De Kooning. Paintings 1960-1980 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Kunstmuseum Basel

作者:Hatje Cantz

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005

价格:0

装帧:Hardcover

isbn号码:9783720401609

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《色之交响：抽象的激情与形式的探索》（暂定名） 引言： 在二十世纪艺术的宏伟画卷中，威廉·德·库宁（Willem de Kooning）以其奔放不羁的笔触、强烈的情感张力和对形式的持续探索，占据着举足轻重的地位。他并非一个被固有风格束缚的艺术家，而是如同一位不懈的炼金术士，在画布上不断熔炼、重塑、超越。如果说早期的抽象表现主义为其注入了原始的生命力，那么他后期的创作则如同一次更为深邃的自我对话，在色彩、笔触与形式之间编织出更为复杂而动人的篇章。本书将目光聚焦于德·库宁创作生涯中一段至关重要的时期——1960年至1980年，试图深入剖析这一时期他作品的演变轨迹，以及其中蕴含的艺术理念与实践。我们并非简单地回顾，而是试图去理解，在那个变幻莫测的时代背景下，一位大师如何继续挑战自我，拓展艺术的边界，用他的画笔谱写出一曲关于色彩、形式与人类情感的交响乐。 第一章：转折之年的回响（1960年代初） 1960年代的到来，对于整个艺术界而言，是一个充满变革与反思的时代。波普艺术的兴起，带来了对日常图像和商业文化的全新审视，而新抽象的萌芽，则预示着对纯粹形式和色彩的进一步纯化。在这样的语境下，德·库宁并未选择固步自封，而是敏锐地捕捉着时代的脉搏，并将其转化为自己独特的艺术语言。 进入1960年代，德·库宁在纽约长岛的家中建立了自己的画室。这个更为宁静、私人的创作空间，似乎为他提供了一个更为内省的创作环境。与早期在城市喧嚣中挥洒的激情不同，他开始在画布上营造出一种更为舒缓、却不失力量的氛围。这一时期，他作品中的色彩开始呈现出更为明亮、纯粹的倾向。如果说之前的色彩组合中常带有某种戏剧性的张力，那么此刻，色彩本身作为一种独立的语言，开始承担起更为重要的叙事功能。浅蓝、淡绿、明黄，它们如同晨曦中的露珠，在画布上闪烁着柔和的光泽，但这种柔和之中，却依然潜藏着德·库宁标志性的强烈情感。 同时，他笔下的形式也开始发生微妙的变化。那些曾经极具侵略性、充满原始力量的“女人”系列，虽然依然是他创作的重要主题，但在新的时期，它们被赋予了更为流动、飘逸的形态。线条不再是坚硬的轮廓，而是如同丝带般在画面中蜿蜒缠绕，将色彩与形体融为一体。我们可以看到，德·库宁对西方艺术史的致敬与反思，在这一时期以更加含蓄的方式显现。古典雕塑的优雅、印象派的光影变化，都在他的笔触中得到了某种程度的转化与再创造。他并非刻意模仿，而是将这些经典元素内化为自己创作的养分，使其在新的语境下焕发出别样的生命力。 这一时期的作品，如《Woman in a Landscape》（1962）中的女性形象，不再是早期那种充满攻击性的存在，而是与周围的自然景观融为一体，呈现出一种更为平和、沉思的状态。