想弹就弹想唱就唱

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页数:298
译者:
出版时间:2009-5
价格:32.00元
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isbn号码:9787540443337
丛书系列:
图书标签:
  • 钢琴教程
  • 流行歌曲
  • 自弹自唱
  • 音乐入门
  • 乐谱
  • 流行音乐
  • 简单易学
  • 音乐爱好
  • 零基础
  • 歌曲伴奏
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具体描述

《想弹就弹想唱就唱(第3季)》主要内容有:001.恋爱ING/五月天演唱;002.小太阳/五月天演唱;003.拥 抱/五月天演唱;004.知 足/五月天演唱;005.回来吧/五月天演唱;006.私奔到月球/五月天、陈绮贞演唱等。

弦音入梦:古典吉他演奏的艺术与哲学 作者: 艾琳·霍金斯 出版社: 暮光之声出版(Twilight Echoes Press) 页数: 480页 装帧: 精装,附赠精选乐谱插页 --- 内容简介: 《弦音入梦:古典吉他演奏的艺术与哲学》并非一本快速入门的教学手册,而是一部深入探索古典吉他艺术灵魂的宏大叙事。本书旨在引导那些已经掌握基本指法的演奏者,跨越技术障碍,真正理解和诠释古典吉他曲目中所蕴含的深层情感、历史背景与哲学思想。 本书分为四个主要部分,逻辑严谨,内容层层递进,力求为读者构建一座通往古典吉他演奏巅峰的知识阶梯。 --- 第一部分:指尖下的历史回响——吉他体裁的演变与语境重构 本部分追溯了古典吉他从文艺复兴时期的四コース鲁特琴(Lute)到巴洛克时期的五コース吉他,直至现代六コース吉他的漫长演进史。作者艾琳·霍金斯,一位享有盛誉的音乐史学家和演奏家,以其细腻的笔触,详细描绘了不同历史时期乐器形制的变化如何直接影响了作曲家的创作意图和演奏技法。 重点章节解析: 1. “从鲁特到维拉-洛博斯:音色塑形的几何学”:深入分析了指甲与指肉在音色塑造上的微妙平衡,探讨了不同时期使用的拨弦角度、力度变化如何还原特定历史时期的“空气感”。书中详尽对比了18世纪早期演奏者与20世纪中期演奏者对同一首吟唱曲(Airs de cour)的处理差异,并配有详实的乐谱对比图例。 2. “西班牙的黄金时代:塔雷加的遗产与浪漫主义的张力”:本章聚焦于19世纪末至20世纪初的西班牙吉他学派。霍金斯教授认为,理解塔雷加(Tárrega)的《泪》(Lágrima)不仅仅是掌握颤音的稳定度,更在于理解那个时代西班牙社会对“忧郁”(Duende)的集体情绪投射。作者引用了大量未曾公开的私人信件和同期评论,重构了这些作品首演时的真实情境。 3. “新大陆的声响:二十世纪中叶的巴西与前卫探索”:本章探讨了在二战后,海托尔·维拉-洛博斯(Heitor Villa-Lobos)等作曲家如何将吉他带入现代主义的殿堂。重点分析了“前奏曲”系列中对巴西民间音乐元素的抽象处理,以及如何运用十二音技法在传统吉他框架内实现突破。 --- 第二部分:技术的超越——从机械到精神的转化 技术是基石,但绝非终点。第二部分深入剖析了古典吉他演奏中那些看似孤立的技术点,如何服务于整体的音乐表达。本书对“精准性”的定义进行了拓宽,认为真正的精准在于情感的忠实传达,而非单纯的音准和节奏的完美复制。 