邱受成画集 (平装) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海书店出版社

作者:邱受成

出品人:

页数:40 页

译者:

出版时间:1992年5月1日

价格:32.0

装帧:平装

isbn号码:9787805695020

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• 艺术作品集

《中国山水画意境探寻——以宋元名家笔墨为基石》 内容简介 在中国传统绘画的璀璨星河中，山水画以其独到的视角和深邃的哲学意涵，占据着举足轻重的地位。它不仅仅是对自然景物的描摹，更是画家胸中丘壑、情志寓托的载体，是连接人与宇宙、心灵与自然的桥梁。《中国山水画意境探寻——以宋元名家笔墨为基石》一书，正是致力于深入挖掘和解读中国山水画的独特魅力，尤其着眼于宋元时期这一艺术高峰，通过对当时名家笔墨技法的精细剖析，来揭示其所蕴含的丰富意境和哲学思想。 本书旨在为读者提供一个全面而深入的视角，去理解宋元山水画何以能够达到如此的高度，并对后世产生深远的影响。我们将从多个维度展开论述，力求呈现一个多层次、立体化的艺术图景。 第一章：宋元山水画的时代背景与艺术思潮 在正式进入艺术本体的探讨之前，理解其诞生的土壤至关重要。本章将首先回顾宋元时期波澜壮阔的历史画卷。宋朝，一个经济繁荣、文化昌盛的时代，科技的进步与哲学的繁荣共同孕育了独特的审美趣味。士大夫阶层作为绘画的主导力量，他们的情怀、学养与审美追求，深刻地影响了山水画的发展方向。理性、内敛、注重格律的宋代文人精神，促使山水画走向了写实与写意相结合的精妙境界。 而元朝，在民族融合与文化碰撞的背景下，山水画在继承宋代传统的基础上，注入了新的活力。文人画的意识进一步觉醒，画家们更加强调个人情感的抒发与个性的张扬，笔墨的变化更加丰富，意境的营造也更加自由奔放。本章还将梳理当时主要的艺术思潮，如“理学”对绘画“格致”精神的影响，“禅宗”所倡导的“空灵”、“寂静”等审美理念，以及文人雅集、诗社活动对艺术创作的推动作用。通过对这些宏观背景的梳理，读者能够更好地理解宋元山水画之所以能够成就辉煌的内在逻辑。 第二章：笔墨的灵魂——宋元山水画的技法精研 笔墨是中国画的灵魂，是画家传达情感、表现意境的根本手段。本章将聚焦宋元山水画中最为精湛的笔墨技法，并对其进行深入细致的分析。我们将选取具有代表性的画家及其作品，如范宽的“雨点皴”与“卷云皴”，李唐的“斧劈皴”，郭熙的“蟹爪皴”和“卷舒”理论，以及赵孟頫的“圆润遒劲”的笔法，黄公望的“披麻皴”与“渴笔”特色，王蒙的“牛毛皴”等。 皴法探微： 皴法是中国山水画表现山石纹理、体积感和质感的关键。我们将详细解析宋元时期各种皴法的特点、成因及其在不同画家作品中的运用。例如，为何范宽多用“雨点皴”来表现北方山峦的雄浑厚重？李唐的“斧劈皴”又是如何体现山势的险峻峭拔？郭熙的皴法与他的“远近”理论又有怎样的联系？黄公望和王蒙则将皴法推向了更为细腻和复杂的境地，他们的“披麻皴”和“牛毛皴”如何营造出层峦叠嶂、深邃幽远的效果？ 用墨之道： “墨分五色”是中国画用墨的精髓。本章将探讨宋元画家如何在浓、淡、干、湿、润等方面，巧妙运用墨色来表现山水的层次、光影和体积。我们将分析墨色在渲染、积墨、破墨等技法中的作用，以及如何通过墨的浓淡变化来营造不同的空间感和氛围。例如，张择端的《清明上河图》中，对城市街景的细腻描绘，墨色的运用同样功不可没。 线条的韵律： 线条是中国画的骨骼。本章将分析宋元画家在勾勒、皴擦、点画等过程中，线条的粗细、缓急、刚柔所产生的不同美感和表现力。我们将探究不同画家线条的个性化特征，以及线条如何与其他绘画元素相结合，共同塑造出画面的生命力。 设色的智慧： 尽管墨彩山水是中国山水画的主流，但浅绛、青绿等设色山水同样在宋元时期拥有重要地位。本章将探讨宋元画家在设色方面的理念和实践，如何通过色彩来增强画面的表现力，以及色彩与笔墨之间的关系。 第三章：意境的升华——宋元山水画的精神内涵 意境是中国山水画的最高追求，它是画家将外在的景物与内在的情感、哲思融为一体所创造出的艺术境界。本章将深入挖掘宋元山水画所传达的丰富意境。 “天人合一”的哲学追求： 宋代新儒家思想强调“天人合一”，这一理念深刻地体现在山水画中。