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出版者:广西美术

作者:杨永波

出品人:

页数:73

译者:

出版时间:2009-2

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787807466369

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深入探索色彩的奥秘：现代平面构成与视觉心理学 图书简介 本书将带领读者进入一个由色彩、形状和空间构成的奇妙世界，它超越了传统意义上的“基础图案设计入门”的范畴，专注于现代平面构成的深层原理及其与人类视觉心理学的紧密结合。我们不再满足于简单的图案复制和排列，而是深入剖析设计背后的逻辑、情感驱动力以及文化语境。 第一部分：超越表象的构成法则——深度解析平面语言 第一章：点、线、面的辩证统一与动态平衡 本章将彻底颠覆读者对“点、线、面”作为基本元素的传统认知。我们探讨的不是如何简单地绘制一个圆或一条直线，而是这些元素在构成中所扮演的“角色”。 点的张力与聚焦： 深入研究“点”的心理学效应——如何在信息爆炸的画面中，通过点的密度、大小和对比度，精确引导观众的视线焦点。我们将分析点阵的随机性与秩序性在不同文化语境下的解读差异。 线的叙事性与情感流向： 线不再仅仅是边界的界定，而是情感的载体和运动的轨迹。从康定斯基（Kandinsky）的线条实验到当代动态图形中的时间轴构建，我们解析不同角度和粗细的线条如何暗示速度、方向、冲突与和谐。特别关注“隐形线”的概念，即由元素排列间隙自然形成的、引导视觉的无形结构。 面的构建与空间感知： 探讨“面”如何通过色彩的冷暖、明度的变化来塑造立体感和空间深度。我们将引入格式塔心理学中的“闭合性原则”，分析如何利用不完整的面来激发观者的想象力，从而在二维平面上创造出三维的错觉和叙事空间。 第二章：色彩的深层心理学与跨文化交流 本书对色彩的探讨，完全侧重于其非表面的、具有社会和生理影响力的层面，而非单纯的色轮应用。 视觉生理学与色彩适应性： 探讨人眼对不同波长光线的敏感度差异，以及长时间暴露于特定色彩环境（如数字屏幕或特定工作空间）对情绪和认知能力的影响。我们分析如何利用补色残像和同时对比效应来增强设计的视觉冲击力。 色彩的文化语义学与禁忌： 详细对比东西方文化中对红、白、黄等核心色彩的象征意义。例如，探讨在日本文化中“留白”（Ma）与色彩的共存关系，以及在中东地区特定纹饰中对色彩饱和度的严格限制，这些是传统设计教材中鲜有涉及的深度内容。 非色（Achromatic）的力量： 深入研究黑、白、灰这三种“无色”如何在现代极简主义设计中担当主角，它们如何通过质感（Texture）和光影（Luminosity）来表达极高的设计意图，而非仅仅作为背景色。 第三章：节奏、韵律与视觉的“音乐性” 本章将平面构成与音乐理论进行类比，教授读者如何“谱写”视觉作品。 节奏的变量控制： 区分“等距重复”（均匀）、“渐变重复”（韵律）和“跳跃重复”（打破）。