核心内容阐述: 1. “振幅与呼吸:左手按弦的流体力学”:本书首次提出了“左手张力流动模型”。它不再将左手视为一系列独立的指位按压,而是将其视为一个整体的、与呼吸同步的动态系统。通过详细的肌肉学图解,解释了如何通过优化手腕角度来减少不必要的肌肉紧张,从而使快速音群的演奏如同“水流淌过岩石”。 2. “触觉的冥想:如何‘聆听’指甲与琴弦的接触点”:针对右手指甲的打磨和演奏姿势的微调,本书提供了极其细致的指导。作者强调,每一次拨弦都应该是一次有意识的“发现”过程。附录中包含了霍金斯教授亲自设计的、用于训练“触觉记忆”的专门练习集,旨在帮助演奏者在黑暗中也能准确把握音色变化。 3. “琶音的诗意:打破速度的幻觉”:对于困扰无数演奏者的琶音问题,本书提出了“层次叠加”的概念。它教导读者如何将复杂的琶音结构分解为多个独立的旋律声部,并运用细微的力度差异来凸显主旋律,使琶音听起来不再是连珠炮式的重复,而是多声部对话的织体。 --- 第三部分:诠释的炼金术——作曲家意图与个人声音的交汇 这是本书最具哲学思辨性的部分。霍金斯教授认为,好的演奏者必须是一位兼具史学家、文学家和心理学家的“音乐炼金师”。 关键议题探讨: 1. “沉默的篇章:停顿与休止符的语意学”:作者认为,在巴赫或斯卡拉蒂的作品中,休止符的长度和位置比奏出的音符更具决定性。本书通过分析不同版本的记谱差异,探讨了作曲家留下的“空白”如何成为演奏者进行即时创作的沃土。书中提供了“空间感训练”的练习,旨在量化和精确控制无声的时间。 2. “和声的色彩板:从主调到非调性的情感映射”:本书探讨了如何用吉他独特的泛音和延音特性来模拟管弦乐团的和声色彩。特别是对德彪西和拉威尔的吉他改编作品,作者侧重于如何通过揉弦和滑音来模拟印象派绘画中光影变幻的效果,而非简单地复制钢琴的音域。 3. “即兴的边界:在既定结构中寻觅自由”:基于巴洛克和古典主义音乐中对即兴演奏的传统,本部分指导读者如何在遵循作品结构的前提下,进行微妙的节奏自由化(Tempo Rubato)和装饰音的合理添加,从而使每一次演出都成为一次“独一无二的重建”。 --- 第四部分:舞台与心灵——演奏家的职业素养与心性修炼 最后一部分聚焦于古典吉他演奏家在舞台上面临的实际挑战,以及如何培养一种能抵御外界干扰的内在定力。 舞台实践指导: 1. “舞台焦虑的解构:将目光从观众移向琴弦”:作者分享了她个人克服舞台恐惧的经验,强调将注意力从“被评判”转移到“专注于音符的诞生过程”。书中详细介绍了一种基于正念(Mindfulness)的演奏前准备仪式。 2. “录音室的悖论:追求永恒的完美与现场的生命力”:在数字录音时代,演奏者面临着“过度的精雕细琢”的风险。本章深入探讨了录音艺术与现场艺术之间的张力,以及如何确保录音版本依然保留“有机生命力”。 3. “教学法的传承:如何点燃下一代演奏者的火花”:作为资深教授,霍金斯在结尾总结了她对当代吉他教育的反思,强调培养学生独立听觉判断力和对音乐史料的批判性思维的重要性,而非仅仅传授一套固定的演奏技巧。 --- 结语: 《弦音入梦》是一部献给所有对古典吉他艺术怀有深切敬意的学习者、演奏家和鉴赏家的作品。它挑战了“熟能生巧”的表层理解,带领读者进入一个更深、更富内省意义的音乐世界——一个在木材、琴弦与人类心灵之间搭建起来的、充满回响的梦境。阅读本书的过程,本身就是一次对音乐敏感度的深度校准。

