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出版者:Dover Publications

作者:Antoinette K. Gordon

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2003-01-17

价格:USD 11.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780486425078

丛书系列:

图书标签:

• tibetan
• art
• 09
• 西藏艺术
• 藏传佛教
• 宗教艺术
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• 绘画
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• 藏文化

藏传佛教艺术：超越时空的灵性表达 《藏传佛教艺术》并非一本单纯的艺术鉴赏指南，而是一扇通往藏传佛教深邃精神世界的窗口，一次穿越千年历史的时空之旅。本书以严谨的学术视角，结合丰富的图像资料，深入剖析了藏传佛教艺术的起源、发展脉络、多元风格以及其在藏族文化和社会生活中的核心地位。它不仅展现了藏传佛教艺术作为一种视觉语言的独特魅力，更揭示了其背后所承载的哲学思想、宗教信仰、宇宙观以及对生命轮回的深刻理解。 一、 渊源与早期形态：融汇东西的初生之光 藏传佛教艺术的萌芽可以追溯到公元七世纪，吐蕃王朝时期。当时，佛教自印度和尼泊尔传入西藏，带来了丰富的宗教经典、仪轨以及艺术形式。为了适应本土的宗教传播需求，早期艺术家们在继承印度佛教艺术传统的基础上，融合了西藏本土的宗教观念和审美情趣。 早期壁画与造像的探索： 这一时期的艺术主要体现在壁画和佛像造像上。例如，在古老的桑耶寺等遗址中发现的壁画，虽然受到印度笈多时期艺术风格的影响，但已开始显露出一些本土的特色，如人物造型的粗犷有力，色彩的鲜明大胆。早期造像则以泥塑和石刻为主，力求表现佛陀和菩萨的庄严与慈悲，但也体现出当时工匠们的朴拙技艺。 印度佛教艺术的基石： 印度佛教艺术，尤其是笈多艺术，为藏传佛教艺术奠定了重要的基础。笈多艺术以其圆润饱满的人物造型、细腻的线条勾勒、精美的装饰纹样而著称，这些元素被大量借鉴和吸收，并成为早期藏传佛教造像的典范。 本土元素的初步融合： 尽管受到外来艺术的影响，但西藏本土的原始信仰和审美意识也在悄然渗透。一些壁画中的图案、色彩以及人物的面部特征，都隐约透露出西藏高原独特的文化印记。这种初步的融合，为日后藏传佛教艺术的独立发展埋下了伏笔。 二、 黄金时代：多元风格的辉煌绽放 随着佛教在西藏的深入传播和不同教派的兴起，藏传佛教艺术进入了一个蓬勃发展的黄金时代，形成了丰富多彩的艺术风格。 帕拉风格的影响与演变： 帕拉艺术是印度东部地区的一种佛教艺术风格，其特点是造型典雅、细节丰富、装饰华丽。帕拉风格对西藏艺术产生了深远的影响，尤其是在十二至十四世纪。在这一时期，涌现出大量精美的铜造像，人物比例匀称，衣褶流畅，面部表情生动，并常常配以精美的莲座和背光。这种风格在西藏得到了进一步的本土化，形成了独特的“西藏帕拉风格”。 萨迦艺术的庄重与神秘： 萨迦寺作为萨迦派的中心，其艺术风格以庄重、古朴、神秘而著称。萨迦时期的壁画和唐卡（一种绘制在丝织品上的宗教卷轴画）色彩浓郁，构图严谨，人物表情刻画得尤为传神，常常带有浓厚的叙事性。其造像也显得更为敦厚有力。 噶当派的朴实与写实： 噶当派艺术则倾向于朴实、写实的风格。其造像造型简洁，不追求过多的装饰，更注重表现佛陀的慈悲与智慧。壁画也以清晰明了的叙事为主，色彩相对柔和。 宗喀巴时期的新气象： 格鲁派创始人宗喀巴大师的出现，对藏传佛教艺术的发展也起到了重要的推动作用。这一时期，艺术创作更加注重教义的准确性，以及对佛陀、菩萨、护法神等神灵的描绘更加细致和规范。同时，艺术的实用性也得到加强，壁画和唐卡承担起更重要的宗教教育功能。 三、 艺术的载体与表现形式：多样的灵性之语 藏传佛教艺术并非局限于某一种形式，而是通过多种多样的媒介，将深奥的教义和灵性体验具象化。 壁画：殿堂中的史诗画卷： 寺院的墙壁是藏传佛教艺术家们挥洒才华的巨大画布。壁画是藏传佛教艺术中最常见且最宏伟的表现形式之一。它们不仅装饰了庄严的寺院空间，更是将佛教故事、佛陀的生平、菩萨的功德、坛城（宇宙模型）的结构以及历代高僧的传承一一呈现。壁画的构图复杂，色彩丰富，人物众多，内容涵盖了佛传故事、本生故事、密宗修持场景、护法神像等。