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出版者:

作者:赵君超

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:2009-1

价格:30.00元

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isbn号码:9787531442516

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《笔尖上的传承：中国传统纹样精选与解析》 内容简介： 《笔尖上的传承：中国传统纹样精选与解析》是一部旨在深入挖掘、系统梳理并生动呈现中国丰富多彩传统纹样艺术的典籍。本书并非简单地罗列图案，而是以历史的纵深感和文化的精妙性为导向，精选了从史前时期到近现代，涵盖宫廷皇家、文人雅士、市井民俗等多个层面、不同地域的代表性传统纹样，并对其进行详尽的解读和分析。本书的核心价值在于，它试图为读者搭建一座桥梁，连接起古老而迷人的纹样世界与现代人的审美视野，让古老的智慧与美学在当下焕发新的生命力。 卷首语：纹样的回响，千年的低语 在历史的长河中，纹样如同一种无声的语言，承载着先民的信仰、时代的风貌、工匠的技艺以及人们对美好生活的向往。从先秦的抽象几何，到汉唐的奔放华丽，再到宋明的精致典雅，直至清代的繁复富丽，每一件器物、每一寸织物、每一幅画卷，都跳动着独特的纹样脉搏。这些纹样，是文化的符号，是审美的载体，更是民族精神的凝练。《笔尖上的传承》正是试图捕捉这些“千年的低语”，以严谨的学术态度和诗意的笔触，为它们赋予新的生命，让后人得以窥见那一段段辉煌的往昔。 第一章：混沌初开，原始的图腾 本书的开篇，将引领读者穿越至中华文明的黎明。在这里，我们不再是冷眼旁观者，而是与祖先一同思考，一同描绘。我们将深入探讨新石器时代陶器上那充满神秘力量的几何纹饰，如绳纹、弦纹、指甲纹等，分析它们可能蕴含的对自然的敬畏、对宇宙秩序的理解。同时，我们会聚焦于仰韶文化、龙山文化等遗址中出土的代表性纹样，如鱼纹、鸟纹、太阳纹等，解析它们在早期图腾崇拜、氏族象征中的意义。我们将通过对这些朴拙而富有生命力的线条和图形的解读，理解人类最初对世界的认知方式以及艺术表达的萌芽。这一章节的重点在于，揭示纹样作为早期人类文明不可或缺的组成部分，其所蕴含的原始能量与哲学思考。 第二章：礼乐之章，王朝的序曲 进入夏商周时期，青铜文明的曙光照亮了中国纹样的第一个辉煌时期。本章将集中展示商周时期青铜器上那些令人叹为观止的纹样，如饕餮纹、夔龙纹、凤纹、虎纹等。我们将详细剖析这些纹样的造型特征、构成方式以及它们在古代宗教祭祀、政治权力象征中的重要作用。例如，饕餮纹为何会成为青铜器上的经典，它所象征的神秘力量和警示意味如何被解读？夔龙纹的龙形演变，又如何折射出不同时期人们对龙的想象？本书将通过对这些纹样的深入研究，阐释它们作为“国家礼器”的重要组成部分，如何体现了周代“礼乐文明”的时代精神，以及纹样在构建社会秩序和国家认同中的独特地位。 第三章：百花齐放，兼容并蓄的时代 秦汉时期，统一帝国的建立带来了文化的空前交流与融合。