Maurizio Montagna

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出版者:Damiani
作者:Denis Curti
出品人:
页数:140
译者:
出版时间:2009-02-01
价格:USD 55.00
装帧:Paperback
isbn号码:9788862080262
丛书系列:
图书标签:
  • 意大利文学
  • 当代文学
  • 小说
  • 作家
  • 人物传记
  • 文化
  • 艺术
  • 历史
  • 社会
  • 蒙塔尼亚
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具体描述

This cloth-covered paperback with foldout poster jacket presents Italian photographer Maurizio Montagna's black-and-white series Billboards . Each of Montagna's photographs captures a billboard devoid of advertisement and, surrounding it, a landscape--sometimes densely urban, othertimes sparse, lonely and anonymous.

《光影织锦:二十世纪西方艺术的流变与回响》 作者: 艾伦·史密斯 (Alan Smith) 出版社: 环宇文化出版社 出版日期: 2023年10月 页数: 680页(含插图) 定价: 188.00 元 --- 内容简介: 《光影织锦:二十世纪西方艺术的流变与回响》是一部宏大而精微的艺术史著作,聚焦于1900年至2000年间,西方艺术领域所经历的剧烈变革、深刻的哲学反思以及跨媒介的融合与对话。本书摒弃了传统艺术史中单纯按“主义”罗列的线性叙事,而是以“感知、结构与场域”为三大核心叙事轴线,深入剖析了艺术如何从对再现的执着转向对观念、过程乃至观众参与的探索。 本书的结构设计旨在引导读者穿越两次世界大战的硝烟、现代性的焦虑以及后结构主义的解构浪潮,理解艺术语言如何不断自我更新,以应对飞速变化的社会、技术和政治环境。 --- 第一部分:感知的重构与视角的解放(1900-1939) 本部分深入探讨了现代主义初期,艺术家们如何系统性地瓦解文艺复兴以来建立的单一、客观的“再现”传统。 一、光线、色彩与时间性的捕获: 作者首先聚焦于野兽派和早期表现主义对色彩的独立解放。不再满足于描绘物体的固有色,色彩成为表达内在情感和建筑空间结构的主体力量。例如,对马蒂斯的色彩和声部处理,以及德勒斯的桥社(Die Brücke)中对原始主义的挪用与扭曲。 随后,分析转向立体主义(Cubism)的革命性贡献。本书着重探讨了乔治·布拉克和巴勃罗·毕加索如何通过多重视角的并置,构建一个非欧几里得几何学的视觉场域。立体主义不仅仅是形式的分解,更是对康德“主体性”与“客观性”之间关系的颠覆性尝试。作者细致考察了拼贴(Collage)技术如何将日常的、非艺术的材料引入画布,预示着艺术与生活的界限将日益模糊。 二、速度、运动与机器的颂歌: 未来主义(Futurism)被置于工业化和技术狂热的背景下进行考察。本书详细分析了乌姆贝托·薄丘尼如何试图用绘画和雕塑来“同时性”(Simultaneity)地捕捉运动的轨迹和流动的力量。这不仅是美学上的探索,更是对传统静止艺术形式的挑战。 三、无意识的领域与梦境的逻辑: 超现实主义(Surrealism)的兴起被视为对启蒙理性逻辑的深刻反动。作者援引弗洛伊德的精神分析理论,详述了安德烈·布勒东的“自动性写作”在视觉艺术中的转化。重点分析了萨尔瓦多·达利“偏执批判法”与马克斯·恩斯特的“偶然性拼贴”如何系统性地挖掘潜意识的图景,挑战了“可知性”的边界。 --- 第二部分:结构、抽象与战后精神的重塑(1940-1960) 二战结束后,艺术中心从巴黎转移至纽约。