通过分析蒙德里安（Mondrian）的网格系统与日本传统建筑中的模块化，来理解节奏在建立秩序感中的作用。 张力与松弛的平衡： 探讨如何通过元素间的距离（负空间）来控制视觉的“呼吸感”。过分紧凑的布局会产生焦虑感，而适当的留白（Negative Space）如何转化为一种积极的构图力量。 视线引导的运动轨迹： 结合眼睛运动研究（Eye-tracking data），分析如何构建一条“视觉路径”，使观众在无意识中完成设计师预设的观看顺序，实现信息的有效传递。 第二部分：现代语境下的复杂系统设计 第四章：信息架构与数据可视化中的构图逻辑 在数字化时代，构图不再是关于装饰，而是关于信息的清晰传达。 层次结构的建立： 运用“斐波那契数列”和“黄金分割”在信息层级中的实际应用，例如在复杂图表或网页布局中，如何确定主要信息、次要信息和辅助信息的视觉优先级。 网格系统的演进： 从传统的平面印刷网格（如Axial Grid）到适应多屏环境的响应式网格系统（Responsive Grids）。重点讨论模块化设计（Modular Design）如何作为一种“灵活的约束”，在保证一致性的同时适应不同载体。 动态构图的引入： 探讨在屏幕媒介中，静态的平面构成如何转化为动态的序列。分析关键帧（Keyframes）之间的过渡（Transitions）设计，如何利用运动的加速度和减速度来强化构图的逻辑。 第五章：材质、肌理与非物质的设计表达 本章着眼于如何利用视觉效果来模拟真实世界的触感，或者创造出超越物理限制的“数字肌理”。 光影的计算与模拟： 深入解析如何通过高光、阴影和环境光遮蔽（Ambient Occlusion）的模拟，为扁平化的设计元素赋予重量感和材质感，尤其是在UI/UX设计中的“拟物化”与“扁平化”的交锋与融合。 噪音（Noise）与随机性在设计中的作用： 分析如何在高度精确的几何构图中，引入受控的随机性（如噪点、微小的形变）来增加“人性化”和避免机械感。这包括对分形几何（Fractal Geometry）在自然图案生成中的应用探讨。 纹理的叙事功能： 探讨粗糙、光滑、磨砂等不同视觉纹理如何潜移默化地影响观者对设计主题的判断——例如，光滑的金属质感暗示科技和未来，而粗粝的纸张纹理则唤起历史和手工感。 第六章：系统性思维与设计语言的构建 本书的最终目标是培养设计师的系统思维，而非仅仅是工具的使用者。 设计语汇的建立： 教授如何从一个核心概念出发，提炼出一套可复用的视觉元素集、色彩规则和空间布局模式，从而构建一个强大且自洽的品牌视觉系统。 负面空间的战略应用： 将“留白”视为一种主动的设计元素，探讨其在提升信息密度和品牌识别度方面的战略价值。分析如何通过“留白”来讲述一个与主体元素同等重要的故事。 可塑性与边界的探索： 鼓励读者在掌握所有规则之后，学会如何系统性地打破规则。通过研究后现代主义和解构主义设计案例，理解在特定情境下，何种程度的“错位”和“失衡”才能产生新的、更具穿透力的视觉效果。 通过对这些高级主题的全面梳理，本书旨在将设计新手提升至能够深刻理解并战略性地运用视觉构成元素的专业人士层面，使其作品不仅美观，更具备强大的沟通效能和深远的心理影响力。

