Der kommerzielle Hindi-Film der 90er Jahre vs. New Bollywood pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Vdm Verlag Dr. Müller

作者:Katja Schulze

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2008-02

价格:EUR 59.00

装帧:Broschiert

isbn号码:9783836457712

丛书系列:

图书标签:

• Hindi-Film
• Bollywood
• Indische Kinematographie
• Filmstudien
• Kulturwissenschaften
• Popkultur
• 90er Jahre
• New Bollywood
• Kommerzieller Film
• Indien

九十年代商业宝莱坞电影风云录：昔日辉煌的黄金时代 本书将带您重温九十年代，那个宝莱坞电影产量爆炸、创意迸发、风格独特而又极具影响力的黄金时代。当“New Bollywood”——新世纪的宝莱坞——以其崭新的面貌与观众见面时，我们不禁回首过去，审视那个塑造了现代印度电影基石的十年。本书并非对“New Bollywood”的直接解读，而是旨在深入剖析九十年代商业宝莱坞电影的独特魅力、艺术手法、叙事模式及其在印度社会和全球文化中所扮演的角色。 一、 时代浪潮中的宝莱坞：经济开放与文化嬗变 九十年代，印度经济改革的春风吹拂，为宝莱坞带来了前所未有的机遇和挑战。市场化的浪潮席卷而来，电影制作、发行和放映机制发生了深刻变革。大量资本涌入，电影的商业属性被前所未有地强化。与此同时，全球化的进程也逐渐影响着印度社会，外来文化元素开始渗透，为宝莱坞的创作注入了新的活力。 在这样的背景下，九十年代的商业宝莱坞电影呈现出一些鲜明的特征： 歌舞的集大成与创新： 歌舞一直是宝莱坞电影不可分割的组成部分。九十年代的歌舞场面在保持其华丽、热情、感染力的同时，也迎来了新的发展。音乐风格更加多样化，融合了迪斯科、流行、摇滚乃至一些西方电子音乐元素。舞蹈编排也更加精致、富有表现力，有时甚至超越了简单的叙事功能，成为一种独立的视觉奇观。许多歌曲至今仍是印度流行音乐的经典之作，其影响力延续至今。 叙事模式的成熟与演变： 九十年代的商业电影在叙事结构上更加成熟和多元。经典的“爱恨纠葛”题材依然是主流，但叙事节奏更加紧凑，情节设置也更加精巧，善于制造高潮和戏剧冲突。家族恩怨、社会 injustice、友情与背叛等主题得到深入挖掘。同时，一些电影开始尝试更具现实意义的题材，例如对贫富差距、社会不公、政治腐败的隐晦批判，虽然其商业属性决定了这些批判往往以一种较为温和、娱乐化的方式呈现。 巨星时代的辉煌： 九十年代是宝莱坞巨星辈出的时代。阿米尔·汗（Aamir Khan）、沙鲁克·汗（Shah Rukh Khan）、萨尔曼·汗（Salman Khan）这“三汗”的崛起，以及女演员如玛杜丽·迪克西特（Madhuri Dixit）、卡卓儿（Kajol）的盛放，他们凭借出色的演技、独特的个人魅力和强大的票房号召力，成为了印度电影的代名词。本书将深入探讨这些巨星如何在那个年代塑造了电影的风格，以及他们与作品之间相辅相成的关系。 视觉风格的升级： 随着技术的发展和市场需求的提升，九十年代的宝莱坞电影在视觉呈现上也迈上了新台阶。摄影、灯光、美术设计、服装造型等方面都更加精美和考究。色彩的运用更加大胆鲜艳，场景的搭建更加宏伟壮观，尤其是在歌舞片段的拍摄中，力求营造出令人目眩神迷的视觉效果。 二、 经典作品的剖析：九十年代商业宝莱坞的代表作 本书将选取一系列九十年代具有代表性的商业宝莱坞电影进行深入分析。这些影片不仅在票房上取得了巨大成功，也在一定程度上引领了当时的潮流，并对后来的电影发展产生了深远影响。我们将不仅仅是简单地介绍剧情，而是会从以下几个维度进行解读： 主题的挖掘： 影片所探讨的爱情观、家庭观、价值观，以及它们如何反映当时的社会风貌和文化思潮。 人物塑造： 核心角色的性格特征、成长弧线、以及他们所代表的社会群体或人生理念。 叙事技巧： 影片的开端、发展、高潮、结局是如何构建的，对观众情绪的引导和情绪的释放。 音乐与舞蹈的融合： 歌曲和舞蹈如何在叙事中发挥作用，如何推动情节，如何表达人物情感，以及其独特的艺术表现力。 视觉语言的运用： 摄影、剪辑、色彩、布景等元素如何共同营造影片的氛围和风格。 商业元素的运用： 影片如何在保持艺术性的同时，最大限度地满足市场需求，如何平衡艺术追求与商业利益。 通过对这些经典作品的细致剖析，我们可以更清晰地看到九十年代商业宝莱坞电影的创作逻辑、审美趣味以及其在文化传播中的重要作用。 三、 电影与社会：九十年代宝莱坞的文化印记 九十年代的商业宝莱坞电影不仅仅是娱乐产品，它们也深刻地反映了当时的印度社会，并在一定程度上塑造了公众的认知和价值观。 社会变迁的折射： 随着经济的开放，消费主义开始抬头，影片中对物质享受的描绘，对都市生活的展现，都反映了这种社会变迁。同时，对传统家庭价值观的强调，对社会责任的呼唤，也体现了印度社会在快速发展中的文化张力。 女性角色的演变： 九十年代的宝莱坞电影中，女性角色在一定程度上摆脱了以往的刻板印象，开始展现出更多的独立性和自主性，虽然这种独立性往往是在传统框架内的演变。玛杜丽·迪克西特等女演员的表演，也为观众展现了不同类型的女性魅力。 对全球文化的吸收与融合： 印度电影在九十年代也更加积极地吸收外来文化元素，例如好莱坞电影的叙事技巧、音乐风格等。这种吸收与融合，使得宝莱坞电影在保持本土特色的同时，也逐渐走向国际化。 民族身份的构建： 在全球化浪潮中，电影作为一种重要的文化载体，也在一定程度上起到了构建和巩固民族身份的作用。宝莱坞电影通过对印度文化、传统、价值观的展现，向世界传递着印度的声音。 四、 传承与影响：九十年代宝莱坞的持久生命力 九十年代的商业宝莱坞电影，以其独特的魅力和强大的生命力，为“New Bollywood”奠定了坚实的基础。本书的研究将有助于我们理解： “New Bollywood”的渊源： “New Bollywood”并非横空出世，它在很大程度上是九十年代商业宝莱坞电影发展逻辑的延续和创新。许多叙事模式、审美取向、甚至是巨星的培养方式，都可以在九十年代找到其根源。 经典作品的再解读： 九十年代的许多经典影片，至今仍受到观众的喜爱，并在互联网时代焕发出新的生命力。通过本书的分析，我们可以更深入地理解这些影片经久不衰的原因。 商业模式的演进： 九十年代的商业电影制作和发行模式，为后来的宝莱坞电影产业化发展提供了宝贵的经验和启示。 本书并非一个对“New Bollywood”的简单对比或评判，而是希望通过对九十年代商业宝莱坞电影这一重要历史时期的深入挖掘和细致梳理，为读者提供一个更全面、更深入的视角，去理解印度电影发展脉络中的重要一环，去感受那个时代宝莱坞电影所散发的独特光芒。