画家们试图通过描绘壮丽的山河，来感悟宇宙的秩序与和谐，表达人与自然的亲近与融合。我们将分析郭熙《林泉高致》中“山水有可行者，有可望者，有可游者，有可居者”的观点，这体现了宋代画家对人与自然关系的思考。 “可行、可望、可游、可居”的创作理念： 郭熙的这一理论，不仅是对山水画创作的指导，更是对理想生活环境的向往。本章将通过具体画作，解读画家是如何通过构图、取景，来营造出“可行”、“可望”、“可游”、“可居”的审美空间，让观者仿佛身临其境，获得精神上的愉悦。 “寂静”与“空灵”的禅意美学： 禅宗在中国文化中具有深远影响，其“寂静”、“空灵”的审美理念也渗透到山水画的创作中。南宋画家马远、夏圭的作品，常以“一角之景”、“残山剩水”来表达禅意，通过留白和写意，引人无限遐思。本章将探讨如何通过画面中的“虚”来表现“实”的意境，如何通过简洁的笔墨来传递深邃的精神。 文人情怀的寄托： 宋元时期，山水画更是文人抒发情感、表达志节的重要载体。他们的画作，往往寄托着对隐逸生活的向往、对朝廷政治的讽喻，或是对人生际遇的感慨。我们将分析如米芾、米友仁父子的“米点山水”所表现的烟云迷蒙之境，以及元代四大家——黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇的作品，如何分别体现其独特的个性和文人情怀。倪瓒“孤洁”的品格，在“疏淡”的画风中得到了完美的体现。 诗、书、画、印的有机融合： 宋元时期，山水画的创作更加注重与其他艺术形式的结合。诗句的题跋，书法的行笔，印章的点缀，都成为画面不可分割的一部分，共同构建了更为丰富的艺术内涵。本章将探讨这种“文人四绝”的结合，如何进一步提升山水画的意境和文化品位。 第四章：宋元山水画的传承与影响 宋元山水画作为中国绘画史上的高峰，其艺术成就不仅在于当时的辉煌，更在于它对后世产生了极其深远的影响。本章将探讨宋元山水画在后世的发展脉络。 明清山水画的继承与发展： 明清时期，山水画名家辈出，如沈周、文徵明、唐寅、仇英等明四家，以及董其昌、王鉴、王石谷、王原祁等清初四王。他们如何在继承宋元传统的基础上，进行创新和发展？董其昌的“南北宗论”对后世山水画的分类和发展产生了怎样的影响？ 近现代山水画的演变： 进入近现代，随着社会巨变和西方艺术的传入，中国山水画面临新的挑战与机遇。一些画家在坚守传统的同时，也积极探索新的表现手法和题材，试图让传统山水画在新的时代焕发生机。 当代山水画的多元探索： 当代中国山水画更是呈现出多元化、个性化的发展趋势。一些艺术家在汲取宋元笔墨精髓的基础上，融入现代观念和抽象表现，创作出具有时代精神和个人风格的作品。 世界艺术视野下的中国山水画： 本章还将简要探讨中国山水画在国际艺术舞台上的地位和影响，以及其独特的东方美学如何吸引和启发世界各地的艺术家。 第五章：学习与鉴赏——如何走进宋元山水画的世界 本书的最终目的，是希望能够引导读者更加深入地理解和欣赏宋元山水画。本章将为读者提供一些学习和鉴赏的建议。 观摩真迹与高清复制品： 鼓励读者多去博物馆、美术馆参观，或是在专业书籍中欣赏高清复制品，细致观察画家的笔墨、构图、用墨、设色等细节。 结合史料与理论： 在欣赏画作的同时，了解画家的生平、所处时代背景、创作理念以及相关的艺术理论，能够帮助读者更全面地理解画作的内涵。 从局部到整体： 学习如何从画面的局部着眼，理解笔墨的运用，再将局部与整体相结合，感受画面的整体意境和气韵。 阅读古人画论： 推荐一些重要的古代画论，如《画论》、《山水纯全集》、《容台集》等，这些画论能够帮助读者建立起中国山水画的理论框架。 尝试临摹与创作： 对于有志于学习绘画的读者，鼓励进行临摹，通过亲身实践来体会笔墨的奥妙，并在此基础上进行创作，将所学所感融入自己的作品。 提升审美素养： 鼓励读者多阅读文学、哲学、历史等方面的书籍，培养人文素养，因为深厚的学养是理解和创作高雅艺术的基础。 结语 《中国山水画意境探寻——以宋元名家笔墨为基石》一书，力求以严谨的学术态度和生动的语言，带领读者穿越时空，走进宋元山水画的艺术殿堂。我们相信，通过对宋元山水画的深入研究，读者不仅能领略到中国传统绘画的博大精深，更能从中体悟到中华民族独特的哲学智慧和审美情趣，从而在喧嚣的现代生活中，寻找到一片宁静致远的精神家园。本书不仅是对艺术的致敬，更是对文化传承的探索，以及对心灵栖息之地的追寻。