本章将重点呈现秦汉时期纹样的时代特色。我们会看到，在汉代画像石、画像砖、帛画、漆器等艺术载体上，汉代纹样呈现出更加丰富多元的面貌。例如，云气纹的飘逸灵动，几何纹样的严谨规整，动物纹样的生动写实，以及神话题材纹样的想象奇绝。我们将特别关注汉代将佛教思想、域外文化元素融入纹样创作的现象，如莲花纹的出现及其在中国本土化过程中的演变。此外，还会探讨汉代瓦当纹样的艺术价值及其在建筑装饰中的普及。这一章节旨在展现汉代纹样如何突破地域和族群的界限，以其雄浑、博大、兼容并蓄的气魄，开启了中国纹样艺术的又一个高峰。 第四章：锦绣繁华，盛世的华章 魏晋南北朝至隋唐时期，是中国历史上文化最为开放、艺术最为繁荣的时期之一。本章将带领读者领略这一时期纹样的锦绣繁华。我们将深入分析隋唐时期，尤其是唐代纹样的代表性成就。例如，唐代织锦上的宝相花纹、团窠纹、联珠纹等，其色彩绚丽、构图饱满、造型华丽，充分展现了盛唐的开放与自信。我们会关注海内外文化交流对唐代纹样的影响，如波斯萨珊王朝的联珠纹、西亚的摩尼教风格纹样如何被吸收并融入中国本土艺术体系。同时，我们将探讨唐代金银器、陶瓷器、石窟艺术中的纹样特征，如宝相花、缠枝莲、忍冬纹的广泛应用，以及动物纹样（如狮子、孔雀）的吉祥寓意。本章的重点在于，展现唐代纹样如何在吸收外来文化的基础上，创造出独具东方韵味的、充满生命力的华美篇章。 第五章：雅致内敛，文人与匠心的对话 宋代是中国历史上审美意识达到巅峰的时期，其纹样艺术也随之呈现出前所未有的精致与内敛。本章将深入探讨宋代纹样的特点，重点在于其对自然形态的高度提炼和对哲学思想的深刻体现。我们将分析宋代瓷器上的龙纹、凤纹、缠枝莲纹、花鸟纹等，解析其线条的纤细、色彩的淡雅、构图的疏朗。例如，宋代瓷器上的青绿山水、婉约仕女，与纹样之间如何形成和谐统一的整体美感。我们将关注宋代文人审美情趣对纹样的影响，如对梅、兰、竹、菊等“四君子”的偏爱，以及对自然物象的细腻观察和写实表现。此外，本章还会探讨宋代织物、漆器、铜镜上的纹样，揭示宋代纹样如何在精致中蕴含着深刻的文化内涵和哲学意境，体现了中国古代文人雅士的审美追求。 第六章：寓意深远，吉祥的图腾 明清时期，是中国传统纹样发展的一个重要阶段，此时的纹样更加注重寓意和象征，并且在技艺上达到了新的高度。本章将聚焦于明清时期纹样的吉祥寓意及其广泛应用。我们将详细解析明清时期最具有代表性的吉祥纹样，如龙凤纹（代表皇权与祥瑞）、蝙蝠纹（谐音“福”）、寿桃纹（象征长寿）、如意纹（寓意事事如意）、八宝纹（佛教八种吉祥物）、缠枝纹（寓意绵延不绝）等。我们会分析这些纹样在宫廷建筑、皇家服饰、陶瓷器、玉器、家具、屏风等各种载体上的具体呈现方式，以及它们所承载的对幸福、吉祥、长寿、多子多福等美好愿望。本书还将探讨明清时期，特别是官窑瓷器上那些繁复精美的纹饰，是如何在技术与艺术上达到极致的。这一章节旨在让读者深刻理解中国传统纹样中蕴含的丰富文化密码和深厚的民俗情感。 第七章：时代印记，近现代的演变与传承 进入近现代，中国社会经历了剧烈的变革，纹样艺术也随之产生了新的演变。本章将探讨近现代纹样在继承传统的同时，如何受到西方艺术思潮、工业革命以及社会变迁的影响。