琴基础》为贵州人民出版社出版发行。

古琴的悠远回响:一部深入探索中国传统音乐艺术的著作 书名:古韵新声:中国古琴艺术的传承与创新 作者:林子轩 出版社:翰墨轩文化传播 出版日期:2024年10月 内容简介: 《古韵新声:中国古琴艺术的传承与创新》并非一本面向初学者的入门指南,也绝不涉猎西方键盘乐器或现代音乐理论的皮毛。本书旨在成为一部深度挖掘中国古典音乐瑰宝——古琴(七弦琴)历史、哲学内涵、演奏技艺精髓以及当代传承挑战的学术性与鉴赏性并重的专著。本书的深度和广度,旨在为对中国传统文化有深刻兴趣的学者、资深琴人以及高阶音乐爱好者提供一个全面而深入的视角。 全书共分为七个主要部分,脉络清晰,层层递进,力求在尊重传统的同时,探讨其在现代语境下的生命力。 --- 第一部分:形制溯源与哲学根基 本部分聚焦于古琴的物质形态及其背后蕴含的中国古代宇宙观与道德哲学。我们不讨论指法或定弦,而是深入探讨“琴”的文化象征意义。 一、琴体结构的象征意义: 详细考证了伏羲、神农、文王、仲尼等历代传说中对琴形制(如“相”、“项”、“腰”、“岳”、“轸”、“徽”、“足”)的命名由来及其与《周易》、阴阳五行学说的关联。例如,琴面代表天,底板代表地,十二徽位对应十二月或十二律,这些并非单纯的装饰,而是古人“天人合一”思想的物化体现。 二、琴德与士人精神: 探讨了自孔子以来“君子不离琴”的文化传统。我们详细分析了《列子·汤问》中伯牙与子期“高山流水遇知音”的故事,并将其置于魏晋玄学思潮的背景下,解析古琴艺术如何成为古代士大夫阶层修身养性、寄托隐逸情怀的载体。本章重点区分了琴的“雅”与俗乐的“乐”的本质区别。 三、古代琴谱的密码学: 本章不教授如何识谱,而是剖析现存最早的琴谱——如唐代《神奇秘谱》、明代《溪山琴概》等——所使用的“减字谱”的结构原理和历史演变。重点解析减字谱中蕴含的文字逻辑、结构符号,以及如何通过这些符号间接推导出古代演奏的某些特定审美取向(如对“虚实相生”的强调)。 --- 第二部分:流派纷呈与风格演变 本部分细致梳理了不同历史时期、地域形成的古琴流派,强调不同流派在审美取向和技法侧重上的差异。 一、川派与广陵派的地域差异: 深入对比了以“雄浑峻峭”著称的川派(如张孔山体系)与以“清雅流畅”闻名的广陵派(如徐青山体系)在音色处理、指序安排上的显著不同。我们通过分析代表曲目如《广陵散》和《梅花三弄》在不同流派处理中的细节变化,展示地域文化如何塑造音乐风格。 二、浙派的内敛与浙上琴学的复兴: 重点研究了以严澂、张桐逊为代表的浙派对“中正平和”的极致追求,以及其在明末清初的理论建树。 三、琴学文献的典藏与辨伪: 鉴赏性地介绍了现存的若干珍贵琴谱善本,探讨如何通过纸张、装帧、题跋等细节来判断其年代与可靠性,而非侧重于学习其中的曲目。 --- 第三部分:精微指法与音色哲学 此部分是对古琴演奏技术层面最深层次的探讨,关注的不是“如何弹奏”,而是“为何这样弹奏”以及“弹奏出的声音意味着什么”。 一、散、泛、按:音色的本体论: 将散音的“空灵”、泛音的“清澈”和按音的“沉郁”视为三种不同哲学状态的音乐体现。详细分析了泛音中“大撮”、“中撮”、“小撮”在音高和泛音点选择上的细微差别及其审美效果。 二、指法中的“气”与“力”的辩证: 探讨了如“上”、“下”、“进”、“退”等基础指法背后对演奏者气息控制和内在力道的微妙要求。尤其关注“绰”、“注”、“溜”、“扯”等复合技巧中,如何在指尖的触弦瞬间实现力量的转换与释放,从而产生“韵味”。 三、弦材与共鸣的研究: 对不同年代使用的丝弦(如金石丝竹组合)与现代尼龙钢丝弦在音色、延音、和弦共鸣上的物理特性差异进行比较研究,侧重于探讨丝弦“入木三分”的物理声学基础。 --- 第四部分:琴曲的文学意境与叙事结构 本部分视古琴曲为独立的文学作品或哲学论述,分析其标题、曲式结构与所描绘的意境。 一、大曲的史诗性叙事: 以《广陵散》为例,分析其庞大的曲式结构、段落之间的情绪张力以及其作为古代战争或悲愤主题音乐的代表性地位。解析其音乐语言如何模拟冲突、搏杀与最终的悲壮。 二、写景与抒情: 探讨描绘自然景物的代表作,如《平沙落雁》、《流水》。重点剖析这些作品中如何运用重复、变奏、速度的微调来构建“一景多看”、“情景交融”的东方美学特征。 三、曲目与养生: 简要回顾了古代医家(如华佗)对特定琴曲与人体脏腑功能关联的记载,侧重于文化记载,而非医学指导。 --- 第五部分:当代古琴教育的困境与路径 本部分将视角拉回当代,探讨在快节奏的现代社会中,古琴艺术所面临的实际挑战。 一、传统师承的断裂与重建: 分析了民国以后古琴教育体系的变革,传统“口传心授”模式在现代教育体制下面临的挑战,以及如何平衡标准化教学与个性化培养。 二、商业化与艺术纯粹性的张力: 探讨市场需求对演奏风格可能带来的影响,以及如何引导新兴学习者回归古琴艺术的内在精神追求。 --- 结语:向未来致敬 作者在最后总结了古琴艺术的永恒价值,即它提供了一种对抗喧嚣、回归本心的精神通路。本书并非提供一套操作手册,而是提供一把通往古琴精神世界的钥匙。阅读本书,是对中国古典审美哲学的一次深度朝圣。 目标读者: 音乐史研究者、古琴专业学生(要求已掌握基础弹奏技巧)、中国哲学与美学爱好者。 本书特色: 引用大量一手文献资料,论证严谨,语言凝练,避免对基础技巧的冗余赘述,聚焦于“神韵”与“内涵”的探讨。全书配有大量古代琴谱拓片、琴器高清图集,辅助理解。

