Sketch Of A New Esthetic Of Music (1911)

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出版者:Kessinger Publishing, LLC
作者:Frerruccio Busoni
出品人:
页数:52
译者:Baker, T.
出版时间:2007-11-10
价格:USD 16.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780548765951
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐美学
  • 音乐哲学
  • 现代音乐
  • 音乐理论
  • 艺术哲学
  • 20世纪音乐
  • 表现主义
  • 斯克里亚宾
  • 音乐史
  • 音乐批评
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具体描述

A NEW ESTHETIC OF MUSIC OF A New Esthetic of Music BY FERRUCCIO BUSONI TRANSLATED FROM THE GERMAN BY DR. TH. BAKER NEW YORK G. SCHIRMER 1911 Copyright, 1907 By FERRUCCIO BUSONI Copyright, 1911 By G. SCHIRMER 22375 JUL, SKETCH OF A NEW ESTHETIC OF MUSIC quot What seek you Say And what do you expect quot I know not what the Unknown I would have What s known to me, is endless I would go Beyond the end The last word still is wanting. quot quot JDer macfitige T OOSELY joined together as regards literary - L form, the following notes are, in reality, the outcome of convictions long held and slowly ma tured. In them a problem of the first magnitude is formulated with apparent simplicity, without giv ing the key to its final solution for the problem cannot be solved for generations if at all. But it involves an innumerable series of lesser problems, which I present to the consideration of those whom they may concern. For it is a long time since any one has devoted himself to earnest musical research. It is true, that admirable works of genius arise in every period, and I have always taken my stand in the front rank of those who joyfully acclaimed the passing standard-bearers and still it seems to me that of all these beautiful paths leading so far afield none lead upward. 2 A NEW ESTHETIC OF MUSIC The spirit of an art-work, the measure of emotion, of humanity, that is in it these remain unchanged in value through changing years the form which these three assumed, the manner of their expression, and the fiawr of the epoch which gave them birth, are transient and age rapidly. Spirit and emotion retain their essence, In the art-work as in man himself we admire technical achievements, yet they areoutstripped, or cloy the taste and are discarded. Its ephemeral qualities give a work the stamp of quot modernity quot its unchangeable essence hinders it from becoming quot obsolete. quot Among both quot mod ern quot and quot old quot works we find good and bad, genuine and spurious. There is nothing properly modern only things which have come into bring earlier or later longer in bloom, or sooner withered. The Modern and the Old have always been. Art-forms are the more lasting, the more closely they adhere to the nature of their individual species of art, the purer they keep their essential means and ends. Sculpture relinquishes the expression of the human pupil, and effects of color painting degener ates, when it forsakes the flat surface in depictioe and takes on complexity in theatrical decoration or panoramic portrayal. Architecture has its fundamental form, growth fern below upward, prescribed by static necessity and K amp gt of necessarily provide the infer CHARACTERIZATION OF THE ARTS 3 mediate and finishing configuration these are eternal and inviolable requirements of the art. Poetry commands the abstract thought, which it clothes in words. More independent than the others, it reaches the furthest bounds. But all arts, resources and forms ever aim at the one end, namely, the imitation of nature and the interpretation of human feelings. Architecture, sculpture, poetry and painting are old and mature arts their conceptions are estab lished and their objects assured they have found the way through uncounted centuries, and, like the planets, describe their regular orbits. Music, compared with them, is a child that has learned to walk, but must still be led. It is a virgin art, without experience in life and suffering. It is all unconscious as yet of what garb is becoming, of its own advantages, its unawakened capacities. And again, it is a child-marvel that is already able to dispense much of beauty, that has already brought joy to many, and whose gifts are commonly held to have attained full maturity...