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读后感

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用户评价

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这本书的出现,对我而言,就像是在茫茫人海中找到了一个知己。我一直以来对音乐都有着浓厚的兴趣,但苦于找不到一个合适的方式去深入了解和体验。市面上的许多音乐书籍,要么过于理论化,让人望而却步;要么过于功利化,只强调技巧的训练,而忽略了音乐本身的艺术性。而这本书,则巧妙地找到了一个平衡点。它没有回避音乐的理论基础,但却用一种极其通俗易懂、生动有趣的方式来呈现,让我觉得学习乐理不再是一件痛苦的事情,反而充满了探索的乐趣。更重要的是,它强调了“想”与“唱”之间的联系,不仅仅是技巧的连接,更是情感的共鸣。它鼓励我们去理解音乐的情感内涵,去用自己的声音和肢体去表达。我特别欣赏它所描绘的音乐场景,仿佛能让我身临其境,感受到不同音乐风格所带来的独特氛围。这本书让我明白,音乐不仅仅是一种技艺,更是一种生活态度,一种情感的抒发方式。它为我打开了一个全新的音乐世界,让我迫不及待地想要去探索其中的每一个角落。

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拿到这本书的那一刻,我立刻被它独特的气质所吸引。不同于市面上那些充斥着专业术语和枯燥理论的书籍,它更像是一本音乐的“随笔集”,充满了作者对音乐的理解、感悟和热爱。它没有给你设定明确的学习目标,而是让你在阅读的过程中,自然而然地去感受音乐的魅力,去体会音乐的奇妙。我尤其喜欢它在讲述音乐家故事时,并没有刻意去拔高他们的成就,而是更侧重于展现他们作为普通人的情感和挣扎,这让我觉得音乐不再是遥不可及的神坛艺术,而是源于生活,源于情感的真实表达。它鼓励读者去“想”,去“感受”,去“玩转”音乐,而不是一味地去“学”。这种开放式的引导方式,让我觉得非常有空间,可以按照自己的节奏去探索,去发现。我感觉这本书就像一位老朋友,在你困惑的时候,给你一些温暖的建议;在你迷茫的时候,给你一些前行的方向。它让我重新审视了自己与音乐的关系,也让我对未来的音乐探索充满了信心。

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这本书就像是打开了我音乐世界的一扇新大门,我之前以为音乐学习是一件很严肃、很困难的事情,但这本书颠覆了我的认知。它用一种非常轻松、幽默的方式,讲解了很多关于音乐的知识,让我觉得学习的过程就像在和一位有趣的朋友聊天。我尤其喜欢它在分析歌曲时,会深入到歌词的背后,去挖掘作者想要表达的情感和意境,让我觉得每一首歌曲都有一个动人的故事。而且,它还分享了很多不同风格的音乐,从古典到流行,从爵士到民谣,让我大开眼界,原来音乐的世界如此广阔,如此丰富多彩。我之前只听自己喜欢的几种类型,但这本书让我开始尝试去接触和欣赏更多不同风格的音乐,也让我对很多原本不熟悉的音乐类型产生了浓厚的兴趣。它并没有强迫我一定要去学习某种乐器,或者掌握某种演唱技巧,而是更侧重于提升我的音乐鉴赏能力,让我能够更深刻地理解和感受音乐。这种“不求速成,但求领悟”的学习方式,让我觉得非常有成就感,也更有动力去继续探索。我感觉这本书不仅仅是一本音乐书,更像是一本关于生活、关于情感的书,它让我学会用音乐去表达自己,去感受生活的美好。

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终于拿到这本书了,我真的是等了好久,从看到预告开始就心痒痒的。拿到手的那一刻,我迫不及待地翻开,那种纸张的触感,油墨的香气,都让我觉得一切等待都是值得的。封面设计就很吸引人,简约大气,但又不失格调,让我对接下来的内容充满了好奇。我一直觉得自己对音乐的热爱,更多停留在欣赏的层面,虽然也尝试过哼唱,但总觉得少了点什么。这本书给我的感觉,就像是为我量身定做的,它不是那种高高在上的理论讲解,也不是枯燥乏味的乐理分析,而是用一种非常亲切、接地气的方式,引导我去探索音乐的奥秘,去感受音乐的魅力。我尤其喜欢它在介绍一些基础概念时,会用很多生活化的比喻,让我这个音乐“小白”也能茅塞顿开,原来那些看似复杂的东西,可以如此容易理解。而且,它还分享了很多音乐家的小故事,这些故事让我觉得音乐不再是遥远的艺术,而是有血有肉、有情感的存在。我感觉这本书不仅仅是关于“弹”和“唱”,更是关于如何去“想”音乐,如何去“感受”音乐。它激发了我内心深处的渴望,让我觉得原来音乐离我这么近,我也可以通过学习,去触碰那些美好的旋律,去表达我内心深处的情感。我已经被这本书深深吸引,迫不及待地想深入其中,去发现更多惊喜。

