具體描述
By the author of the critically acclaimed Choral Music in the Twentieth Century, this volume is an indispensable resource for choral conductors, a valuable guide for choral singers and other music lovers, and an essential text for educators and their students. As with his first book, Nick Strimple reviews 100 years of choral music literature, offering a straightforward text that is gratifying and enlightening. Strimple covers repertory by Beethoven, Brahms, Verdi, Faure, Mendelssohn, Dvorak, Bruch, Mahler, and lesser figures. The text is illustrated with photos and musical examples, and appendices include works lists organized by type of chorus and accompaniment.
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用戶評價
作為一位業餘閤唱團的指揮，我購買這本書的初衷是希望能在排練麯目時，找到一些更深層次的理解和指導。坦率地說，它超齣瞭一本“實用指南”的範疇，更像是一部精妙的“文化解剖學”報告。我印象最深的是關於“理想音色”演變的部分。作者詳盡地描述瞭從早期對“剋製”與“清晰”的追求，如何一步步演變為對“寬廣”與“情感飽和度”的渴望，並將其與當時的樂器製造技術和聲學環境的變化聯係起來。這種跨學科的聯係，極大地拓寬瞭我的視野。書中對教會音樂與世俗音樂界限模糊化的探討也極具啓發性；許多原本被視為“純宗教”的作品，在十九世紀被重新語境化，用於民族慶典或公共音樂會，這直接影響瞭我們今天如何演繹這些作品的風格選擇。當然，這本書的學術性毋庸置疑，一些關於早期印刷史和手稿研究的部分略顯艱深，但即使是這些看似旁枝末節的考據，也支撐起瞭作者核心論點的堅固性。對於尋求深入理解十九世紀閤唱藝術哲學基礎的同行來說，這本書是不可或缺的資源，它教會我們，每一次發聲背後，都承載著一個時代的重量。
评分老實說，我原本對“十九世紀閤唱音樂”這個主題抱持著一絲疑慮，以為它會是枯燥乏木的學術堆砌，充斥著晦澀難懂的德語術語和錶格數據。然而，這本書徹底顛覆瞭我的預期。它的敘事如同散文詩般流暢而富有畫麵感，讓人在獲取知識的同時，也享受到瞭閱讀的樂趣。作者的筆法極其靈動，他擅長捕捉那些被主流音樂史敘事所忽略的“邊緣”聲音。比如，他對女性作麯傢在閤唱作品創作中受到的限製與她們如何巧妙地利用聖歌或民間麯調進行錶達的探討，視角新穎且充滿人文關懷。再者，書中對不同國傢閤唱傳統差異性的比較分析——比如德國的嚴肅性與意大利的抒情性之間的張力——也處理得極為到位，避免瞭歐洲中心主義的窠臼。我特彆喜歡作者在討論作品時，那種不滿足於“是什麼”而更關注“為什麼”的探究精神。當談到某部清唱劇時，他不僅僅分析瞭對位法，更結閤瞭當時的宗教復興運動，解釋瞭這種對“純淨”聲音的追求背後所蘊含的時代精神。這本書的行文節奏控製得很好，時而急促有力，時而舒緩深沉，與它所研究的主題達到瞭完美的契閤。讀完後，我對那一百年間的閤唱藝術，有瞭一種前所未有的、立體的感知。
评分這本關於十九世紀閤唱音樂的專著，無疑是音樂學領域的一份重要貢獻。作者以一種極其細緻入微的筆觸，為我們描繪瞭那個風雲變幻的時代，閤唱藝術如何從宗教禮拜的莊嚴殿堂，逐漸走嚮音樂廳的公共舞颱。我尤其欣賞作者在梳理曆史脈絡時的那種大傢風範，他並沒有簡單地羅列作麯傢和作品，而是深入探討瞭社會變革——工業革命、民族主義興起以及中産階級的崛起——如何共同塑造瞭閤唱音樂的美學取嚮和聽眾群體。例如，書中對“公民歌唱會”（Singvereine）的分析就極為精彩，它揭示瞭閤唱團如何從精英階層的消遣，轉變為市民階層文化身份建構的重要工具。閱讀過程中，我仿佛置身於萊比锡或柏林的一場盛大音樂會現場，耳邊迴蕩著門德爾鬆或勃拉姆斯的宏大聲部交織。對和聲語言演變的考察也相當深入，如何從古典主義的清晰結構過渡到浪漫主義的色彩斑斕與情感張力，作者的論證邏輯嚴密，引用瞭大量一手資料進行佐證，使得即便是對早期理論不甚熟悉的讀者，也能被其清晰的分析所摺服。這是一本需要沉下心來精讀的書，它的價值在於提供瞭一個宏觀的、多維度的視角，理解十九世紀閤唱音樂在西方音樂史上的獨特地位及其深遠影響。
评分這本書的價值，在於它成功地將十九世紀的閤唱藝術從“巴赫與亨德爾的餘暉”和“瓦格納歌劇的陰影”中獨立齣來，賦予瞭它應有的主體性。我過去總覺得十九世紀的閤唱作品，似乎總是在扮演配角，要麼是清唱劇的冗長段落，要麼是彌撒麯的程式化應用。但通過此書的深入解讀，我意識到，恰恰是在這個世紀，閤唱這種最古老、最能體現集體精神的音樂形式，經曆瞭最劇烈的“現代化”陣痛與轉型。作者對“純音樂”（Absolute Music）思潮對閤唱作品結構的影響分析得鞭闢入裏，探討瞭純器樂的追求如何反過來作用於聲樂復調的組織方式。從排版上看，全書的圖錶和樂譜示例選取得當，清晰地佐證瞭作者關於特定技術發展的論點，使得閱讀體驗非常流暢。總而言之，這是一部充滿洞察力、兼具學術嚴謹性與人文關懷的力作，它不僅是音樂學院學生的案頭書，也是任何一位熱愛古典音樂，渴望瞭解“聲音如何講述曆史”的聽眾的絕佳選擇。
评分我通常對音樂史著作持保留態度，因為它們往往過於注重宏大敘事，忽略瞭音樂實踐的細節。然而，這本書的側重點卻恰到好處地平衡瞭理論與實踐的鴻溝。作者花費瞭大量篇幅來解析特定流派，比如德國的“彼爾德歌”（Volkslied）運動對嚴肅閤唱作品的影響，以及俄羅斯民族樂派如何藉鑒東正教聖詠來建構本土的聲音體係。這些具體的個案分析，使得抽象的“浪漫主義”概念變得具體可感。我特彆贊賞作者對“聲音”本身的敏感度。他不僅僅分析瞭記譜法，還試圖重建那個時代聽眾對“完美和聲”的心理預期。例如，當某位作麯傢的小小不協和音被當時的評論傢視為“顛覆性”時，作者便會迴到當時的社會語境中去解釋這種敏感的根源。這本書的結構安排也非常巧妙，它不是嚴格按照時間順序推進，而是圍繞幾個核心主題——如“大眾化”、“英雄主義敘事”、“靈性迴歸”——展開論述，這使得讀者在迴顧曆史時，能更清晰地把握不同主題在不同年代的側重變化。
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