Art Tatum

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出版者:Scarecrow Press
作者:Arnold Laubich
出品人:
页数:359
译者:
出版时间:1982-06-28
价格:CAD 65.26
装帧:Hardcover
isbn号码:9780810815827
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 钢琴
  • Art Tatum
  • 音乐家
  • 传记
  • 音乐历史
  • 美国音乐
  • 20世纪音乐
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具体描述

《林中之歌:二十世纪早期美国民谣的田野考察与文献研究》 作者:伊莱恩·马丁内斯(Elaine Martinez) 出版年份:2018年 页数:680页(含插图、乐谱片段及访谈录音索引) --- 内容简介 本书并非一部关于爵士乐钢琴巨匠的传记,亦非对某一特定音乐流派的技巧分析。相反,《林中之歌》是一项宏大且细致入微的社会学、人类学及音乐学交叉研究,专注于探究二十世纪初期(约1910年至1940年)美国特定地理区域内,非裔与白人社群间流传的民间音乐(Folk Music)的起源、演变、功能及其社会文化语境。 本书的核心论点在于,在主流音乐工业尚未完全主导文化传播的时代,田野录音与口述历史构成了理解美国社会结构裂痕与融合可能性的关键文本。作者伊莱恩·马丁内斯,一位资深的音乐人类学家,花费近十年时间,足迹遍布阿巴拉契亚山区、密西西比三角洲边缘地带以及德克萨斯州西部偏远社区,重建了一幅关于早期民间音乐生态的复杂图景。 第一部分:田野的边界与方法论的重构(The Field’s Edge and the Reframing of Methodology) 在开篇章节中,马丁内斯首先挑战了早期记录者——无论是政府机构、大学研究人员还是唱片公司的“猎手”——的记录偏差。她指出,早期的田野调查往往带有强烈的“他者化”视角,将边缘音乐视为一种“纯净的原始遗存”,从而忽视了音乐在跨文化接触中的动态适应性。 本书采用了“逆向追踪法”(Reverse Tracing),通过分析后来被记录和商业化的蓝调、山地音乐(Hillbilly Music)的早期变体,反向寻找那些未被记录或被故意忽略的音乐片段。马丁内斯详尽地记录了她与健在的音乐家后代、地方历史学家的访谈,这些访谈揭示了许多歌曲在口头传统中如何通过“填词”(Pastiche)和“适应性重塑”(Adaptive Re-creation)来反映地方政治事件、经济萧条乃至家庭悲剧。 第二部分:音乐的“场所”:口述传统与非正式传播网络(The Locus of Music: Oral Tradition and Informal Networks) 本书的第二、三部分是全书的基石,聚焦于音乐的实际流传环境。马丁内斯摒弃了对“作者身份”的过度强调,转而关注“场景”(Scene)——即音乐被演奏、学习和消费的物理与社会空间。 1. 铁路与劳工的韵律: 作者特别关注了在铁路建设、伐木场和棉花种植园等流动性极强的劳工群体中流传的号子(Work Songs)和叙事歌谣。她收集了大量关于歌曲结构如何与特定劳动节奏同步、以及如何成为群体身份认同载体的证据。其中一个引人注目的案例是关于一首名为《铁轨上的幽灵》(Ghost on the Rail)的歌,该歌在不同社区演变出至少五种截然不同的歌词版本,分别对应种族隔离的程度和工会组织的松紧。 2. 宗教与世俗的交汇点: 马丁内斯深入探讨了福音音乐(Gospel)与世俗音乐(如早期布鲁斯和民间叙事歌)之间复杂且经常相互渗透的关系。许多非裔音乐家在教堂唱诗班中学习和声,随后将这些结构应用于更具世俗色彩的歌曲中。本书收录了详细的转录样本,对比了同一位歌手在教堂和在“桶屋聚会”(Juke Joint)上演奏的乐句的细微差别,揭示了音乐家在不同社会规范下进行的精妙的“风格转换”(Stylistic Code-Switching)。 3. 乡村间的交换: 研究特别关注了阿巴拉契亚地区白人与阿巴拉契亚地区定居的非裔社区之间的音乐互动。通过对阿巴拉契亚小提琴(Fiddle)曲目和班卓琴(Banjo)的谱系分析,马丁内斯强有力地论证了早期班卓琴的许多演奏技巧和曲目结构可以直接追溯到西非的传统,这些技术通过奴隶制时期和战后的人口流动,被融入了白人民间音乐的核心。她详细分析了几位关键的白人乐手如何从邻近的非裔音乐家那里秘密学习“指法”和“切分节奏”。 第三部分:文献的空白与声音的再现(Lacunae in the Archive and the Re-voicing of Sound) 在本书的最后部分,马丁内斯转向了对已存留文献的批判性解读。她详细审视了国会图书馆早期录音项目(如Alan Lomax的部分工作)的笔记,指出记录者如何倾向于选择那些最符合其预设“纯净性”标准的样本,而往往忽略那些包含了明显乐器串流(如引入了廉价的口琴或简单的打击乐器)的录音。 马丁内斯运用先进的声谱分析技术,对几段模糊不清的、未被充分重视的田野录音进行了重建。其中最引人注目的发现是,一些被归类为“无名谣曲”的片段,其和声进行与后来在1930年代中期出现的某些早熟的“城市蓝调”乐句存在惊人的相似性,这为理解音乐风格的城市化进程提供了新的时间线索。 总结: 《林中之歌》是一部深刻而严谨的著作,它将听众从聚光灯下的独奏者拉回到了那些被遗忘的、由汗水、地方冲突和代际传承所塑造的音乐熔炉之中。它不是关于一位天才如何炼成,而是关于一个时代的声音如何诞生于边界的摩擦与共存。对于任何严肃研究美国文化史、音乐人类学或社会变迁的学者而言,本书提供了不可或缺的、对早期美国民间音乐生态的修正性视角。书中附带的CD-ROM(或在线资源)提供了部分原始田野录音的对比样本,使读者能够亲耳验证作者的论点。