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读后感

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用户评价

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这本书的视角非常“学院派”,但似乎是脱离了实际演奏的语境,更像是一本关于**音乐美学哲学的论文集**,而不是一本实用的教学参考书。我原本希望深入了解**即兴创作**的技巧,特别是爵士乐中**和弦转换的思维逻辑和常用和弦色彩**的运用,例如九和弦、十一和弦在不同调式中的功能变化。我期待看到的是大量的**和弦进行示例**、不同风格(如波萨诺瓦、硬波普)下的即兴线条分析,以及如何快速在脑中“听到”和弦的框架。然而,这本书的重点似乎完全放在了对**音乐符号学**的探讨上。它花了大篇幅讨论“音符作为图形元素的意义”、“休止符在构成张力中的结构主义解释”,甚至引用了大量的后现代哲学文本来阐述音乐的“非指代性”。这些高深的理论讨论,虽然具有一定的思辨价值,但对于一个想要在键盘上快速构建即兴旋律的演奏者来说,简直是天书。我需要的是“手上的功夫”,是可操作的工具箱,而不是关于“音乐本质是什么”的无休止的哲学辩论。这本书的语言晦涩难懂,充满了生僻的专业术语,让人在试图理解其核心观点时,就已经耗尽了大部分精力。

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这本书的排版和选材实在是让人感到困惑,它更像是一本**室内设计指南**而非音乐教材。我购买它时,是抱着学习**巴洛克时期音乐的演奏风格**的期望,特别是古钢琴(Clavichord)和羽管键琴(Harpsichord)在演奏装饰音和力度控制上的微妙差异。我期望看到的是关于**即兴装饰法的历史考证**、特定时期演奏惯例的文本引用,以及对体态、呼吸与音乐律动的关系探讨。然而,这本书却大量篇幅用于讨论**音乐厅的声学设计**,包括扩散板的材质、观众席的坡度设计,甚至还有几页关于**舞台灯光对观众情绪影响**的研究报告。这些内容虽然在建筑学或舞台管理领域或许有价值,但与我想要深入了解的演奏实践和历史语境几乎毫无关联。书中的音乐示例少得可怜,即便有,也往往是简化的钢琴谱,完全没有展现出羽管键琴或古钢琴那种特有的音色变化和颗粒感。我试图从中找到哪怕一丝关于**巴赫赋曲中对位法的处理**的指导,但最终只收获了关于“如何优化中提琴区域的混响时间”的建议。这种错位感贯穿了整本书的阅读过程。