色彩的运用也极具象征意义，如红色代表生命力与愤怒，蓝色代表智慧与寂静，黄色代表光明与圆满。 唐卡：流动的信仰画卷： 唐卡是藏传佛教艺术的另一重要载体，也是最能代表藏传佛教艺术特色的形式之一。唐卡通常绘制在丝绸或麻布上，便于携带和悬挂，在宗教仪式、讲经说法、个人修行中发挥着至关重要的作用。一幅精美的唐卡，往往需要艺人花费数月甚至数年的时间绘制而成。其构图严谨，线条细腻，色彩鲜艳，人物造型程式化但又极富表现力。每一尊佛像、每一件法器、每一个细节都遵循着严格的宗教仪轨和度量标准，以确保其宗教意义的准确性。唐卡的题材极其广泛，从佛陀、菩萨、罗汉、祖师，到坛城、八吉祥、十二因缘，几乎涵盖了藏传佛教的所有重要教义和形象。 造像：凝固的慈悲与力量： 佛教造像，尤其是佛像，是藏传佛教艺术的核心组成部分。它们被供奉在寺院和家庭中，作为修行的对境，寄托着信徒的虔诚与祈愿。藏传佛教的造像材质多样，包括青铜、鎏金铜、木雕、石雕、泥塑、彩绘等。其造型遵循着严格的佛教造像度量经，但又根据不同佛陀、菩萨、护法神等的特质，展现出丰富的神态和姿态。例如，佛陀通常呈跏趺坐或站立姿态，面容宁静祥和；菩萨则姿态优美，面容慈悲，常佩戴宝冠璎珞；而护法神则造型威猛，怒目圆睁，以保护佛法免受侵害。造像的细节之处，如衣褶的流畅、宝物的刻画、纹饰的精美，都体现了工匠的高超技艺。 坛城：宇宙的模型与修行的指南： 坛城是藏传佛教独特的艺术形式，它并非简单的绘画或雕塑，而是宇宙的微缩模型，是诸佛菩萨的居所，也是密宗修行的重要辅助工具。坛城通常以几何图形和色彩构成，具有高度的象征意义。不同的坛城代表着不同的佛菩萨、不同的佛母、不同的法会。通过观想坛城，修行者可以进入诸佛的境界，获得加持和智慧。坛城的绘制和制作极为复杂，需要严格遵循密宗的仪轨。 曼陀罗：短暂的生命与无常的智慧： 曼陀罗，又称沙坛城，是用彩色细沙精心绘制而成的坛城。曼陀罗的制作过程本身就是一种修行，艺人们通过专注的创作，将祝福和虔诚注入其中。然而，曼陀罗的生命是短暂的，在完成之后，便会被悉数推散，象征着生命的无常和世事的变迁。这种“成形”与“破碎”的过程，也蕴含着深刻的佛教哲理。 其他艺术形式： 除了以上主要的艺术形式，藏传佛教艺术还包括建筑、雕塑、书法、绘画、音乐、舞蹈等多个方面。寺院建筑雄伟壮观，具有独特的藏式风格；酥油花艺术则以其栩栩如生、色彩鲜艳的特点，在藏历新年等重要节日中大放异彩。 四、 艺术背后的哲学与精神：超越物质的显化 藏传佛教艺术并非单纯的审美活动，而是与藏传佛教的哲学思想、宗教教义、宇宙观紧密相连。 慈悲与智慧的象征： 佛陀和菩萨的形象，无不体现着佛教所倡导的慈悲与智慧。他们的宁静、祥和、悲悯的面容，以及手中持有的法器，都象征着佛教的教义和修行方法。 轮回与解脱的图示： 佛教的“生死轮回图”（Bhavacakra）是藏传佛教艺术中最具代表性的作品之一，它用生动形象的图画展示了众生在六道中的流转，以及因果报应的规律，旨在警示人们要断恶修善，寻求解脱。 宇宙观的具象化： 坛城作为宇宙的模型，将复杂的宇宙结构和秩序以可视化的方式呈现出来，帮助修行者理解宇宙的奥秘和自身在宇宙中的位置。 密宗的秘密语言： 密宗艺术，特别是坛城和密宗神祇的造像，蕴含着许多秘密的象征和仪轨，是密宗修行者才能理解的“秘密语言”，它们是通往顿悟的桥梁。 对“空性”的追求： 尽管艺术作品以物质形式呈现，但其最终的目的却是引导人们超越物质的束缚，体悟“空性”的本质。艺术的精美与短暂，也都在一定程度上暗示着世事的虚幻。 五、 传承与现代性：古老艺术的时代回响 藏传佛教艺术作为一种活态的文化遗产，在现代社会依然保持着旺盛的生命力。 技艺的传承与创新： 世代相传的画师、雕塑家、工匠们，在继承传统技法和风格的基础上，也在不断进行着创新和发展，以适应现代审美的需求和表现形式。 文化交流与传播： 随着全球化的进程，藏传佛教艺术越来越受到世界的关注和喜爱。越来越多的藏传佛教艺术品在博物馆展出，相关学术研究也日益深入，这使得古老的艺术得以跨越国界，传播到更广阔的领域。 作为精神资源的价值： 在现代社会，藏传佛教艺术不仅是重要的文化遗产，更是宝贵的精神资源。它所蕴含的慈悲、智慧、平和等理念，对于缓解现代人的精神压力、寻求内心平静具有重要的意义。 《藏传佛教艺术》这本书，不仅仅是关于绘画、雕塑和建筑的介绍，更是对一种独特精神信仰的深度探索。它以视觉化的方式，向我们展示了藏族人民在漫长的历史长河中，如何将他们的宗教信仰、哲学思考、宇宙观念以及对生命的热爱，凝聚成一幅幅震撼人心的艺术画卷，成为人类文明宝库中一颗璀璨的明珠。通过阅读本书，读者将有机会走近藏传佛教艺术的灵魂深处，感受其超越时空的强大生命力。

