具体描述
By the author of the critically acclaimed Choral Music in the Twentieth Century, this volume is an indispensable resource for choral conductors, a valuable guide for choral singers and other music lovers, and an essential text for educators and their students. As with his first book, Nick Strimple reviews 100 years of choral music literature, offering a straightforward text that is gratifying and enlightening. Strimple covers repertory by Beethoven, Brahms, Verdi, Faure, Mendelssohn, Dvorak, Bruch, Mahler, and lesser figures. The text is illustrated with photos and musical examples, and appendices include works lists organized by type of chorus and accompaniment.
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读后感
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用户评价
这本关于十九世纪合唱音乐的专著，无疑是音乐学领域的一份重要贡献。作者以一种极其细致入微的笔触，为我们描绘了那个风云变幻的时代，合唱艺术如何从宗教礼拜的庄严殿堂，逐渐走向音乐厅的公共舞台。我尤其欣赏作者在梳理历史脉络时的那种大家风范，他并没有简单地罗列作曲家和作品，而是深入探讨了社会变革——工业革命、民族主义兴起以及中产阶级的崛起——如何共同塑造了合唱音乐的美学取向和听众群体。例如，书中对“公民歌唱会”（Singvereine）的分析就极为精彩，它揭示了合唱团如何从精英阶层的消遣，转变为市民阶层文化身份建构的重要工具。阅读过程中，我仿佛置身于莱比锡或柏林的一场盛大音乐会现场，耳边回荡着门德尔松或勃拉姆斯的宏大声部交织。对和声语言演变的考察也相当深入，如何从古典主义的清晰结构过渡到浪漫主义的色彩斑斓与情感张力，作者的论证逻辑严密，引用了大量一手资料进行佐证，使得即便是对早期理论不甚熟悉的读者，也能被其清晰的分析所折服。这是一本需要沉下心来精读的书，它的价值在于提供了一个宏观的、多维度的视角，理解十九世纪合唱音乐在西方音乐史上的独特地位及其深远影响。
评分我通常对音乐史著作持保留态度，因为它们往往过于注重宏大叙事，忽略了音乐实践的细节。然而，这本书的侧重点却恰到好处地平衡了理论与实践的鸿沟。作者花费了大量篇幅来解析特定流派，比如德国的“彼尔德歌”（Volkslied）运动对严肃合唱作品的影响，以及俄罗斯民族乐派如何借鉴东正教圣咏来建构本土的声音体系。这些具体的个案分析，使得抽象的“浪漫主义”概念变得具体可感。我特别赞赏作者对“声音”本身的敏感度。他不仅仅分析了记谱法，还试图重建那个时代听众对“完美和声”的心理预期。例如，当某位作曲家的小小不协和音被当时的评论家视为“颠覆性”时，作者便会回到当时的社会语境中去解释这种敏感的根源。这本书的结构安排也非常巧妙，它不是严格按照时间顺序推进，而是围绕几个核心主题——如“大众化”、“英雄主义叙事”、“灵性回归”——展开论述，这使得读者在回顾历史时，能更清晰地把握不同主题在不同年代的侧重变化。
评分这本书的价值，在于它成功地将十九世纪的合唱艺术从“巴赫与亨德尔的余晖”和“瓦格纳歌剧的阴影”中独立出来，赋予了它应有的主体性。我过去总觉得十九世纪的合唱作品，似乎总是在扮演配角，要么是清唱剧的冗长段落，要么是弥撒曲的程式化应用。但通过此书的深入解读，我意识到，恰恰是在这个世纪，合唱这种最古老、最能体现集体精神的音乐形式，经历了最剧烈的“现代化”阵痛与转型。作者对“纯音乐”（Absolute Music）思潮对合唱作品结构的影响分析得鞭辟入里，探讨了纯器乐的追求如何反过来作用于声乐复调的组织方式。从排版上看，全书的图表和乐谱示例选取得当，清晰地佐证了作者关于特定技术发展的论点，使得阅读体验非常流畅。总而言之，这是一部充满洞察力、兼具学术严谨性与人文关怀的力作，它不仅是音乐学院学生的案头书，也是任何一位热爱古典音乐，渴望了解“声音如何讲述历史”的听众的绝佳选择。
评分老实说，我原本对“十九世纪合唱音乐”这个主题抱持着一丝疑虑，以为它会是枯燥乏木的学术堆砌，充斥着晦涩难懂的德语术语和表格数据。然而，这本书彻底颠覆了我的预期。它的叙事如同散文诗般流畅而富有画面感，让人在获取知识的同时，也享受到了阅读的乐趣。作者的笔法极其灵动，他擅长捕捉那些被主流音乐史叙事所忽略的“边缘”声音。比如，他对女性作曲家在合唱作品创作中受到的限制与她们如何巧妙地利用圣歌或民间曲调进行表达的探讨，视角新颖且充满人文关怀。再者，书中对不同国家合唱传统差异性的比较分析——比如德国的严肃性与意大利的抒情性之间的张力——也处理得极为到位，避免了欧洲中心主义的窠臼。我特别喜欢作者在讨论作品时，那种不满足于“是什么”而更关注“为什么”的探究精神。当谈到某部清唱剧时，他不仅仅分析了对位法，更结合了当时的宗教复兴运动，解释了这种对“纯净”声音的追求背后所蕴含的时代精神。这本书的行文节奏控制得很好，时而急促有力，时而舒缓深沉，与它所研究的主题达到了完美的契合。读完后，我对那一百年间的合唱艺术，有了一种前所未有的、立体的感知。
评分作为一位业余合唱团的指挥，我购买这本书的初衷是希望能在排练曲目时，找到一些更深层次的理解和指导。坦率地说，它超出了一本“实用指南”的范畴，更像是一部精妙的“文化解剖学”报告。我印象最深的是关于“理想音色”演变的部分。作者详尽地描述了从早期对“克制”与“清晰”的追求，如何一步步演变为对“宽广”与“情感饱和度”的渴望，并将其与当时的乐器制造技术和声学环境的变化联系起来。这种跨学科的联系，极大地拓宽了我的视野。书中对教会音乐与世俗音乐界限模糊化的探讨也极具启发性；许多原本被视为“纯宗教”的作品，在十九世纪被重新语境化，用于民族庆典或公共音乐会，这直接影响了我们今天如何演绎这些作品的风格选择。当然，这本书的学术性毋庸置疑，一些关于早期印刷史和手稿研究的部分略显艰深，但即使是这些看似旁枝末节的考据，也支撑起了作者核心论点的坚固性。对于寻求深入理解十九世纪合唱艺术哲学基础的同行来说，这本书是不可或缺的资源，它教会我们，每一次发声背后，都承载着一个时代的重量。
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