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我必须承认,我对这本书的某些章节感到非常困惑,它似乎是为完全不同的一群人写的。我的目标是提高**手指的灵活性和演奏技巧**,尤其是那些被认为是“难以攻克”的帕格尼尼式的炫技片段。我期待看到的是一套循序渐进、针对性强的**练习方法论**,比如如何科学地进行指法分配、如何通过特定练习来解决音阶中的不均匀性,以及如何构建正确的肌肉记忆。然而,这本书中大部分篇幅被用于**音乐史的宏观概述**,从文艺复兴一直讲到二十世纪末,信息量是够大,但缺乏实操性。每当我想找到一个可以立刻应用到我日常练习中的小技巧时,内容就突然跳跃到某个作曲家的生平轶事上去了。这就像是想学做一道复杂的法式甜点,结果却拿到了一本关于法国农业发展史的书。技术细节的缺乏,使得这本书对于**提高演奏水平**的帮助微乎其微。我需要的是“如何做”的秘诀,而不是“是什么”的陈述。书中的图示,也大多是关于**乐谱版本的对比**,而非手型或触键的细节特写,这使得那些渴望精进技艺的读者感到非常失落和迷茫。

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阅读体验非常碎片化,这本书给我的感觉就像是不同作者在不同时间点拼凑起来的合集。我原本希望获得一本关于**和声学与曲式分析**的系统教程,特别是针对**十九世纪浪漫主义音乐**的复杂织体和情感表达手法进行深入剖析。我期待能看到详细的**和弦连接图表、功能和声的扩展应用**,以及如何识别奏鸣曲式或回旋曲式中的主题发展脉络。遗憾的是,这本书的结构极其松散。前半部分似乎是给初学者的**视唱练耳入门**,内容非常基础,甚至有些过时;而到了后半部分,突然转向了对**现代电子音乐制作软件**的操作指南,这种跨越式的转变让人完全无法跟上思路。而且,关于曲式分析的部分,也仅仅是罗列了定义,没有提供任何实际的范例来引导读者进行独立分析。比如,我想知道如何区分李斯特变奏曲中的“主题再现”与“即兴发挥”的界限,但书中对此只字未提,转而详细解释了某种**录音棚混音技巧**。这让我感觉这本书的目的性极其模糊,不知道它究竟想服务哪一类读者群体,对于严肃的音乐理论学习者来说,它的深度远远不够。

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这本书实在是让我有些摸不着头脑,完全没有达到我预期的效果。我本来是希望找一本能够系统梳理**古典音乐欣赏**入门知识的书籍,最好能涵盖巴赫到德彪西的主要流派和代表人物,配上一些有趣的背景故事和音乐片段分析。然而,我拿到的这本书,内容似乎完全跑偏了。它花了大量的篇幅去讨论**如何选择和保养乐器**,从木材的种类到琴弦的张力,讲得极其细致,但对于音乐本身的赏析却寥寥数语,点到为止。尤其是关于和声学的讲解,更是浅尝辄止,几乎没有提供任何可以帮助我理解音乐结构和情感表达的工具。翻阅目录时,我以为自己是不是不小心拿错了书,因为里面充满了关于**维修手册和技术规格**的章节。对于一个纯粹的音乐爱好者,而不是一个乐器技师来说,这些内容冗余得让人想直接跳过。我需要的是一把通往音乐殿堂的钥匙,而不是一本关于“钢琴的螺丝该拧多紧”的说明书。整体阅读体验下来,感觉像是买了一套高级家具,却只收到了说明书,而家具本体却不见踪影。我更希望看到的是对**贝多芬奏鸣曲中戏剧性冲突**的深入剖析,或者对**印象派和声色彩**的描绘,而不是这些冰冷的、工具性的描述。

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