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这本《西藏宗教艺术》的书简直是视觉和精神的盛宴，我是在一个朋友的推荐下才接触到它的。首先被它精美的装帧和丰富的插图所吸引，每一页似乎都在诉说着千年的故事。书中的内容涵盖了唐卡、雕塑、建筑等多个维度，但最让我震撼的是对曼陀罗的解读。作者不仅仅停留在表面的描述，而是深入挖掘了曼陀罗作为宇宙模型和修行工具的深刻内涵。书中对于不同教派、不同时期艺术风格的细致区分和比较，展现了作者深厚的学术功底。阅读的过程中，我仿佛跟随一位经验丰富的向导，穿梭于布达拉宫的宏伟殿堂和偏远寺院的静谧角落。特别是对色彩和象征意义的阐释，让我对那些看似晦涩难懂的符号有了全新的认识，体会到藏传佛教艺术中蕴含的哲学智慧和对生命轮回的深刻理解。这是一本值得反复品读，并且能够带来持续启发的书。

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作为一名长期关注亚洲宗教史的爱好者，我必须承认，《西藏宗教艺术》在众多相关出版物中脱颖而出，其专业性和可读性达到了一个令人赞叹的平衡点。作者对于“空性”概念在绘画构图中的体现，以及如何通过色彩的饱和度来暗示精神层级的划分，这些都是极具洞察力的分析。我尤为欣赏书中对材料学的探讨，比如不同矿物颜料的来源及其对唐卡保存和色泽变化的影响，这为我们理解艺术品的“物质性”提供了坚实的科学基础。书中收录的大量高清原版图片，质量无可挑剔，使得原本只能在遥远寺庙中一睹为快的珍品，得以近距离、无损耗地审视。这本书不仅是艺术史的教科书，更像是艺术品背后的“解码器”，帮助我们解读那些无声的信仰宣言。

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拿到这本《西藏宗教艺术》时，我并没有抱太大期望，毕竟市面上关于藏传艺术的书籍汗牛充栋。但这本书的独特之处在于，它成功地架设了一座桥梁，连接了学院派的严谨考据和普通信众的虔诚情感。书中对寺院壁画修复工作的记录片段，尤其让我动容，那种对历史遗存的敬畏感和对工艺失传的忧虑，跃然纸上。作者对“坛城”的描绘，从建筑布局到内部陈设，细致到令人咋舌，仿佛让人感受到空气中弥漫的酥油灯香。这本书的叙事节奏非常流畅，它避免了过度使用生僻的梵文术语，即便初次接触藏传艺术的读者也能轻松跟进。它不仅仅是一本关于“看什么”的书，更是一本关于“如何去感受和理解”的指南，成功地将一种高度仪式化的艺术形式，转化为了人人可以参与的精神对话。

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说实话，我一开始对这类题材的书籍兴趣不大，总觉得会是枯燥的图录或晦涩难懂的理论堆砌。然而，《西藏宗教艺术》完全颠覆了我的刻板印象。它以一种近乎散文诗的笔触，将冰冷的石头、褪色的颜料和古老的经文赋予了鲜活的生命力。我特别欣赏作者在叙述中穿插的个人观察与历史背景的交织，这使得严肃的学术讨论变得亲切而引人入胜。书中对特定法器，比如金刚杵和嘎乌盒的详细考据，不仅展示了其工艺的精湛，更揭示了它们在密宗仪轨中的关键作用。读完后，我感觉自己不仅学到了艺术史知识，更像是进行了一次深度的文化浸润。对我来说，它更像是一扇窗，让我得以窥见那个神秘而又充满生命力的雪域高原的精神世界。

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我对西藏艺术的了解一直停留在表面的“异域风情”，直到我翻开了这本《西藏宗教艺术》。这本书的结构安排得极为巧妙，它没有急于抛出复杂的理论，而是循序渐进地引导读者进入其独特的审美体系。书中对“觉醒”和“慈悲”这两个核心概念如何在视觉艺术中得到体现的论述，令我深思良久。例如，对愤怒相神祇雕塑的分析，不再仅仅是强调其恐怖的外表，而是深入剖析了其背后“降伏烦恼”的积极意义。此外，书中对不同传承中，例如萨迦派和格鲁派在造像风格上的细微差异对比，展现了极为细致的田野调查和文献功底。这本书读起来并不轻松，需要沉下心来慢慢咀嚼，但每一次的停顿和回味，都带来了新的感悟，它成功地将艺术鉴赏提升到了对心性的探索层面。

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书太老

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