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我是一个极度追求原创性的创作者，总担心自己的设计会不自觉地落入俗套。这本书最打动我的地方，是它对“打破常规”的鼓励和指导。《基础图案设计入门》里有一章专门讲了“随机性与可控的混乱”。它没有要求我们百分之百地遵循规则，而是教我们在掌握规则之后，如何有目的地去“破坏”这些规则，从而产生真正具有个人风格的作品。作者举例说明了如何通过调整笔触的粗细、图案的扭曲度、或者随机增加噪点，来为作品注入“手工感”和“生命力”。我按照书中的方法，尝试将一个传统的重复图案进行非线性的变形处理，结果发现，这种介于规整和失控之间的状态，产生了非常强烈的视觉张力，作品立刻变得“活”了起来，不再是冷冰冰的复制粘贴。这本书教会我的最重要一课是：基础是让你自由飞翔的跑道，而不是限制你飞行的牢笼。它鼓励探索，引导我们建立自己的“设计语汇库”，而不是一味地模仿大师。

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说实话，当我拿到这本书时，我有点担心它会太偏向于传统的手工艺术，毕竟现在数字化设计工具那么强大。但是，这本书的广度远远超出了我的预期。它平衡地涵盖了平面、三维空间以及布料设计中的图案应用。让我印象最深的是关于“负空间”的运用那一节。过去我总是执着于填充图案，总想让画面看起来“满”，但这本书通过几个经典的剪影设计案例，让我明白了“留白”的强大力量。作者解释说，负空间不是没有设计，而是另一种形式的参与者，它定义了主体。我立刻尝试用这个思路去优化了我正在制作的一个App图标，去掉了一些多余的装饰元素，仅仅利用背景和图形的交界处形成的负形，整个图标瞬间变得更简洁、更有识别度。这本书的优点在于它不拘泥于媒介，它教的是图案的本质规律，这些规律无论你是用钢笔、刻刀还是矢量软件，都是通用的。这种超越工具的教学理念，让我对自己的学习方向更加坚定了信心。

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我是一名已经工作了好几年，但一直想在自己的产品设计中加入更多独特视觉元素的职场人士。我需要的不是那种学院派的、过于学术化的教材，而是能够快速上手、并且能够指导我在实际项目中应用的工具书。《基础图案设计入门》在这方面做得非常出色。它没有花费太多篇幅在历史溯源上，而是直接聚焦于“如何运用”图案。特别是书中关于“纹理的创造与模拟”那一章节，简直是我的救星。它详细拆解了模仿自然纹理（如木纹、石纹、织物感）的几种核心方法，并且清晰地指出了每种方法的适用场景。我尝试着将书中学到的关于重复与变化的原理应用到了我正在设计的一个包装方案上，通过调整图案的密度和方向，成功地在不增加制作成本的前提下，让包装看起来更具高级感和层次感。这本书的实用性体现在它大量的案例分析上，每个案例都配有清晰的“问题——思路——方案”的逻辑链条，让我能迅速理解设计决策背后的考量。对我来说，这本书更像是一个高效的设计陪练，而不是一本简单的教科书。

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我主要对装饰艺术和室内设计感兴趣，我一直觉得图案是空间情绪的载体。《基础图案设计入门》为我提供了一个非常扎实的理论框架去理解如何通过图案来调节空间氛围。书中关于“色彩与图案的情感映射”的讨论尤为精彩。它不仅仅是简单地罗列冷暖色调，而是结合了不同文化背景下，特定图案形状（如螺旋、直线、网格）与人类心理感受的关联。比如，它分析了巴洛克风格中过度繁复的涡卷纹是如何营造出一种戏剧性和奢华感，并对比了日式美学中极简直线重复带来的宁静与秩序。这让我意识到，我选择一个图案，不仅仅是在选择一个花纹，更是在选择一种“情绪导向”。我曾尝试用书中介绍的“动态平衡”原则，在一个小空间的地毯设计中，通过轻微的不对称重复，来引导视线流动，效果出奇地好，空间不再死板。这本书的深度在于它能够把艺术史和心理学巧妙地融合进实操技巧中。

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这本《基础图案设计入门》对于我这个完全的新手来说，简直是打开了一扇新世界的大门。我原本以为设计这东西是需要某种与生俱来的天赋，但这本书的讲解方式让我彻底打消了这个念头。首先，它从最基础的线条、点、面这些最原始的视觉元素讲起，但绝不是枯燥的理论堆砌。作者很巧妙地用了很多生活中随处可见的例子，比如树叶的脉络、砖墙的排列，来解释什么是“构成”和“韵律”。我记得有一章专门讲了黄金分割在图案设计中的应用，原本以为会很深奥，结果作者用画圆和简单的比例尺就解释清楚了，非常直观。我尝试着跟着书上的步骤，用尺子和圆规自己动手画了一些基础的几何图案，虽然画得不算完美，但那种从无到有创造出秩序感的感觉真的非常棒。这本书的排版设计本身也是一个范例，色彩搭配和谐，留白恰到好处，让人在阅读过程中感觉非常舒适，完全不会产生审美疲劳。它没有直接扔给你复杂的软件操作，而是专注于“设计思维”的培养，这对我来说是至关重要的第一步。我感觉自己不再是盲目地看别人的作品，而是开始能分析出作品背后隐藏的逻辑和美学原理。

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