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出版者:Theatre Arts Book

作者:Ja Smith-Autard

出品人:

页数:256

译者:

出版时间:December 7, 2004

价格:$ 33.84

装帧:

isbn号码:9780878301973

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈编排
• 现代舞
• 即兴舞蹈
• 舞蹈创作
• 舞蹈教学
• 动作分析
• 空间设计
• 节奏与音乐
• 身体表达
• 舞蹈理论

现代舞编导的实践与理论：《肢体叙事：从灵感到结构》 一部深入探索现代舞创作核心的权威著作 卷首语：超越动作的界限 在当代舞蹈的广阔疆域中，编舞不再仅仅是动作的排列组合，而是一种深刻的、多维度的叙事艺术。《肢体叙事：从灵感到结构》是一本旨在解构现代舞编导过程的专著，它将编导的实践提升至理论的高度，引导创作者深入理解如何将抽象的情感、哲学思辨或社会观察，有效地转化为具有冲击力的舞台作品。本书不同于侧重技巧训练或历史回顾的传统文本，它专注于“如何构建一个舞作”这一核心命题。 --- 第一部分：灵感的熔炉与初始的形态捕捉 本部分着重于探索编舞创作的起点——灵感的来源、捕捉技术以及如何将这些零散的火花固化为可供操作的素材。 第一章：意象的解码与情绪的物质化 非语言思维的激活： 探讨如何训练身体去感知和表达那些难以用语言描述的内在状态。内容包括冥想技术在舞蹈创作中的应用、梦境分析如何转化为动作序列的策略。 环境与上下文的渗透： 分析外部世界（如建筑、音乐结构、文学文本、自然现象）如何作为触发点。重点剖析如何避免直接模仿，而是提炼其“内在逻辑”并将其“翻译”成肢体语言。 素材的生成： 详细介绍即兴创作（Improvisation）与结构化训练（Structured Exploration）的平衡艺术。提供多种即兴练习，旨在挖掘出具有独特风格潜力的动作单元（Motif）。 第二章：动作的词汇构建与语法的建立 动作词典的建立： 讨论如何系统性地记录和分类自创动作。这不仅包括记录具体的关节角度，更重要的是记录该动作所携带的能量质量（Effort Quality）和空间意图（Spatial Intention）。 动觉的透镜： 深入探讨空间维度（Levels, Pathways, Focus）和时间维度（Tempo, Rhythm, Duration）如何共同构建动作的“语法”。分析不同组合下，动作如何改变其意义。 材料的筛选与淘汰： 面对海量素材，编导如何运用“效用性标准”进行批判性选择。介绍一套自我评估体系，用于判断某个动作段落是否真正服务于作品的核心概念。 --- 第二部分：结构化的骨架：从片段到整体的搭建 一旦动作素材储备充足，下一步便是构建宏大的叙事或非叙事结构。本部分致力于提供结构化工具，帮助编导将“素材”升级为“作品”。 第三章：叙事结构的解构与重构 非线性叙事的可能性： 挑战传统戏剧结构（开端、发展、高潮、结局）。探讨循环结构、碎片化结构、迷宫式结构在当代舞蹈中的应用。 主题的层次推进： 如何在没有台词的情况下，通过动作的重复、变异、叠加和消解来构建清晰的情感或概念层次。案例分析：运动动力如何替代情节冲突。 内部逻辑的统一性： 确保作品中所有元素（无论视觉、听觉还是动觉）都服务于一个统一的内在逻辑，即便该逻辑是反传统的。 第四章：空间布局与群体动力学的编排 舞台空间的“角色化”： 如何将舞台视为一个具有自身重力和叙事意义的实体。分析不同站位、队形变化对观众感知的影响。 群体的张力与分离： 探讨群体编排的技术，包括同步（Unison）、对比（Contrast）、以及复杂的“群体意识流”（Collective Consciousness Flow）。如何通过群体的解体与重组来暗示社会或心理状态的变化。 与舞台元素的互动： 编排时如何预设道具、灯光和布景对动作序列的干扰、强化或转化作用。例如，灯光如何在瞬间改变一个动作的焦点。 --- 第三部分：动态的打磨与跨媒介的对话 创作的后半程是精炼、打磨和最终呈现的阶段。本部分关注排练室中的决策制定、与舞者的合作模式以及作品的最终呈现形式。 第五章：排练室的炼金术：合作与反馈的艺术 编导角色的转换： 从“创造者”到“引导者”的角色转变。如何在保持自身愿景的同时，最大限度地激发舞者的自主性和创造力。 建设性反馈的语言： 提供一套精确、非批判性的语言系统，用于指导舞者调整动作质量和意图，而非简单地纠正技术错误。 技术与情感的融合点： 如何确保高难度的技术动作能够自然地“流淌”出情感意义，而非成为孤立的展示。 第六章：声音景观与视听整合策略 音乐的选择与“去音乐化”： 分析如何选择超越背景音乐的角色。探讨“反音乐”（Counterpoint Music）或“声音环境”（Soundscape）如何与动作形成对话或对抗。 沉默的力量： 详细分析在舞蹈作品中，预留“空白”或“静默”如何重塑观众的注意力，并为动作的再次出现积蓄能量。 整合的检验： 介绍在作品排练后期，如何通过“黑暗排练”（Blackout Rehearsal）或“无视线排练”（Blind Rehearsal）来测试作品在跨媒介元素分离时依然保持结构完整性的能力。 --- 结语：永恒的追问 《肢体叙事：从灵感到结构》的核心论点是：伟大的舞蹈作品并非偶然的灵光乍现，而是严谨的结构思维与无边界的想象力相遇的产物。本书提供的不是一套固定的公式，而是一套强健的工具箱，旨在帮助每一位编导构建属于自己的、无法被替代的肢体语言体系，从而使作品能够在时间的长河中持续产生回响。它是一份对舞蹈创作潜能的深度挖掘报告，旨在促使编导们不断突破“已知”的动作边界，抵达“可能”的艺术前沿。