唤醒沉睡的感官:二十世纪初音乐美学思潮的回响 《二十世纪初音乐美学思潮的演进与分野》 这部著作深入剖析了二十世纪第一个十年至第二个十年间,欧洲乃至全球范围内音乐思想领域发生的深刻变革。它并非聚焦于某一特定作曲家的创作实践,而是致力于梳理和阐释在宏大社会文化背景下,理论家们如何重新审视音乐的本质、功能及其与听众精神世界的关联。全书以严谨的史学考证和敏锐的哲学洞察为基石,构建了一个多维度的音乐美学图景。 第一部分:传统美学的黄昏与现代性的呼唤 本书首先回顾了十九世纪后半叶占主导地位的瓦格纳式浪漫主义美学遗产。作者细致描绘了“整体艺术作品”(Gesamtkunstwerk)理念如何将音乐推向叙事和象征的巅峰,以及这种极端主观化倾向在面对日益多元化的社会需求时所显现出的疲态。通过对当时乐评界主流声音的系统梳理,揭示了音乐界内部对于“宏大叙事”的反思与疲倦感。 随后,著作将焦点投向了新兴的哲学思潮——尤其是尼采晚期思想在音乐领域的渗透。探讨了“酒神精神”与“日神精神”的辩证关系,如何被引入对音乐结构与情感表达的分析之中。这不仅仅是风格上的讨论,更是一种本体论的探寻:音乐是纯粹的意志体现,还是精确的理性建构? 本部分重点分析了德彪西主义在巴黎音乐界激起的涟漪。德彪西的音乐实践被视为对德奥传统的一种优雅的、却又彻底的疏离。书中详细阐述了印象主义(Impressionism)美学如何将听觉体验置于中心,强调音色(Timbre)作为独立要素的重要性,以及对传统调性功能束缚的松动。这标志着音乐开始从对“意义”的执着,转向对“感受”的精确捕捉。 第二部分:理性与秩序的回归:新古典主义的先声 随着两次工业革命带来的社会结构的剧变,一部分音乐思想家开始对二十世纪初的“感性泛滥”表示担忧,呼吁音乐回归清晰、客观的结构性。 本书的第二部分深入探讨了被后世称为“新古典主义”(Neoclassicism)萌芽期的探索。这并非指斯特拉文斯基在战后的全面回归,而是在此之前,对莫扎特、巴赫等古典主义大师作品形式的重新理解与挪用。重点分析了亨利·杜朗(Henri Dutilleux)等早期作曲家如何尝试在继承传统曲式(如奏鸣曲式、赋格)的框架下,注入现代和声语汇。 一个关键的论点是:对“清晰性”(Clarity)和“平衡”(Balance)的追求,实质上是对现代社会混乱状态的一种审美抵抗。书中对意大利未来主义(Futurism)的短暂爆发进行了批判性考察,指出其对噪音的狂热拥抱,虽然在精神上是激进的,但在美学上却最终导向了对音乐物质性的单向迷恋,缺乏持久的结构张力。 第三部分:声音的解放与听觉的革命 本书的重头戏在于对“声音本体”的探讨。随着录音技术和电声实验的兴起,音乐的物理属性前所未有地凸显出来。 作者详细考察了声音景观(Soundscape)理论的早期萌芽,即音乐不应仅局限于传统乐器发出的特定音高和节奏,而应将所有可听见的现象纳入考察范围。在此背景下,对非传统音响的接纳成为重要议题。书中对比了奥地利学派对半音阶的彻底拓展与同时期其他地区对民族音乐(Folk Music)的采样与融入,展示了音乐边界的几何级扩张。 特别值得一提的是,本章细致分析了“节奏”概念的重新定义。传统的以固定拍速为中心的节奏观受到挑战,取而代之的是对复节奏(Polyrhythm)、非周期性节奏(Aperiodic Rhythm)以及纯粹时间流动的关注。这使得音乐的“时间性”从被组织好的结构,转变为一种流动的、不可逆转的体验本身。 第四部分:美学接受理论的转向 本书的结尾部分将讨论的重心从作曲家的意图和作品的结构,转移到了听众的“接受过程”。在信息爆炸的时代,音乐的“意义”不再是固定的文本,而是动态的互动产物。 书中引入了早期现象学(Phenomenology)在音乐分析中的应用,探讨听众如何通过“预期”与“实现”的张力来感知音乐的结构。这对于理解为什么某些“离经叛道”的和声片段能够被新的听众群体接受至关重要。 最终,本书总结道:二十世纪初的音乐美学探索,是一场从“表达”到“存在”、从“内容”到“形式”、从“叙事”到“感知”的深刻转向。它为我们理解随后出现的十二音体系、序列主义乃至电子音乐奠定了不可或缺的理论基础。这部著作以其跨学科的视野和对细节的苛求,为研究音乐史的结构性断裂提供了一份详尽而深刻的路线图。全书的论述风格冷静、克制,注重文本之间的内在逻辑关联,力求还原那个充满矛盾与创造力的时代氛围。

