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页数:144

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出版时间:2009-4

价格:49.00元

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isbn号码:9787122043306

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《奇幻世界：数字绘画的魔法之旅》 前言： 在这个信息爆炸的时代，数字艺术以其独特的魅力和无限的可能性，吸引着越来越多的人投身其中。从生动的卡通形象到宏伟的幻想场景，数字绘画打破了传统媒介的限制，让创作者能够自由地挥洒想象，构建属于自己的视觉世界。 本书旨在引领读者踏上一段令人兴奋的数字绘画探索之旅。我们并非专注于某一款具体的绘画软件，而是致力于传授那些普适性的数字绘画原理、技巧和理念。无论您是初学者，渴望将脑海中的奇思妙想转化为触手可及的画面；还是有一定基础的画者，希望突破瓶颈，提升作品的表现力，本书都将是您忠实的伙伴。 我们将深入剖析数字绘画的核心要素，从基础的线条、色彩、构图，到更复杂的明暗、质感、光影处理，层层递进，循序渐进。您将学会如何有效地运用数字工具，释放您的创造力，创作出独具风格的作品。我们相信，数字绘画的乐趣在于创造，而创造的基石在于理解和掌握。 第一部分：数字绘画的基础构建 第一章：数字绘画的画布与画笔 在踏上数字绘画之旅前，首先需要了解我们赖以创作的“画布”——数字工作环境。本书将为您阐述不同分辨率、尺寸的画布对作品最终呈现效果的影响，以及如何根据作品类型选择合适的画布设置。 接着，我们将聚焦于数字绘画的灵魂——画笔。您将了解到数字画笔的种类繁多，从模拟传统媒介的笔刷，到具有特殊效果的定制笔刷，每一种都有其独特的表现力。我们将深入探讨画笔的各项参数设置，如直径、硬度、不透明度、流量、形状、纹理等，并演示如何通过调整这些参数，来模拟出水彩的晕染、油画的厚重、铅笔的细腻，以及炭笔的粗犷等多种笔触效果。 更重要的是，我们将引导您理解“笔刷库”的概念，以及如何根据自己的创作需求，组织、管理甚至创建属于自己的笔刷库。这如同音乐家拥有自己的乐器，画家拥有自己的颜料，一个精心构建的笔刷库将极大地提升您的创作效率和艺术表现力。 第二章：色彩的语言与运用 色彩是视觉艺术中最直接、最富有表现力的元素之一。本书将带领您走进色彩的奇妙世界，从最基础的色彩理论入手，理解三原色、三间色、互补色、邻近色等基本概念。您将学会如何运用色相、饱和度、明度这三个核心维度来描述和控制颜色。 我们将深入探讨色彩的情感寓意，不同的颜色组合能够唤请出观众内心深处的情感共鸣。您将学会如何通过色彩搭配来营造特定的氛围，例如，温暖的色调传递温馨与活力，冷峻的色调则渲染神秘与忧郁。 本书还将讲解色彩的调和与对比，以及如何在数字环境中有效地运用色彩工具，如色盘、吸管工具、渐变工具等。您将学习如何创建和谐统一的配色方案，以及如何通过色彩的对比来突出主体，增强画面的视觉冲击力。此外，我们将触及色彩在不同光照条件下的变化，以及如何运用色彩来塑造物体的体积感和空间感。 第三章：线条的生命力与表现 线条是绘画的骨架，是造型的基础。在数字绘画中，线条的表现力同样至关重要。本书将引导您探索不同类型线条的特性，从硬朗的直线到流畅的曲线，从粗犷的笔触到纤细的勾勒，每一种线条都承载着不同的情感和信息。 您将学会如何运用数字绘画软件的工具，精确地控制线条的粗细、粗糙度和边缘效果。我们将演示如何通过压感和倾斜的模拟，来赋予线条自然的手绘质感，使其不再显得生硬和机械。 本书还将深入讲解线条在构图中的作用，如何利用线条引导观众的视线，营造画面的动感与节奏。您将学习到如何通过线条来表现物体的轮廓、肌理和体积，以及如何运用不同方向和疏密的线条来表现光影的变化。 第二部分：构图与造型的艺术 第四章：构图的秩序与美感 构图是绘画的灵魂，是引导观众理解作品的关键。本书将为您揭示构图的奥秘，从最经典的“三分法”、“黄金分割”等构图法则，到如何打破常规，创造出富有冲击力的非常规构图。 您将学习如何分析画面中的主体与陪体，以及如何通过元素的排列、大小、疏密来达到画面的平衡与和谐。