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读后感

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用户评价

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我非常欣赏这本书在细节描绘上的深度。它不仅仅是泛泛而谈,而是会深入到 Art Tatum 音乐创作的每一个细微之处,甚至是那些可能被常人忽略的“小动作”或“小习惯”。这些细节的捕捉,让人物形象变得无比真实和立体。我记得书中提到他演奏时的一些肢体语言,或是他与乐器的某种“对话”,这些生动的描写,让我感觉自己仿佛置身于他的演奏现场,能够感受到他与音乐融为一体的那种状态。我发现,伟大的艺术家,他们对艺术的热爱,早已渗透到了生活的每一个角落,他们与艺术之间,早已形成了深刻的连接。这本书让我更加相信,对细节的极致追求,是成就非凡的关键。

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这本书的章节结构安排得相当巧妙,每一部分都像是一个独立的窗口,让我得以窥见 Art Tatum 人生的不同侧面。我喜欢这种“拼图式”的叙事方式,它没有那种压迫式的线性推进,而是给予读者足够的自由去连接和思考。书中对不同时期他所面临的挑战和机遇的描述,都让我对他的人物形象有了更全面的认知。我发现,一个人的成长,往往是在不断的应对挑战和抓住机遇中实现的。它让我看到了,即使是伟大的艺术家,也并非一帆风顺,他们在追求艺术的道路上也充满了艰辛和曲折。这本书让我更加理解了“坚持”的力量,以及在逆境中保持乐观和创造力的重要性。

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在合上这本书的时候,我感到一种意犹未尽的满足感,同时又涌起一股强烈的想要再次翻阅的冲动。它不仅仅是一本关于 Art Tatum 的书,更像是一次关于艺术、关于人生、关于创造力的深刻探索。我发现,这本书带给我的启示,早已超越了音乐本身。它让我对艺术有了更深的敬畏,对那些为艺术奉献一生的人们有了更深的理解。我喜欢这本书留给我的思考空间,它不会直接给出答案,而是引导我去寻找自己的答案。我发现,真正有价值的书,总是能够引发读者内心的共鸣和思考,让我在阅读的过程中,也能完成一次自我审视和成长。这本书,无疑就是这样一本难得的佳作。

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这本书的封面就足以吸引人。当我对 Art Tatum 这个名字产生好奇,继而翻开这本册子时,首先映入眼帘的是一张充满故事感的黑白照片,聚焦在一位演奏家指尖的动态。照片的质感,光影的运用,无不透露出一种历史的厚重感,仿佛能触碰到那个时代的空气。我并非音乐专业出身,但即便如此,依然能感受到照片中蕴含的某种能量,一种对艺术的纯粹追求。随之展开的书页,排版设计也相当考究,字体大小、行间距都经过精心考量,阅读起来格外舒适。我尤其喜欢其中一些留白的运用,让视觉得到喘息,也为思考留下了空间。书中穿插的一些手写笔记或者乐谱的复制件,更是增添了一种亲切感,像是窥见了创作过程中那些不为人知的细节,让我更加好奇这位 Art Tatum 究竟是怎样一位人物,他所处的时代又是如何孕育出如此独特的艺术风格。这本书,从最直观的触感和视觉体验上,就已经成功地勾起了我的兴趣,让我迫不及待地想深入了解其中所描绘的世界。