我们将分析民国时期流行的几何纹样、装饰艺术风格的纹样，以及新中国成立后，在艺术创作中出现的具有时代特征的工农兵题材纹样、民族团结纹样等。同时，我们也会关注传统纹样在现代设计、时尚产业、品牌标识中的应用与创新，探讨如何在传承经典的同时，赋予它们新的生命力和时代感。本章的重点在于，展现中国传统纹样并非一成不变，而是在历史的长河中不断演进，并依然具有强大的生命力。 第八章：解密工艺，纹样的技法与材料 除了对纹样本身的赏析，本书还将深入探讨纹样背后的工艺与材料。本章将介绍中国传统纹样是如何通过雕刻、绘制、刺绣、印染、烧造等多种工艺手法得以实现的。我们将详细解析不同材质（如青铜、陶瓷、玉石、木材、丝绸、纸张等）与纹样结合的特点，以及各种工艺在纹样表现上的独特优势。例如，青铜器上的铸造纹样与漆器上的雕刻纹样有何不同？丝绸上的织锦纹样与陶瓷器上的釉下彩纹样又有着怎样的工艺区别？通过对工艺的解读，本书将帮助读者更深入地理解纹样的物质形态和艺术价值，以及古代工匠的精湛技艺。 第九章：美的启示，传统纹样在当代设计中的价值 本书的最后一章，将目光投向当下，探讨中国传统纹样在当代设计中的价值与应用前景。我们将分析传统纹样如何在服装设计、室内设计、平面设计、产品设计等领域焕发新的生机。本书将邀请当代设计师分享他们如何从传统纹样中汲取灵感，并将其转化为符合现代审美和市场需求的作品。通过案例分析，我们会展示传统纹样如何为现代设计注入文化底蕴、东方美学和独特的叙事性，帮助设计师在激烈的市场竞争中脱颖而出。本章旨在启发读者，认识到中国传统纹样不仅是历史的遗存，更是宝贵的文化资源，具有巨大的创新潜力和广阔的应用前景。 结语：传承之光，永恒的魅力 《笔尖上的传承：中国传统纹样精选与解析》的编纂，不仅是一次对过往的回溯，更是一场对未来的展望。我们希望通过本书，能唤醒更多人对中国传统纹样的关注和热爱，理解它们背后所蕴含的深厚文化意义和艺术价值。当我们在欣赏一件精美的传统器物，或是在现代设计中遇到熟悉的纹样时，都能感受到那份跨越时空的文化传承和永恒的艺术魅力。这不仅仅是纹样的传承，更是中华民族智慧与审美的传承，是中华文明生生不息的缩影。 本书特色： 内容系统全面： 涵盖从史前到近现代，跨越数千年历史，涉及多种载体和风格的代表性传统纹样。 解读深入透彻： 不仅展示纹样，更深入剖析其造型特征、构成方式、历史渊源、文化内涵和象征意义。 图文并茂，视觉盛宴： 选用大量高清、精美的纹样图片，辅以详实的文字说明，力求呈现一场视觉与文化的双重盛宴。 学术性与趣味性并存： 既有严谨的学术研究作为支撑，又注重以生动、易懂的语言进行阐述，适合不同层次的读者。 启发性强，面向未来： 强调传统纹样在当代设计中的应用价值，为设计师和文化创意产业提供灵感和借鉴。 适合读者： 对中国传统文化、艺术史、民俗学感兴趣的读者。 从事服装设计、室内设计、平面设计、工艺美术等相关行业的专业人士。 希望深入了解中国传统纹样美学并从中汲取灵感的学生和设计师。 渴望传承和弘扬中华优秀传统文化的普通读者。 寻求文化深度与艺术美感的收藏家和鉴赏家。 《笔尖上的传承：中国传统纹样精选与解析》是一本值得珍藏和反复阅读的著作，它将带您走进一个古老而迷人的纹样世界，感受中华文明的独特魅力。