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坦白说，《Dance Composition》这本书的购买经历有些偶然，我原本是冲着某个具体的编舞技巧去的，但翻开后，发现它完全超出了我的预期。它不像市面上很多同类书籍那样，给你一堆现成的公式和模板，让你去套用。相反，它更像是一位富有哲学思辨的导师，不断地向你抛出问题，引导你去探索。书中大量的案例分析，让我印象深刻。它不只是展示作品，更重要的是分析了作品是如何“构成”的，从动机的产生，到动作的选择，再到空间的利用，每一个环节都经过了细致的推敲。我特别喜欢书中关于“形式与内容的辩证关系”的探讨，它让我明白，纯粹的形式堆砌是空洞的，而缺乏结构的形式又是混乱的。作者用一种非常清晰的逻辑，阐述了形式如何服务于内容，以及内容如何塑造形式。阅读过程中，我常常停下来，对照着自己正在进行的作品，思考如何运用书中的理论来优化我的创作。这本书的语言风格也很有特色，它有一种冷静的洞察力，同时又不失对舞蹈艺术的热爱，读起来让人既受益匪浅，又感到温暖。

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《Dance Composition》这本书，对我而言，更像是一次思维的“解构”与“重塑”。我一直以为编舞是一个相对“随性”的过程，更多的是一种“灵感”的涌现。但是，这本书让我看到，在那些看似自由挥洒的创作背后，其实隐藏着深刻的逻辑和精密的构建。它没有给我一个固定的“模具”，而是给了我一套“工具箱”，让我学会如何去“搭建”自己的作品。我尤其欣赏书中关于“主题提炼”和“动机生成”的探讨，它不再是简单地从一个概念出发，而是深入到概念的源头，挖掘其内在的冲突与张力，然后将其转化为身体可以表达的动力。而且，书中对“结构化与即兴”的融合分析，也让我受益匪浅。它并没有要求我放弃即兴的创造力，而是教我如何将即兴的火花，融入到整体的结构之中，让作品既有生命力，又具备清晰的脉络。阅读过程中，我常常会联想到自己过去的作品，发现了很多可以改进的地方。这本书的优点在于，它不会让你感到被“教训”，而是让你在一种平等的对话中，不断地获得启发和成长，它让我意识到，编舞不仅仅是一种技艺，更是一种深度的思考。

