鸽/中国画技法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:福建美术出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2008

价格:18.00

装帧:

isbn号码:9787539319162

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
• 绘画技法
• 绘画教学
• 艺术
• 绘画
• 鸽子
• 绘画入门
• 技法
• 艺术设计
• 绘画技巧

《飞羽织锦：翎羽之韵与写意中国画》 本书并非详尽的中国画技法全集，也非仅限于鸽子这一特定题材的绘画指南。相反，它是一场关于“意”的探索，一次关于“神”的捕捉，一次关于“韵”的传递。它旨在带领读者从一个全新的视角，去理解和实践中国画的写意精神，并以此触类旁通，领悟描绘自然万物的共通之道。 核心理念：写意，是形似之上的神韵之舞 中国画的精髓在于“写意”，这并非是对物象的简单模仿，而是对生命力的提炼和精神气质的传达。本书将深入剖析“写意”的内涵，从墨的浓淡枯湿、线的刚柔顿挫、色的冷暖虚实等基本笔墨元素入手，讲解如何通过这些抽象的语言，唤醒纸上的生命。我们并非要教您如何画出一只逼真的鸽子，而是通过对鸽子形态、动态、神态的观察与理解，引申出如何捕捉自然界中普遍存在的“飞羽之姿”、“生命之动”。 笔墨的呼吸：不止于形，更在于气 本书将重点阐述如何让笔墨“活”起来。我们将探讨： 墨的七情六欲： 如何利用墨色的变化，表现出物象的体积感、空间感，甚至情绪。从焦墨的苍劲，到湿墨的灵动，再到淡墨的虚灵，每一种墨色都蕴含着不同的表现力。 线的千姿百态： 线条在中国画中不仅是轮廓，更是生命力的载体。我们将学习如何运用不同力道、速度和方向的线条，勾勒出物体的结构，表现其质感，甚至传递其情绪。粗犷的写意线条如何营造力量感，细腻的工笔线条又如何展现精致，两者如何融会贯通，写意与工笔的界限将变得模糊。 色的点染与渲染： 色彩在中国画中并非独立存在，而是与笔墨相互依存。本书将讲解如何以色助墨，以墨显色，如何运用“破墨”、“积墨”、“点染”等技法，赋予画面色彩的层次感和生命力。色彩的冷暖、明暗、纯度如何营造不同的氛围，如何烘托主题。 意境的营造：从微观到宏观的视野拓展 “意”是中国画的灵魂。本书将引导读者超越对单一物象的描绘，进入更广阔的意境营造。 观察的艺术： 我们将学习如何透过表象，深入观察物体的内在结构、运动规律和精神气质。以鸽子为例，不仅仅是观察羽毛的纹理，更是感受它在风中振翅的轻盈，在地面啄食的专注，以及群体飞翔时的默契。这种观察方式，可以迁移到对山石的巍峨、流水的情态、花鸟的生机等任何题材的描绘中。 “象”与“意”的转换： 如何将眼睛看到的“象”，通过笔墨转化为画家心中的“意”。这涉及到笔墨的提炼、概括和情感的注入。我们不会教您画多少根羽毛，而是如何用几笔勾勒出羽毛的蓬松与灵动，如何用墨点的叠加表现身体的饱满与张力。 留白的力量： 中国画的留白并非“空”，而是“气”，是想象的空间，是意境的延展。我们将探讨如何在画面中巧妙地运用留白，以达到“言有尽而意无穷”的效果。留白如何引导观者的视线，如何衬托主体，如何营造画面的呼吸感。 技法的融通：触类旁通，举一反三 虽然本书可能以“羽”为引，但其核心在于“技法”的融通性。 笔墨的通用性： 描绘飞羽的笔墨语言，同样适用于描绘山峦的起伏、树木的虬曲、人物的动态。例如，表现羽毛的轻盈飘逸，与表现流水潺潺的笔触，都可能共享相似的用笔技巧。 神韵的共通性： 捕捉生命的神韵，是所有中国画创作的终极目标。本书将引导读者建立起一种“写神”的意识，这种意识一旦建立，便能应用于描绘任何有生命的事物，无论是动物、植物还是人物。 构图的呼吸： 画面构图并非孤立存在，而是与笔墨、意境相互呼应。我们将探讨如何通过构图，引导观者的视线，营造画面的动感与节奏，让画面“活”起来。 本书的价值 本书的价值不在于提供一套死板的教程，而在于激发读者的创造力，培养读者的审美情趣，提升读者的绘画表现力。它将带领您： 摆脱描摹的束缚： 学习如何从“形似”走向“神似”，掌握写意画的精神。 丰富笔墨的语言： 深入理解墨、线、色的运用，拓展您的笔墨表现空间。 提升意境的营造能力： 学会如何通过画面传达深邃的意境和情感。 开启万物皆可画的自信： 掌握写意精神，便能触类旁通，自信地描绘自然万物。 《飞羽织锦：翎羽之韵与写意中国画》是一场心灵的旅行，一次艺术的启蒙。它邀请您一同走进中国画写意精神的殿堂，用手中的笔，去描绘心中的万千气象。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书在引入现代视角来审视传统技法方面做得非常出色，它并未将传统束之高阁，而是巧妙地将古人的智慧与当代画家的实践经验进行了有趣的对话。例如，在讨论界画的结构严谨性时，作者穿插了几位现当代大家在处理城市景观时的笔墨取舍，这使得原本略显生硬的“格律”变得更加鲜活和富有生命力。书中对“笔墨精神”的探讨，跳脱出了传统学院派的窠臼，更加强调个性表达在继承基础上的重要性。它鼓励读者在掌握了扎实的传统功底后，要敢于破局，将个人独特的生命体验融入到笔墨之中，而不是成为古人技法的“复印机”。这种鼓励创新又根植传统的态度，让人读来倍感振奋，激发了强烈的创作欲望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材角度非常独特，它没有陷入对某一个朝代或某一位大师风格的简单复刻，而是以一种更宏观的视角，去探讨中国画中“意象”的表达核心。它深入地剖析了中国哲学中“气”与“韵”的概念，并阐述了这些抽象概念是如何通过墨分五色的微妙变化，以及线条的提按顿挫来物化的。我特别喜欢其中关于“计白当黑”的章节，作者用极其精炼的文字，阐明了“留白”并非空无一物，而是构建画面空间和节奏感的关键要素，这种对空间哲学的解读，让我对传统绘画的理解上升到了一个新的维度。这已经超越了一本纯粹的技法书范畴，更像是一部关于东方审美的入门指南，它引导读者去感受作品的内在生命力，而非仅仅停留在表面的形似。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，纸张的质感厚实而富有韧性，拿在手里就能感受到匠心独运。尤其是封面那幅留白恰到好处的写意山水，寥寥数笔却意境深远，光影的过渡处理得极其自然，仿佛能从中嗅到松针与湿润泥土的气息。内页的印刷色彩饱满而精准，即便是那些极细微的墨色层次变化，也忠实地还原了原作的风貌。装订工艺牢固，翻阅起来非常顺畅，完全不必担心书脊会受损，这对于经常需要摊开临摹的艺术爱好者来说，无疑是个巨大的加分项。更值得称道的是，排版布局的疏密有致，每一页的留白都处理得恰到好处，既避免了内容的拥挤感，又营造出一种东方美学特有的“气韵生动”，让人在阅读和学习的过程中，心绪能够沉静下来，专注于每一个细节的揣摩。从触感到视觉，这本书都传递出一种对传统艺术的深深敬意，绝非市面上那些粗制滥造的画册所能比拟。