本部分考察了艺术如何从对外部世界的描绘转向对媒介自身属性的纯粹探索,以及在冷战的焦虑中寻找新的精神慰藉。 一、行动的在场性:抽象表现主义的兴起: 本书将抽象表现主义(Abstract Expressionism)置于美国社会转型期进行解读。作者区分了两位主要方向: 1. 行动绘画(Action Painting): 重点分析了杰克逊·波洛克的“滴画”如何模糊了画家、画布和颜料之间的传统关系。这里的“行动”不再是叙事行为,而是个体存在状态的直接物化,画布成为“行动的记录”。 2. 色域绘画(Color Field Painting): 对马克·罗斯科和巴尼特·纽曼的研究,强调了色彩本身所蕴含的形而上学意义。大面积的纯色场域旨在创造一种浸入式的、近乎宗教性的崇高体验(Sublime),挑战了传统画框的封闭性。 二、材料的回归与形式的还原: 在抽象表现主义的宏大叙事之后,一股反叛的力量开始聚焦于媒介的“扁平化”和日常材料的回归。本书详细阐述了美国早期极简主义(Minimalism)的先驱,如唐纳德·贾德和卡尔·安德烈,如何通过“特定的物体”(Specific Objects)的概念,消除艺术家的主观性,强调物体的物质性、空间关系以及观众的物理体验。艺术不再是“关于”某事,它就是它自身。 --- 第三部分:场域的扩展与符号的解构(1960-2000) 后现代思潮的涌入,使得艺术的“本体论”问题被彻底抛开,转向了社会、消费文化和权力结构对图像生产的渗透。 一、消费主义的镜像:波普艺术的挪用策略: 波普艺术(Pop Art)被视为对美国社会媒介饱和状态的精确回应。安迪·沃霍尔的丝网印刷和重复图像,以及罗伊·利希滕斯坦对漫画的放大与重构,揭示了商业复制技术如何瓦解了原作的“灵光”(Aura)。本书探讨了波普如何通过中立化的挪用(Appropriation),使得艺术与广告之间的界限变得具有挑衅性。 二、观念的胜利与语言的转向: 观念艺术(Conceptual Art)部分是本书论述的重点。作者认为,观念艺术的核心不在于最终的视觉成品,而在于其背后的指令、文件或文本。约瑟夫·科苏斯对“定义”本身的探讨,以及道格拉斯·休伯勒对“项目可行性”的质疑,标志着艺术的价值判断彻底转移到了思想层面。艺术成为了一个纯粹的哲学性问询。 三、身体、媒介与身份政治的交织: 在后结构主义的影响下,后现代艺术开始深入探讨身份(Identity)、性别(Gender)和种族(Race)的建构性。本书分析了行为艺术(Performance Art)如何利用身体作为直接的、不可复制的媒介来对抗审查和既定规范。例如,对玛丽娜·阿布拉莫维奇早期作品中身体极限的探讨,以及辛迪·雪曼通过摄影对女性身份面具的系统性扮演与解构。 四、从画廊到公共空间:装置艺术与环境的渗透: 最后一部分关注了从20世纪70年代至今,艺术如何大规模地离开传统白立方(White Cube)空间,转而关注特定的“场域”(Site-Specificity)。环境艺术(Land Art)和大型装置艺术(Installation Art)的兴起,强调了艺术作品与特定地理、历史和社会环境的互动关系,使得作品的意义不再是封闭的,而是开放给所有参与者共同建构的动态过程。 --- 结语:回响与未来: 本书的总结部分并非对未来艺术进行预测,而是梳理了20世纪艺术留给后世的关键遗产:对艺术本质的持续质疑、对媒介的解放,以及将艺术从精英领域推向更广泛社会批判工具的努力。本书认为,20世纪的艺术革命,本质上是一场关于“我们如何看见,以及看见了什么”的哲学辩论。 --- 本书特色: 1. 叙事深度: 深入探讨了艺术流派背后的哲学基础(如现象学、符号学和解构主义),而非仅停留在风格描述。 2. 跨学科视野: 将艺术史与20世纪的科学进步(如相对论、信息论)和政治事件紧密联系。 3. 丰富的视觉材料(插图部分): 包含大量高分辨率的作品图版,并附有详细的图像分析,辅助理解复杂的视觉策略。 4. 聚焦关键文献: 引用了大量艺术家宣言、评论家论述和理论家的核心文本,确保论述的权威性与历史语境的准确性。 --- 目标读者: 艺术史专业学生、当代艺术研究者、博物馆策展人、以及对20世纪文化思想史有浓厚兴趣的普通读者。