然而，细细品味，在那看似宁静的画面之下，依然能够感受到德·库宁对生命活力与人性复杂性的深刻洞察。他并没有放弃对内在情感的表达，只是将这种表达的方式变得更为细腻、内敛。 第二章：色彩的狂想曲与形式的自由舞（1960年代中期至末期） 随着1960年代的深入，德·库宁的艺术探索进入了一个更为自由、大胆的阶段。他对色彩的运用达到了炉火纯青的地步，并且在形式的构成上，展现出前所未有的解放。 这一时期，德·库宁的作品中，色彩的地位变得更为突出。他不再将色彩仅仅视为描绘对象、塑造形体的工具，而是将色彩本身视为一种独立的、具有表现力的力量。那些饱和度极高的蓝色、鲜艳的红色、明亮的黄色，如同音乐中的高潮，在画布上奏响一曲曲奔放的狂想曲。他大胆地运用并置、碰撞的色彩，创造出强烈的视觉冲击力。然而，这种冲击力并非粗暴的宣泄，而是一种经过精心考量的、富有韵律感的组合。他能够在一片明亮的色彩中，巧妙地融入一些沉稳的色调，形成微妙的对比与和谐。这种对色彩的驾驭能力，让他的画面充满了生命的光泽与活力。 在形式上，德·库宁在此时期进一步打破了传统的束缚。他开始尝试更加自由、随性的笔触，线条的走向也变得更加不可预测。画布上，厚重的颜料堆叠，粗犷的刮痕，细腻的晕染，各种技法在他手中交织，形成一种独特的肌理感。这种肌理感，不仅增加了画面的触感，更重要的是，它成为了艺术家情感的直接载体。每一笔的力度，每一次的转折，都仿佛是他内心世界的一次次搏动。 我们能够观察到，德·库宁在这一时期对抽象形式的探索，逐渐摆脱了具象的痕迹，但又并非完全走向纯粹的几何抽象。他的作品依然保留着一种“变形”的痕迹，仿佛是某个物体的记忆，在色彩与笔触的冲刷下，变得模糊而又充满暗示。他笔下的风景，不再是清晰可见的山川河流，而是一种情感的投射，一种空间感的体验。这种对非具象形式的探索，恰恰证明了他作为一位现代主义大师的敏锐触觉，以及他不断超越自我的勇气。 在这个阶段，一些如《The Hill-Giant, a Scene of the past》（1969）等作品，虽然标题带有某种怀旧的意味，但画面本身却充满了现代的活力。他似乎在通过对过去的回望，来探索未来的可能性，用抽象的语言重塑记忆的碎片。 第三章：内省的沉淀与风景的变奏（1970年代） 进入1970年代，德·库宁的艺术创作似乎进入了一个更为内省的沉淀期。他继续在色彩与形式上进行着不懈的探索，但与此同时，一种更为成熟、更为深邃的情感开始在他的作品中流露。 1970年代，德·库宁开始更加频繁地描绘风景。但这并非传统的写实风景画，而是经过他独特视角过滤、情感注入的“变形风景”。他笔下的海洋、海滩、甚至是简单的室内空间，都充满了生命的气息与抽象的诗意。他用大块的色彩，以一种近乎雕塑般的厚度，在画布上堆积出空间的层次感。那些看似随意挥洒的笔触，却又恰到好处地勾勒出光影的变幻，以及物体的体积感。 这一时期的色彩，相比于1960年代的明亮与饱和，显得更为沉静、内敛。他开始运用一些更为柔和、却又不失深度的色彩，例如淡淡的绿色、柔和的蓝色、温暖的棕色。这些色彩的组合，营造出一种宁静而又充满生命力的氛围。它们如同夏日午后的微风，在画布上轻轻拂过，带来一种舒适而又充满哲思的体验。 同时，在形式的构成上，德·库宁的作品也变得更加平衡与和谐。虽然他依然保持着奔放的笔触，但整体画面的布局却显得更为考究。线条的运用更加自由，但又不会显得杂乱无章。