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当我翻开这本书的时候,我并没有抱有太高的期望,毕竟市面上关于音乐的书籍实在太多了,很多都大同小异。然而,这本书给我带来的惊喜,远远超出了我的想象。它没有一开始就灌输那些复杂的乐理知识,也没有强迫你一定要掌握某种演奏技巧,而是从一个更根本的层面,去引导你去理解音乐的“灵魂”。它通过讲述音乐家的故事,分析经典作品的“脉络”,让我看到了音乐背后所蕴含的情感和思想。我尤其欣赏它在描述音乐时所使用的语言,既有诗意,又不失专业,让我能够更深刻地体会到音乐的魅力。这本书就像一位经验丰富的向导,它带领我穿梭于音乐的海洋,让我看到了那些我从未留意过的风景。它鼓励我去“想”,去“感受”,去“尝试”,而不是一味地模仿。我感觉,这本书不仅仅是一本关于音乐的书,更像是一本关于如何去热爱生活,如何去表达自我的指南。它让我重新审视了自己与音乐的关系,也让我对未来的音乐学习充满了期待。

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说实话,我很少会主动去写书评,但这本书真的让我有冲动去分享我的感受。我一直觉得自己是一个对音乐“无感”的人,虽然也听歌,但总觉得缺乏一种共鸣。这本书就像是一道阳光,照亮了我音乐的内心世界。它不是那种教你“如何弹奏”或者“如何演唱”的技巧书,而是更侧重于培养你对音乐的“理解”和“感受”。它会从一个非常独特的角度,去解析音乐的构成,去探究旋律、节奏、和声在情感表达上的作用。我印象最深的是,它用了很多生活化的例子,来解释一些抽象的音乐概念,比如将和弦的变化比作人与人之间的关系,将节奏的快慢比作生活的起伏。这些比喻让我茅塞顿开,原来那些我一直觉得高深莫测的音乐理论,可以如此通俗易懂。而且,它还分享了很多音乐家的故事,这些故事让我看到了音乐家们在创作过程中的挣扎与喜悦,让我觉得他们不再是遥不可及的神坛人物,而是和我一样,有情感、有思想、有追求的普通人。我感觉这本书不仅仅是关于音乐,更是关于如何去热爱生活,如何去表达情感,如何去寻找内心的平静。

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这绝对是我近期读过的最棒的一本书,没有之一!我之前一直觉得学音乐是件很难很难的事情,需要天赋,需要长时间的训练,但这本书彻底颠覆了我的想法。它就像一个神奇的万花筒,用各种有趣的方式,展示了音乐的无限可能。我最喜欢的地方是,它并没有强迫你学习某种具体的乐器,或者掌握某种演唱技巧,而是更侧重于培养你对音乐的“理解”和“感受”。它会引导你去倾听,去辨别,去体会音乐中的细微差别,让你真正地“听懂”音乐。它用了非常多生动的比喻,将一些抽象的音乐概念变得活灵活,比如将复杂的乐句比作一段精彩的故事,将不同的音色比作各种鲜活的生命。这些比喻让我觉得学习过程充满了乐趣,一点也不枯燥。而且,它还分享了很多关于音乐家的故事,这些故事让我看到了他们在创作背后的付出和坚持,让我觉得音乐不再是高高在上的艺术,而是源于生活,源于情感的表达。我感觉这本书就像一位循循善诱的老师,它不催促你,不强迫你,只是耐心地陪伴你,引导你,让你在不知不觉中,爱上音乐,享受音乐。