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在阅读这本书的过程中,我被一种难以言喻的情感深深吸引。书中对 Art Tatum 音乐生涯的描绘,不仅仅是枯燥的年表或者演出记录,更像是在描绘一个灵魂的成长轨迹。我时常会在阅读的间隙停下来,想象他当时的心境,他指尖流淌出的旋律是如何在他心中激荡。书中对于他演奏技巧的描述,即便我无法完全领会其中的专业术语,也能从中感受到那种极致的技艺和创新。它不仅仅是“弹奏”,更像是一种“创造”,一种将枯燥的音符转化为生命力的过程。我喜欢书中那种对细节的捕捉,比如对特定乐曲的分析,或者对某个时期音乐环境的描述,这些都让 Art Tatum 这个名字不再是一个遥远的存在,而变得生动而鲜活。仿佛我能听到他在那个时代的爵士乐俱乐部里,用他的钢琴震撼全场,那种氛围,那种激情,都被文字巧妙地捕捉并传递给了我。这本书让我重新审视了“才华”的定义,它不仅仅是天赋,更是日复一日的磨砺、对艺术的执着,以及在挑战中不断突破自我的精神。

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这本书带给我的,是一种对“风格”的深入理解。Art Tatum 的音乐,在书中被描绘得如此独特和鲜明,以至于我能够想象出那种专属于他的音乐“签名”。我喜欢书中对这种风格形成过程的探讨,它并非一蹴而就,而是经过了无数次的探索、尝试,甚至是挣扎。它让我看到了,独特的风格,是艺术家个人经历、思考和情感的沉淀,是与生俱来的天赋和后天不懈努力的结合。我发现,那些能够被称之为“大师”的艺术家,他们不仅仅是在演奏,更是在用自己的方式,书写着属于自己的艺术篇章。这本书让我开始思考,如何在自己的生活中,也能形成属于自己的独特风格,如何在平凡中创造不凡。

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这本书让我对“音乐”这两个字有了全新的理解。在阅读之前,我可能仅仅将音乐视为一种娱乐或者背景音,但这本书让我看到了音乐更深层的力量。Art Tatum 的音乐,通过书中细致入微的描写,仿佛具有了生命,能够触动人的内心深处。我特别喜欢书中关于他与他人合作的章节,那些描述他如何通过音乐与他人产生共鸣,如何影响和启发他人的片段,都让我感受到了音乐的连接性。它不仅仅是个人才华的展现,更是情感的交流和精神的传递。我发现,那些真正伟大的艺术家,他们的作品都拥有这种跨越时空的魔力,能够与不同时代、不同背景的人们产生连接。这本书让我更加相信,艺术是一种普世的语言,能够连接人心,传递爱与理解。

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我一直对那些能够改变事物发展方向的人物充满敬意,而 Art Tatum 显然就是其中一位。这本书让我深入了解了他如何以一种前所未有的方式,颠覆了人们对钢琴演奏的固有认知。书中对他在音乐史上的地位和影响的分析,都让我觉得他不仅仅是一个成功的音乐家,更是一位引领潮流的创新者。我特别欣赏作者在描述他突破性技法时所用的语言,那种充满力量和想象力的描绘,让我感觉自己仿佛目睹了艺术的革命。它不仅仅是技术的革新,更是思想的解放,是对音乐表达方式的重新定义。我从他身上学到了,真正的创新,往往需要勇气和远见,需要敢于质疑一切,敢于走别人不敢走的路。这本书让我对“创新”有了更深刻的认识,它不仅仅是小修小补,更是对现有格局的颠覆与重塑。

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这本书在叙事方式上,给我带来了不少惊喜。它不像是一本传统的传记,而是更像是一部精心编织的故事集,通过一系列片段式的叙述,勾勒出了 Art Tatum 的艺术人生。我尤其欣赏作者在处理他个人生活和艺术创作之间的关系时所展现出的细腻。那些关于他的家庭、他的朋友,甚至是他的困境的描写,都为我们理解他音乐中蕴含的情感提供了更深的背景。我发现,最动人的艺术作品,往往都源于艺术家最真实的生活体验。书中对于一些历史事件的穿插,也让我对 Art Tatum 所处的那个时代有了更立体的认识,爵士乐的兴起,社会思潮的变迁,这些都构成了他音乐创作的土壤。我会在阅读时,不由自主地将书中的内容与我脑海中对那个时代的想象进行对照,这种沉浸式的阅读体验,让我感觉自己像是穿梭于时光的旅人,亲历着 Art Tatum 的艺术之路。

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这本书的文字功底相当扎实,读起来流畅且富有感染力。作者在描绘 Art Tatum 的演奏时,用了许多生动的比喻和形象的语言,即使我不是音乐家,也能从中感受到他音乐的精妙之处。比如,书中对他的和声运用和即兴创作的描述,就让我印象深刻。它不仅仅是技术层面的赞美,更是一种对艺术本质的探索。我喜欢书中那种对“未知”的尊重,对 Art Tatum 音乐中那些出人意料的转折和创新,都给予了充分的肯定和解读。它让我意识到,伟大的艺术往往充满了探索精神,敢于打破常规,敢于挑战听众的预期。我发现,这本书不仅仅是在介绍一个音乐家,更是在传递一种对艺术的理解和热爱,它鼓励我去发现音乐中隐藏的更多可能性,去感受那些超越语言的表达。

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