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作为一个自学美术，基础薄弱的业余爱好者，我对工具书的选择极其谨慎，因为不好的教材很容易误导方向，造成时间浪费。这本书给我最大的惊喜在于它的“可操作性”。很多专业书籍理论性太强，看了半天云里雾里，真正动笔时却发现根本不知道从哪里下刀。而这本书的步骤分解做得极其到位，几乎是手把手教你。比如说，在处理复杂场景的速写时，它提供了一套非常实用的“三步走”策略：第一步是结构捕捉，第二步是体块概括，第三步才是光影和纹理的加入。每一步都有配套的练习和小贴士。这些小贴士看似不起眼，比如“下笔要果断，犹豫是速写的大忌”，但对于像我这样容易患得患失的初学者来说，简直是救命稻草。更重要的是，它鼓励你在练习中犯错，并教会你如何从错误中快速修正，而不是一味地追求完美。这种包容和引导，让我的学习过程变得轻松而高效。

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这本书的学术深度和广度绝对超出了普通速写练习册的范畴。我注意到作者在很多基础理论的阐述上，引用了非常精炼的艺术史观点，这使得练习不再是机械性的模仿，而是在理解了绘画本质的基础上进行的创造性实践。比如，在讲解人体解剖与动态速写时，它不是简单地罗列肌肉群，而是从受力点和运动轨迹的角度去分析结构，这极大地提升了我对形态的理解力。再者，这本书在材料表现的多样性上也做得非常出色。它不局限于传统的铅笔和炭条，还涉及了钢笔速写和马克笔辅助速写的一些技巧，这对于我们未来在设计或者建筑表现领域的发展非常有益。每次练习完一个章节，我都会有一种“格局被打开”的感觉，不再只盯着眼前的对象看，而是开始思考背后的几何关系和光影逻辑。这种由表及里的学习体验，是其他速写教材所不具备的深度和视野。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种哑光处理的质感，加上烫金的字体，透露出一种低调而专业的格调。内页纸张的选择也颇为考究，不仅厚实，而且有一定的纹理感，即使用铅笔或者炭条反复涂抹也不会轻易破损，这对我们这种需要反复练习的来说太重要了。我特别喜欢它那种简洁的排版风格，没有太多花哨的装饰，所有的空间都留给了图例和练习区域。每一页的布局都经过精心设计，无论是横向还是纵向的构图练习，都有清晰的引导线和参考框架。我刚开始接触速写的时候，总觉得无从下手，但这本书的编排逻辑非常清晰，从最基础的点线面开始，逐步过渡到人体结构的简化和动态捕捉，循序渐进的过程让人感觉每一步都是扎实可靠的。特别是那些示范作品，它们的笔触处理和光影关系的把握，那种松弛中不失准确的劲道，真的很难在其他教材中学到。每次翻阅，都会被那种对“形体”的精准理解所震撼，它不仅仅是教你怎么画，更是在引导你如何“看”世界。

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我是一个参加过好几次美术联考的老考生了，坦白说，市面上关于速写的资料多如牛毛，很多都是东拼西凑或者翻译腔很重的“假洋鬼子”教程，真正能打动人、真正能提高实战水平的凤毛麟角。这本书给我的感觉是，作者对考生的痛点有着深刻的洞察。它没有停留在对经典范画的简单复制上，而是非常深入地剖析了考试中阅卷老师的评分标准和偏好。比如，在人物动态的速写部分，它详细讲解了如何用最少的几笔线快速建立起支撑线和重心，避免了那种僵硬的“摆拍”感。另外，对于静物组合的练习，这本书提供的思路非常开阔，它强调的不是细节的堆砌，而是对物体体积感和空间关系的处理。我印象最深的是关于“环境气氛”的营造，这一点很多速写书都忽略了。书中提到，如何通过背景的虚化和前景的加强来突出主体，这种成熟的绘画语言，对于想冲击高分的考生来说，简直是醍醐灌顶。看完之后，我立刻能感受到自己的画面“活”了起来，不再是孤立的物体堆砌。

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坦白说，这本书的定价在同类产品中算是不低的，但当我真正开始使用后，我觉得这笔投资绝对是值得的。它提供的不是一堆临摹的范图，而是一套完整的、可以伴随我整个美术学习生涯的“思维框架”。书中的“速写语言提炼”部分，我看了不下五遍。它教你如何将复杂的三维实体转化为具有张力和节奏感的二维符号，这才是速写的精髓所在。最让我感到实用的是，它居然专门辟出了一章来讨论如何在不同光照条件下调整你的表现侧重点，比如强烈的侧光下如何利用阴影塑造体积，以及在漫射光下如何强调轮廓线的纯粹性。这种针对性极强的教学内容，显然是基于大量的实战经验总结出来的。它真正做到了“授人以渔”，而不是“授人以鱼”。这本书对于那些追求精进，渴望从“会画”到“画得好”的进阶学习者来说，无疑是一本不可多得的良师益友。

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