我们将探讨引导线的作用，以及如何巧妙地运用线条和形状来引导观众的视线，使其在画面中流畅地游走。 本书还将讲解负空间（留白）的重要性，以及如何有效地利用负空间来突出主体，增强画面的呼吸感和意境。您将学会如何通过构图来营造画面的深度和空间感，让您的作品更具故事性和视觉吸引力。 第五章：光影的塑造与体积感 光影是赋予二维平面物体真实生命力的关键。本书将深入讲解光影的原理，理解光源的方向、强度以及物体在光照下的受光面、背光面、投影和反光。 您将学会如何运用数字绘画工具，细腻地描绘出光影的层次和过渡，从柔和的过渡到硬朗的明暗对比。我们将演示如何通过明暗关系来塑造物体的体积感和立体感，使其在画面中“站”起来。 本书还将探讨不同材质在光照下的表现差异，例如，光滑的金属会产生锐利的反射，而粗糙的布料则会产生柔和的阴影。您将学习如何通过观察和模仿，准确地表现出不同材质的光影特征。 第六章：材质的质感与表现 材质的质感是作品能否令人信服的关键。本书将带领您探索如何用数字绘画来模拟各种材质的独特触感和视觉特征。 您将学习到如何通过笔触、纹理、颜色和明暗的变化，来表现出金属的光泽、木材的纹理、布料的柔软、皮肤的细腻、岩石的粗糙等。我们将演示如何运用叠加、蒙版、纹理素材等技巧，来快速有效地丰富画面的材质表现力。 本书还将讲解如何通过对细节的刻画，例如毛发、水珠、尘埃等，来增强画面的真实感和感染力。您将学会观察生活中的细节，并将这些观察转化为数字绘画中的生动表现。 第三部分：创作实践与进阶技巧 第七章：角色设计与造型 在数字绘画领域，角色设计是充满创意和挑战的领域。本书将为您提供角色设计的系统性指导，从最初的概念构思，到基础的骨骼结构、比例透视，再到服装、道具的设计，我们将一步步引导您完成一个引人注目的角色。 您将学习如何通过角色的面部表情、肢体语言来传达其性格和情感。我们将深入讲解不同风格的角色设计，如写实、卡通、Q版等，以及如何根据作品的整体风格来统一角色的设计。 本书还将探讨角色的色彩搭配，如何通过色彩来进一步强化角色的个性和故事性。您将学会如何设计出既符合其身份背景，又能吸引观众目光的独特角色。 第八章：场景与背景的构建 一个精彩的角色需要一个与之相匹配的场景来衬托，而一个宏伟的场景则需要有角色的存在来赋予其生命。本书将引导您进入场景与背景的创作世界。 您将学习如何从构思到绘制，一步步构建出富有空间感和氛围感的场景。我们将讲解透视原理在场景绘制中的应用，以及如何通过景深、虚实对比来营造画面的层次感。 本书还将探讨如何运用环境光、氛围光来增强场景的感染力，以及如何通过场景中的细节元素，如植物、建筑、道具等，来丰富画面的叙事性。您将学会如何将抽象的概念转化为具体的视觉场景，让您的作品拥有一个令人沉醉的舞台。 第九章：动态与情感的注入 绘画的生命力在于其“动”与“情”。本书将专注于如何让您的数字作品“活”起来，充满张力和情感。 您将学习如何通过人物的动态姿势、肢体语言来表现其情绪和动作。我们将讲解如何在画面中营造出速度感、冲击力，以及如何通过对运动轨迹的刻画来表现物体的运动状态。 本书还将深入探讨如何通过色彩、光影、构图以及细节的处理，来准确地传达角色的情感，无论是喜悦、悲伤、愤怒还是恐惧，都能够通过您的画笔得到生动的呈现。您将学会如何用数字艺术的语言，与观众进行情感的交流。 第十章：作品的优化与呈现 完成一幅数字绘画作品并非终点，如何将其以最佳的状态呈现给观众，同样至关重要。本书将为您提供作品优化的实用技巧。 您将学习如何通过后期调整，如色彩校正、对比度增强、锐化等，来提升画面的整体视觉效果。我们将讲解如何有效地运用图层蒙版和调整图层，对作品的局部进行精细的修改和完善。 本书还将探讨不同媒介下的作品输出，例如，用于网络的低分辨率图片，用于印刷的高分辨率图像，以及如何在不同平台上展示您的作品。您将学会如何管理自己的数字作品集，并有效地进行推广和分享。 结语： 数字绘画是一场永无止境的探索之旅。本书提供的知识和技巧，只是您在这段旅程中的起点。最重要的，是您愿意不断地去尝试、去实践、去思考。每一次的落笔，都是一次新的创造；每一次的修改，都是一次新的进步。 愿您在这片数字画布上，尽情挥洒您的想象，描绘出属于您的奇幻世界。愿您的画笔，成为连接您内心世界与现实的桥梁，创造出触动人心的艺术作品。 现在，请打开您的数字画板，让我们一起，开启这段精彩纷呈的数字绘画魔法之旅！