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我得说,这本书真的是一股清流,在市面上那些千篇一律的音乐教学书籍中,它独树一帜。我之前也尝试过一些所谓的“快速入门”教程,结果都让我感到沮丧,要么过于肤浅,要么过于专业,总找不到一个平衡点。但这本书不一样,它从一个非常独特的角度切入,让我看到了音乐学习的另一种可能性。它并没有一开始就教你如何“弹”出复杂的曲子,或者如何“唱”出动人的高音,而是更侧重于培养你对音乐的“感知力”。它会引导你去聆听,去辨别,去理解音乐的构成,去体会不同音色、节奏、旋律所带来的情绪。这种由内而外的引导方式,让我觉得学习过程不再是机械的模仿,而是充满探索和发现的乐趣。我特别欣赏它在介绍乐器时,并没有简单罗列各种乐器的特点,而是通过讲述演奏家与乐器之间的故事,来展现不同乐器独特的个性和魅力,让我觉得每一种乐器都有自己的灵魂。而且,它鼓励读者大胆尝试,不要害怕犯错,这种积极的鼓励态度,让我这个本来有些“恐声症”的人,也敢于张口尝试,敢于动手去拨动琴弦。我感觉这本书就像一位循循善诱的老师,它不催促你,不强迫你,只是耐心地陪伴你,引导你,让你在轻松愉快的氛围中,逐渐爱上音乐,享受音乐。

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这本书给我的感觉,就像是深夜里的一杯热茶,温暖而有力量。我一直觉得自己是个“五音不全”的人,唱歌总是跑调,弹奏更是无从下手。但这本书并没有让我感到沮丧,反而让我看到了音乐学习的另一种可能性。它不是那种枯燥乏味的乐理讲解,也不是高难度技巧的展示,而是用一种非常亲切、接地气的方式,引导我去探索音乐的本质。它会从“想”出发,去让你理解为什么会有这样的旋律,为什么会有这样的节奏,为什么会有这样的情感。我特别喜欢它在介绍一些基础概念时,会用很多生活化的比喻,比如将乐句的起伏比作人说话的语调,将和弦的变化比作人际关系的微妙转折。这些比喻让我觉得音乐不再是遥不可及的艺术,而是与我们的生活息息相关。它还分享了很多音乐家的故事,这些故事让我看到了他们在创作过程中的灵感闪现和艰辛付出,让我觉得音乐的背后,是无数的汗水和热爱。我感觉这本书不仅仅是关于“弹”和“唱”,更是关于如何去“理解”音乐,如何去“感受”音乐,如何去用音乐表达自己。它让我觉得,原来音乐离我这么近,我也可以通过学习,去触碰那些美好的旋律,去表达我内心深处的情感。

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这本书给我最大的感受是,“原来音乐可以这么有趣!”我之前一直觉得学音乐是件很严肃、很枯燥的事情,需要付出大量的努力和时间,而且还很难学好。但这本书彻底颠覆了我的认知。它用一种非常轻松、幽默的方式,讲解了很多关于音乐的知识,让我觉得学习的过程就像在和一位有趣的朋友聊天。我尤其喜欢它在分析歌曲时,会深入到歌词的背后,去挖掘作者想要表达的情感和意境,让我觉得每一首歌曲都有一个动人的故事。而且,它还分享了很多不同风格的音乐,从古典到流行,从爵士到民谣,让我大开眼界,原来音乐的世界如此广阔,如此丰富多彩。我之前只听自己喜欢的几种类型,但这本书让我开始尝试去接触和欣赏更多不同风格的音乐,也让我对很多原本不熟悉的音乐类型产生了浓厚的兴趣。它并没有强迫我一定要去学习某种乐器,或者掌握某种演唱技巧,而是更侧重于提升我的音乐鉴赏能力,让我能够更深刻地理解和感受音乐。这种“不求速成,但求领悟”的学习方式,让我觉得非常有成就感,也更有动力去继续探索。

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