他善于在画面中制造出微妙的张力，既有留白的空间，又有充实的内容。这种平衡感，体现了他艺术成熟的标志。 在这个时期，我们能够看到德·库宁对自身艺术语言的梳理与总结。他并没有完全放弃对“女人”形象的思考，但这种思考更多地融入到对生命、自然以及空间感的探索之中。他似乎在通过描绘外部世界，来映照内心的风景。那些变奏的风景，就像是他生命中不同阶段的记忆与情感的凝结。 例如，他在1970年代创作的《The Suburb – an Idyll》（1970-1971）等作品，虽然标题带有田园牧歌的意味，但画面本身却充满了现代人对生活与环境的复杂感受。他用抽象的语言，捕捉了都市边缘的独特气息，以及其中蕴含的诗意与疏离感。 第四章：技艺的升华与情感的共振（1970年代末至1980年代初） 进入1970年代末期，直至1980年代初，德·库宁的创作不仅在技艺上达到了新的高度，更重要的是，他的作品在情感的深度与广度上，达到了前所未有的共振。 这一时期，德·库宁的笔触更加自由，色彩的运用也更加大胆。他仿佛能够将画布视为一个无限的空间，尽情地挥洒着他的情感与想象。厚重的颜料堆叠，如同雕塑般的质感，在光影的作用下，呈现出丰富的层次。他对于色彩的理解，已经超越了单纯的视觉感受，而触及到了更为深层的心理层面。他能够用色彩来唤起观众内心深处的情感，无论是喜悦、忧伤、还是沉思。 在这个阶段，德·库宁的作品常常呈现出一种抽象与具象模糊界限的状态。虽然画面中很难辨认出具体的物象，但我们却能够从中感受到某种熟悉的情绪与氛围。那些扭曲的线条，奔放的色彩，似乎都在诉说着关于生命、时间与存在的某种哲学思考。他仿佛在用自己的方式，去解读这个瞬息万变的现代世界，并将其转化为永恒的艺术语言。 尤为值得一提的是，这一时期的作品，在技法上展现出了一种更为纯熟的掌控力。他能够将油画、甚至偶尔使用的丙烯，以不同的方式处理，创造出丰富多样的肌理效果。那些大胆的刮痕、细腻的晕染，如同音乐中的不同音色，共同奏响了一曲壮丽的交响乐。 在1980年代初，德·库宁的创作并没有因为年龄的增长而减缓，反而更加充满了生命力。他的作品，如《Untitled》（1980）等，依然保持着年轻时的激情，却又增添了岁月的沉淀与智慧。他似乎在用自己的艺术，去拥抱生命中的每一个瞬间，去探索那些未知的领域。 结论： 从1960年至1980年，威廉·德·库宁的创作生涯，犹如一场永不停歇的艺术探索之旅。他以其不懈的创新精神、对色彩与形式的独特敏感，以及对生命深刻的洞察，为我们留下了宝贵的艺术遗产。这一时期，他并未固守于任何一种风格，而是如同一个永恒的变革者，在画布上不断挑战自我，拓展艺术的边界。 本书试图通过对这一关键时期作品的深入剖析，展现德·库宁在色彩运用、形式构成、以及情感表达上的演变与发展。我们看到了他如何从早期的抽象表现主义中汲取养分，如何在新时代的浪潮中保持独立的艺术判断，如何将内心的情感与外部世界的风景融为一体。 他的作品，不仅仅是视觉的盛宴，更是心灵的触动。它们教会我们去感受，去思考，去拥抱生命的多样性与复杂性。德·库宁的艺术，犹如一首不朽的诗篇，在时间的洪流中，依然闪耀着独特的光芒，激励着一代又一代的艺术家与观众，去探索艺术的无限可能。通过深入理解他1960年至1980年的创作，我们能够更深刻地领略到，一位真正的艺术大师，是如何用他的生命与才华，去定义一个时代，并为艺术史写下浓墨重彩的一笔。