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《Dance Composition》这本书，怎么说呢，就像是一场意想不到的视觉盛宴，只不过它展现的是思想的盛宴。我一直觉得编舞是一个非常直观的技能，更多的是靠“感觉”和“经验”。但这本书，它打破了我的固有认知，用一种非常“解构”的方式，把舞蹈的“构成”元素拆解得淋漓尽致。它不再是教你“怎么跳”，而是让你思考“为什么这样跳”。它从最基础的运动原理、空间关系、时间节奏入手，然后逐渐深入到情感表达、叙事结构、观众互动等更深层次的考量。我尤其被书中关于“动态平衡”和“视觉张力”的论述所打动，作者用非常形象的比喻和精炼的语言，解释了这些抽象概念在舞蹈中的具体体现。读到关于“能量流”的部分，我甚至开始反思自己平时排练时，动作的连贯性和内在驱动力是否足够。这本书的结构也很巧妙，它不会让你感到信息过载，而是循序渐进，像剥洋葱一样，一层一层地揭示舞蹈创作的奥秘。每一次阅读，都能发现新的亮点，新的思考角度。它不仅仅是一本理论书籍，更像是一个激发灵感的工具箱，为我的创作提供了源源不断的养分。

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我最近入手了一本名为《Dance Composition》的书，说实话，最初的期待值并没有那么高，毕竟市面上的舞蹈理论书籍不少，很多时候都觉得大同小异，只是换个角度重复讲解那些我们早已熟知的东西。但翻开这本书，我立刻被它不同寻常的视角和深入的分析所吸引。它并没有直接上来就讲“如何编舞”，而是像一位经验丰富的导师，先带我回顾了舞蹈创作的历史脉络，从原始的部落仪式到现代的抽象表达，勾勒出了一幅宏大的图景。这种宏观的视角让我跳出了“技术”的束缚，开始思考舞蹈作为一种艺术形式的本质和演变。接着，书中对不同时期、不同文化背景下的编舞家们进行了深入剖析，他们的创作理念、面临的挑战以及作品的特色，都被一一呈现。我尤其喜欢它对于一些经典作品的解读，不仅仅是风格上的描述，更是对其背后思想和情感的挖掘，让我对这些作品有了全新的认识。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于一个思想的殿堂，与大师们进行着跨越时空的对话。这本书的文字风格也相当考究，既有学术的严谨，又不失艺术的灵动，读起来一点也不枯燥，反而有一种沉浸式的体验，让我不禁思考，原来舞蹈的“组成”可以如此丰富和多元，远不止是动作的堆砌。

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当我拿到《Dance Composition》这本书的时候，我并没有立刻投入到阅读中。我更倾向于那种能够提供即时帮助，立刻就能用在排练场上的书。然而，这本书却以一种意想不到的方式吸引了我。它没有直接告诉你“应该怎么做”，而是带我走进了“为什么”。书中关于“空间叙事”的章节，彻底颠覆了我对舞台空间的理解。我过去总觉得空间只是一个容器，用来容纳舞者。但这本书让我看到了空间本身可以拥有生命，可以成为叙述者。它通过对不同编舞家如何运用平台、线条、维度等元素的分析，让我意识到了空间在构建情感、传递信息方面的巨大潜力。而且，书中对“节奏与情绪”关系的解读也相当深刻，它不仅仅是音乐的节奏，更是身体内部的节奏，是动作的速度、力量和质感所产生的动态节奏。我感觉自己仿佛在阅读一本关于“隐藏的语言”的书，那些我们习以为常的舞蹈元素，在作者的笔下，都变成了充满意义的符号。这本书让我开始重新审视我的舞蹈语言，思考如何让我的每一个动作，都带有更强的目的性和表现力。

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