评分☆☆☆☆☆

对于我这样一位痴迷于传统山水画多年的业余爱好者来说，这本书提供的“疑难杂症”解答部分简直是及时雨。很多在临摹中遇到的瓶颈，比如如何处理云雾缭绕时树木的边缘模糊感，或者如何让远处的山峦显出那种虚无缥缈的“空气透视”，以往都苦于找不到系统的解释。书中针对这些常见困惑，提供了多种解决方案的对比分析，比如用淡墨晕染的“破墨法”与用干笔扫擦的“擦皴法”在表现不同湿度和距离时的效果差异。这种实战导向的解析，极大地拓宽了我的创作思路，让我知道原来面对同一个题材，可以有如此多层次和情绪的变化。它就像一位经验丰富的老前辈，在你迷茫时递过来一盏清晰的灯笼，指引你走出纠结的小径。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏作者在技法解析上的那份严谨与耐心，简直是把我这个初学者从最基础的“握笔”姿势开始，一步一步地牵引进了国画的宏大世界。那些关于“皴法”的讲解，不再是干巴巴的术语堆砌，而是通过大量清晰的范例和步骤图，将那些看似玄奥的笔触，拆解成了可操作性的训练单元。比如，对于披麻皴的处理，书中不仅展示了如何通过干湿浓淡来表现不同岩石的肌理，还细致地分析了运用这些皴法时，画家心境和观察角度的变化。这种由表及里、由技入道的阐述方式，极大地降低了学习的心理门槛，让我不再畏惧那些复杂的山石结构。相比其他只停留在表象描摹的教材，这本书真正做到了“授人以渔”，让我明白每一种笔法的背后，都蕴含着对自然形态的深刻理解，这才是真正有价值的传承。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