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这本书的价值，更在于它提供了一种理解艺术家在创作“危机”中如何保持创造力的范本。1960年代到1980年代，艺术语境发生了巨大的变化，抽象表现主义的光环逐渐褪去，新的极简主义、波普艺术等浪潮汹涌而至。德·库宁在这个过渡期内，依然坚定地沿着他那条充满不确定性的道路前行，拒绝被时代潮流裹挟。他坚持对具象（尤其是女性形象）的挖掘，但其方式已经完全脱离了传统叙事。这种坚守与革新之间的微妙平衡，是这本书最引人入胜的部分。每一幅画都像是一个独白，充满了对既有框架的质疑，但其核心依然是对艺术媒介本身所抱有的近乎宗教般的热忱。通过这本书，我不仅重温了这些经典之作，更深刻体会到，真正的艺术大师并非等待灵感，而是通过持续不断的、近乎苦役般的实践，去“制造”和“发现”灵感。这本画册，是对那种不屈不挠的、终生探索精神的最好致敬。

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阅读这本书的过程，与其说是在“看画”，不如说是在参与一场长期的、不间断的视觉辩论。德·库宁的作品，尤其是在这个时间段内，拒绝被任何单一的标签所定义。它们既有对毕加索立体主义的致敬与解构，又充满了对美国本土文化和抽象表现主义运动的激烈回应。纸张的质感、色彩的印刷精度，都使得每一幅画作的“在场感”得到了最大程度的保留。我注意到，编者似乎有意将那些风格迥异的作品并置，例如在激烈的色彩爆炸之后，紧接着呈现的是几幅相对内敛但依然充满动感的黑白素描或油画。这种节奏的把控，极大地增强了对艺术家创作心境的理解。这种看似随意的、近乎涂鸦式的笔触，实则蕴含着极其严谨的结构考量，每一个外延的线条、每一次色彩的重叠，似乎都在为下一笔的落点做着精密的布局。这让我想起音乐中即兴演奏的魅力——它要求创作者对媒介拥有绝对的掌控力，同时又必须随时准备好打破既有的秩序。这本书成功地捕捉到了这种动态平衡的精髓。

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对于非专业艺术史背景的读者而言，这本书提供了一个极为友好的入口，却又不失其深度和专业性。它没有过多冗余的学术术语来阻碍观者与作品的直接交流。画作的排列清晰地勾勒出一条时间轴，使得我们能直观地感受到艺术家在面对外部世界和内在冲动时的反应是如何随之调整和强化的。德·库宁的“非完成感”是如此迷人，他似乎永远在“正在进行”的状态中，拒绝盖棺定论。这种拒绝终结的姿态，在当时的环境下无疑是一种极具挑战性的宣言。观察他如何处理空间的压缩与释放，如何让人物的形象在抽象的洪流中若隐若现，本身就是一种充满智识愉悦的体验。我特别喜欢其中几幅作品的局部放大特写，那些细微的刮擦痕迹和颜料的渗入，像极了地质勘探图，揭示了创作过程中的无数次犹豫、修改与最终的释然。这不仅仅是一本关于德·库宁的记录，更是关于“如何看画”的一本生动教材。

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这本书带来的视觉冲击力是持久的，它迫使你重新审视你对“美”和“可理解性”的既有定义。德·库宁的作品，尤其是这一时期的，充满了原始的、近乎原始兽性的能量。当你面对这些作品时，你无法保持一个冷静的旁观者姿态；它们要求你投入情感，甚至承受一定的视觉上的不适。这种强迫性的参与感，正是其伟大之处。在翻阅过程中，我反复停留在那些似乎被颜料吞噬的形体前，思考着艺术家到底想从这些形象中剥离出什么，又想植入什么。印刷质量在这个层面上显得至关重要，它必须忠实地再现原作的“粗粝感”和“生命力”。幸运的是，这本画册在这方面做得非常出色，纸张的选择似乎也考虑到了要与油画的厚重感相匹配。它不是一本用来快速翻阅的杂志，而更像是一本需要被认真对待的艺术档案，值得在光线充足的书桌前，花上数小时细细品味每一张图像的内在结构和外在表现。

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初次捧读这本关于德·库宁绘画历程的画册，我感到一种难以言喻的激动。那些在画布上肆意泼洒的色彩，那些仿佛在与观者进行无声对话的笔触，一下子将我带入了一个充满原始生命力和不安情绪的艺术世界。书中的选篇显然经过了精心考量，它们聚焦于艺术家生命力最为旺盛的两个十年，展现了他从早期的抽象表现主义探索，到逐渐形成那种标志性的、既具侵略性又流露出某种脆弱的女性形象描绘的演变轨迹。我尤其被那些大尺幅作品的复制品所震撼，即便是通过印刷品，那种颜料堆叠的厚度和层次感依然能穿透纸面，仿佛能触摸到画布上颜料的肌理。这种对创作过程的直观感受，对于任何一个试图理解后战时期艺术如何挣脱束缚、拥抱自由的探索者来说，都是极其宝贵的。它不仅仅是一本画册，更像是一扇通往德·库宁内心剧场的窗口，让我得以窥见他是如何将内心的挣扎、对形式的迷恋以及对现实的疏离感，熔铸成那些既混乱又精准的视觉符号的。每一次翻阅，都能从中捕捉到新的细节，新的情绪张力，这无疑是一次深度的心灵洗礼。

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