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我是一个痴迷于细节的“老读者”，通常会关注一本书的版权页、纸张的纤维结构，甚至装订时胶水的味道。在这本画集中，我发现了一个非常有趣的现象：在一些大幅作品的边缘裁切处，可以看到轻微的墨迹渗透，但这并非瑕疵，反而像是时间留下的印记，让我联想到工作室里正在创作的场景。整体来看，这本书的装帧设计理念似乎是“克制的力量”，它拒绝了浮夸的覆膜和炫目的色彩，选择用最朴素的平装形式，去承载如此复杂而深刻的艺术内涵。这正体现了艺术与形式的辩证关系——最伟大的内容，往往不需要最喧嚣的包装。每一页的翻动，都带着一种仪式感，提醒着读者，你手中捧着的，是一段凝固的艺术生命历程。

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这本书的阅读体验，简直可以称得上是一种沉浸式的视觉修行。我习惯于在夜深人静的时候，关掉房间里所有杂乱的光源，只留一盏暖色调的落地灯来阅读它。这种方式极大地增强了色彩的感知力。邱先生作品中那种对“存在感”的执着描绘，通过这套精致的印刷工艺被推向了极致。特别是那些需要依赖光线和阴影来构建空间的作品，纸张的吸光性处理得恰到好处，使得画面中的“暗部”不再是简单的黑色块，而是充满了微妙的层次和呼吸感。我甚至能“听见”画笔在画布上刮擦的声音，感受到颜料堆叠带来的厚重质感。这种对物质性的强调，使得艺术品不再是高高在上的影像，而是可以被触摸和感受的实体。对于长期生活在数字屏幕前的人来说，这种触觉上的回归无疑是一种极大的慰藉。

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这本画集真是让人眼前一亮，从装帧设计就能看出出版方的用心。封面采用了一种低饱和度的米白色，搭配烫金的艺术家签名，既有复古的质感，又不失现代的简约。纸张的选择也极其考究，那种略带纹理的哑光铜版纸，触感温润，完全避免了传统画册容易产生的反光问题，使得画面细节得以完美呈现。我尤其欣赏它内文的排版布局，虽然是平装本，但装订得非常牢固，翻阅时完全不用担心书页松散。书中的图片索引做得非常清晰，每幅作品下方都有详尽的创作年代和媒介说明，这种严谨的态度在艺术书籍中是难能可贵的。在欣赏完那些气势磅礴的宏大叙事之后，我还会忍不住去研究那些关于色彩运用和光影处理的辅助文字，它们虽然简短，但切中要害，仿佛是艺术家本人在耳边低语，阐释着创作背后的哲学思考。总的来说，这是一本不仅适合细细品味的艺术作品集，更是一件值得收藏的实体书。

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说实话，我原本对平装本的艺术画册期望不高，总觉得它们在承载重量级艺术作品时会显得力不从心。但拿到这本《邱受成画集》后，我的看法彻底改变了。它给我的感觉更像是一本精心编辑的学术期刊，而非单纯的图册。最让我惊喜的是对不同时期作品的划分逻辑，过渡得自然而流畅，几乎能感受到艺术家心路历程的每一次微妙转变。比如，在描绘早期那种带有强烈表现主义色彩的作品时，印刷色温明显偏暖，笔触的粗粝感通过墨点的细腻还原得以忠实再现；而进入到后期的抽象构成阶段，色彩则变得冷静克制，连纸张的留白都仿佛被赋予了新的意义。我花了好几个下午，仅仅是对照着目录，就试图梳理出艺术家如何从具象的痛苦挣扎，一步步升华为对纯粹形式美的探索。这种深度的导览体验，远超了我对一本普通画册的预期。

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与其他那些动辄精装、厚重的艺术大部头相比，这本平装画集无疑是便携和实用的典范。我常常把它放在我的随行包里，偶尔在咖啡馆或者公园长椅上拿出来翻阅。这种随时随地的接触，反而让我对作品有了更持续和碎片化的理解。我发现，当我不用被“必须在书桌前端坐”的压力束缚时，我反而能更自由地去捕捉作品中那些转瞬即逝的情绪波动。比如，某一幅以天空为主题的作品，在午后的阳光下看，云层的流动感特别强；而在傍晚的弱光下，原本被忽略的底色和肌理又会跳脱出来。这种互动性，恰恰是优秀平装本才能提供的体验——它不是一个需要供奉的圣物，而是一个可以被生活日常消化的伙伴，默默地，却坚定地丰富着我的视觉和精神世界。

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