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读后感

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用户评价

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从排版和设计上看,这本书的设计师绝对是一位深谙“留白”艺术的大师。无论是章节之间的间距,还是页边距的处理,都透露着一种克制而高雅的品味。这种对视觉节奏的精准把控,极大地减轻了大量密集文字带来的压迫感,使得即便是在阅读最抽象或最复杂的段落时,眼睛和心灵都能找到喘息的空间。我注意到,很多关键概念的引入,往往伴随着一个极小的、几乎难以察觉的字体变化或是缩进处理,这无疑是设计者在引导读者注意力方面的高明手法。这种不着痕迹的引导,远比那些用粗体或下划线粗暴标记的方式要高级得多。这本书的每一个元素,从纸张的厚度到墨水的色泽,似乎都经过了深思熟虑,共同服务于一种超越内容本身的整体美学追求,体现了那个时代对于“形式服务于精神”的极致理解。

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这本书所散发出的那种独特的氛围感,简直能将人瞬间拉回特定的历史情境中。它没有刻意去描绘宏大的时代背景,但字里行间流淌出的那种对既有秩序的审视与挑战,却清晰地勾勒出二十世纪初知识分子内心深处的躁动与不安。这不仅仅是关于某个领域内的学术探讨,更像是对整个社会精神面貌的一次深刻剖析。我能感受到作者在笔下描绘的世界,充满了张力和未尽的探索,有一种新旧观念激烈碰撞时产生的火花。阅读时,我脑海中浮现的不是具体的理论,而是一幅幅模糊的、充满象征意义的画面:例如黄昏时分,一个孤高的身影站在巨变的边缘,既对未来感到兴奋,又对消逝的旧事物抱持着一种难以言喻的缅怀。这种饱满的情感底色,让阅读不再是枯燥的知识获取,而更像是一次与一个伟大灵魂的私密对话。

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这本书给我带来的最深远的影响,在于它对我自身思考习惯的潜移默化。在读完前几章后,我发现自己开始不自觉地用一种更加结构化、更注重内在逻辑关联的方式去审视日常遇到的信息。它似乎植入了一种新的“过滤器”,让我对表面的、肤浅的陈述保持警惕,转而探求现象背后的深层结构和驱动力。这种变化是微妙的,没有立竿见影的震撼,而更像是一次温和而持久的思维重塑。我开始对那些看似理所当然的定论提出质疑,并试图去构建自己的分析框架。这种能力上的提升,是任何速成指南都无法给予的。它提供了一个看待世界的全新视角,这个视角是如此的坚实和富有层次感,让人在面对复杂问题时,不再感到迷茫,而是油然而生一种从容不迫的掌控感。

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阅读的过程,与其说是在吸收知识,不如说更像是一场缓慢而深邃的冥想。这本书的行文风格有一种沉静的力量,它不急于抛出惊人的论断,而是以一种近乎哲学的姿态,引导读者进入作者构建的思维迷宫。句子结构时常拉得很长,充满了复杂的从句和精妙的转折,需要读者慢下来,反复咀嚼才能体会其间的微妙含义。这种阅读体验,与那些节奏明快、信息量爆炸的现代作品形成了鲜明的对比。我发现自己常常需要停下来,合上书本,望着窗外发呆,让那些文字在脑海中自行消化、沉淀。它似乎在挑战现代人对于“效率”的执念,提醒我们,真正的洞察往往诞生于缓慢的反思之中。这种需要“投入时间与心力”的阅读体验,反而带来了一种久违的满足感,仿佛每一页都充满了作者的呼吸和思考的痕迹,让人不敢有丝毫的敷衍。

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这本书的装帧实在令人眼前一亮,那种厚重的纸张和略带磨损的封面,让人立刻联想到它所承载的历史重量。初拿到手时,指尖拂过封面的纹理,仿佛能触摸到百年前的空气,一股怀旧又略带神秘的气息扑面而来。内页的字体排版颇具匠心,虽然是那个时代的印刷风格,但整体布局却透露着一种超越时代的精致感。我尤其喜欢它那种略微泛黄的纸张色调,在暖光下阅读,感觉自己像是真的坐在一个老式图书馆里,沉浸在某种古老的智慧之中。虽然我尚未深入内容,但仅仅是这种实体感和仪式感,就足以让人对手中的这本书充满敬意。它不仅仅是一本书,更像是一件精心保存下来的艺术品,让人忍不住想要细细品味它每一个细节,从书脊的折痕到扉页的留白,都讲述着一段无声的故事。这种对物质载体的尊重,在如今这个电子书盛行的时代,显得尤为珍贵,让人更加期待翻开它后,能发现怎样一番别有洞天的世界。

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