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这本书的装帧设计实在太吸引人了，封面那几张卡通人物插画简直就是我心头好！色彩运用大胆又不失和谐，线条流畅有力，一看就知道是出自高手的笔触。我本来就对日系动漫风格情有独钟，这本书的视觉呈现完全长在了我的审美点上。拿到手里沉甸甸的感觉，纸张的质感也相当不错，印刷清晰，色彩还原度很高，这种细节上的用心，真的能让读者在翻阅时感到愉悦。虽然我还没完全深入到具体的绘制技巧部分，但光是欣赏这些精美的范例，就已经让我对即将展开的学习充满了期待。它给我的第一印象就是“专业且赏心悦目”，就像是把一个小型画廊搬回了家，让人忍不住想立刻拿起笔尝试一下。尤其是那些背景的渲染处理，光影的过渡自然得让人惊叹，这绝对不是新手能轻易做到的水平，更坚定了我要好好研究这本书的决心。

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老实说，我以前买过不少号称“宝典”的绘画书，结果很多都是内容拼凑或者翻译腔过重，阅读起来非常费劲。这本书的文字部分阅读起来非常顺畅自然，仿佛一位经验丰富的老师在旁边耐心指导。它不仅教你“怎么做”，更重要的是解释了“为什么这么做”。比如在讲解透视收缩时，它会用一个生活中的例子来类比，让人瞬间茅塞顿开。这种深入浅出的叙事方式，让枯燥的理论变得生动有趣。而且，这本书的篇幅安排得极其合理，不是那种为了凑页数而注水的作品。每一页的内容都信息量十足，知识密度非常高，这对于希望高效学习的读者来说，是极其宝贵的品质。我感觉这本书更像是一份精心策划的工作坊教材，而不是一本普通的工具书。

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我是一位自学多年的数字绘画爱好者，市面上关于PS、SAI的教程我已经看过不少，但总感觉要么过于偏重软件操作的罗列，要么对核心的造型理解讲解得过于理论化，缺乏那种“手把手”的实战指导。这本书的排版逻辑似乎很注重循序渐进。从最基础的头部结构、五官比例的拆解分析开始，每一步都配有大量的步骤图，而且图注的文字描述非常精炼到位，直击痛点。特别是它处理“动态”和“服装褶皱”那几章的讲解方式，很新颖。它没有简单地告诉我们“画成什么样”，而是深入剖析了形成这种视觉效果背后的运动轨迹和力学原理，这对于提升我的“漫画感”至关重要。我发现书中的许多小技巧，比如如何通过调整笔刷的压力曲线来模拟不同材料的质感，是我之前摸索很久都没能真正掌握的。

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作为一个对传统手绘也有涉猎的画友，我特别关注这本书在“线条控制”和“上色逻辑”上是如何与数字工具结合的。这本书处理得相当巧妙，它没有完全抛弃传统素描的造型基础，而是将这些基础原理无缝嫁接到数位板的操作上。例如，在讲解阴影铺设时，它会先用类似铅笔的单色稿来确定光照方向和体积感，然后再过渡到色彩渲染。这种“先结构后表现”的流程，对于习惯了传统绘画思维的人来说，无疑大大降低了数字绘图的门槛。更让我惊喜的是，它对“光效”的处理，特别是霓虹灯光、逆光剪影以及水面反光的绘制技巧，非常具有现代感，很适合当下流行的赛博朋克或幻想题材的创作需求，完全没有老旧教程的僵硬感。

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坦白讲，我购买这本书的初衷是想找一套能系统性提升我画少女Q版角色的教程。这本书在处理人物神态和情绪表达方面，给了我巨大的启发。作者似乎非常擅长捕捉那种微妙的、转瞬即逝的表情——比如略带羞涩的低头、充满活力的呐喊，或者慵懒地打哈欠。这些情绪通过眼神的聚焦、嘴角细微的弧度和脸颊的红晕被刻画得淋漓尽致。我注意到，书中花了不少篇幅来讲解“眼睛”这个灵魂之窗的复杂性，从虹膜的反光处理到睫毛的层次感，讲解得极其细致。对我来说，这不仅仅是技术层面的学习，更像是上了一堂生动的“角色心理学”课程。如果能掌握这些精髓，我的角色插画会立刻提升一个档次，不再是空洞的形象堆砌。

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