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读后感

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用户评价

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如果非要用一个词来形容《失语者的挽歌》给我的感受,那一定是“震撼”。这部作品与其说是对某个历史事件的记录,不如说是一次对“沉默的力量”的深度挖掘。作者并未直接陈述那些早已被众人熟知的冲突细节,而是将笔墨投向了那些被主流叙事所忽略的“边缘声音”——那些因为语言障碍、身份错位或政治压迫而无法发声的个体。书中通过大量的口述史资料、未公开的私人信件和日记片段,构建了一个由无数细微痛苦汇聚而成的宏大景观。这种“自下而上”的叙事策略,带来的冲击力远超那些官方报告。例如,书中有一段关于战后重建时期,一位母亲如何用她学会的几句外语,努力为家人争取面包配给的描写,短短三页,却包含了比千军万马更深重的绝望与坚韧。这本书的文字风格是疏离而冷静的,没有煽情的词汇,但正是这种克制的冷静,让文字背后蕴含的情感力量更具穿透力,直击人心最柔软的部分。读完后,我需要很长时间才能从那种历史的重量中抽离出来。

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《城市脉络与无形边界》这本书,与其说是在谈论都市规划,不如说是在探讨现代社会人与空间的关系。作者的观察视角极其独特,他总能从最不起眼的城市角落——比如一个废弃的电车轨道、一块被反复涂画的墙面、或是一个特定时间段的公交车时刻表——中,解读出整个城市运行的深层逻辑和潜意识的社会契约。书中的行文像是一场漫无目的却又目标明确的城市漫步,时而进入一个精英阶层的玻璃幕墙大厦,时而又钻入一条只有本地人才知道的后巷。这种空间叙事的跳跃性,完美地模拟了城市生活的碎片化体验。我尤其欣赏作者对“通勤时间”这一概念的解构,他将其不仅仅视为物理位移,而是一种精神上的“时间税”,是现代人与城市进行的一场无声的交易。整本书充满了洞察力,那些你每天路过却从未真正“看见”的城市符号,都被作者一一打上了清晰的标签,让你在接下来的日子里,每一次踏出家门,都会带着一种全新的、被激活的审视目光。这绝对是一本能改变你观察世界方式的城市社会学经典。

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说实话,我很少对一部非虚构类作品产生如此强烈的“沉浸式”体验,但《镜面迷宫》做到了。这本书的叙事节奏极其克制,它没有采用那种跌宕起伏、惊心动魄的爆点式叙事,而是像一位经验老到的钟表匠,用极慢的、近乎冥想的速度,去打磨和展示事物运行的内在逻辑。它探讨的核心议题——“感知与现实的边界”,通过一系列看似不相关的哲学思辨、神经科学的最新发现以及中世纪炼金术文本的对比分析,被编织成一张密不透风的逻辑网。最让我印象深刻的是其中关于“颜色谱的局限性”那一章,作者引用了早期航海日志中对极端天气下海洋色彩的描述,将其与当代量子光学理论进行交叉验证,这种跨学科的对话方式,既保持了学术的严谨性,又兼顾了普通读者的可读性。这本书的伟大之处在于,它要求你停下来,真正地思考,而不是被动地接收信息。读完它,我感觉自己看待日常事物的视角被重新校准了,那些习以为常的现象背后,似乎都隐藏着更复杂、更精密的运作机制。它不是一本能让你一口气读完的书,它更像是一壶上好的老茶,需要小口慢品,才能体会到回甘的悠长。

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这本厚重的精装书,初捧上手便有一种沉甸甸的仪式感,仿佛手里握着的不是寻常的纸张和油墨,而是一段被精心凝固的历史。《黎明之光:失落的文明密码》这本书,我是在一个偶然的推荐下开始阅读的,起初对这类考古探秘类的题材并不抱有太大期望,总觉得无非是老调重弹,无非是那些被无数次解析过的象形文字和神庙残骸。然而,作者在开篇构建的世界观,那种宏大而又细腻的笔触,立刻将我拽入了一个前所未有的时空漩涡。他对于古代社会结构、祭祀仪式的描写,绝非教科书式的枯燥罗列,而是充满了生命力和张力,仿佛我能闻到那些古老香料燃烧的气味,能听到祭司吟诵的晦涩祷文。特别是书中对“影之城”的描绘,那种光影交错、建筑逻辑颠覆常规的设计,展现了作者惊人的想象力与扎实的建筑学功底。书中对时间轴的跳跃处理也相当高明,他能将一个数千年前的片段,与现代科学理论的某个最新发现无缝对接,让人在阅读过程中不断产生“原来如此”的顿悟感。整本书的阅读体验,更像是在解开一个精心设计的巨型迷宫,每当你以为触及真相时,又会被引领到另一个更深邃的谜团面前。它不仅仅是一部小说,更像是一次智力的角力,激发了我对人类文明起源的无限遐想。

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我通常不太喜欢那些过度依赖技术术语的科普读物,总觉得晦涩难懂,容易让人望而却步。但《星辰轨迹的微观印记》彻底颠覆了我的这种偏见。这本书的作者似乎拥有将最深奥的宇宙学概念转化为日常语言的魔力。他不像很多天文学家那样沉溺于宏大的星系碰撞,而是将焦点聚焦在了“引力波涟漪在时空结构中留下的极微小痕迹”上。全书的情感基调非常温暖、充满敬畏,作者在描述那些冰冷的数据和公式时,总能穿插进去人类探索未知的勇气和浪漫情怀。比如,他用“宇宙的呼吸”来比喻黑洞合并时发出的时空震动,这种拟人化的手法,极大地拉近了读者与前沿物理学的距离。书中的插图也值得称赞,它们不是那种生硬的计算机绘图,而是结合了古典油画的质感和现代数据的精准性,具有极高的艺术价值。读这本书的过程,就像是跟随一位睿智的长者,在深夜的观测台上,耐心而又充满激情地为你揭示宇宙运行的温柔法则。它让你在敬畏之余,感受到一种与万物相连的归属感。

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