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说实话，我最初拿起这本书，是带着一点点对“商业片”的偏见。总觉得那不过是重复套路、粗制滥造的代名词。然而，这本书彻底颠覆了我的固有印象。它以一种近乎人类学田野调查的严谨态度，解构了九十年代那些看似俗套的故事是如何精确地满足了特定历史时期的集体心理需求。作者对于‘符号学’的运用堪称一绝，比如，对于‘纱丽’和‘西式服装’在男女主角身上的轮番切换，如何象征着传统与现代价值观的拉扯，分析得入木三分。更让我感到惊喜的是，书中居然还穿插了关于发行渠道和影院运营模式的商业案例，这使得这本书的厚度远超一般的电影评论集，更像是一部关于印度文化产业发展史的侧写。那些关于“宝莱坞模式”如何形成、如何抵御好莱坞冲击的章节，读起来简直让人热血沸腾，那是一种文化自信的重建过程。它让我明白，一部商业电影，如果能做到极致的工业化水准和精准的文化投射，其价值是无可估量的。

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这本书的阅读体验，像是一场穿越时空的马拉松，酣畅淋漓却又让人意犹未尽。我尤其欣赏作者在比较“旧商业片”与“新宝莱坞”时所采取的辩证视角。这绝非简单的“今不如昔”或“今胜于昔”的二元对立，而是一种复杂的、多维度的张力呈现。作者巧妙地运用了大量的案例分析，比如某部九十年代的经典动作片如何通过其特定的视觉语言和道德观构建起当时的社会共识，而新世纪的作品又是如何通过更具国际化的叙事技巧和主题（比如全球化带来的身份认同危机）来迎合新一代观众的口味。这种对比不是生硬的切割，而是展现了一种文化流变中的继承与断裂。那些对于配乐、服装、以及明星制度变迁的论述，都极具启发性。读到关于‘情感的过度表达’在九十年代如何作为一种商业策略存在时，我忍不住回想起自己童年时期看那些电影的感受——那种夸张的哭闹和英雄主义，原来背后有着如此精密的市场计算。整本书的逻辑脉络清晰，但又不失文采，作者的笔力着实老辣。

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坦率地说，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但其可读性同样出色，这对于非专业读者而言是极大的福音。作者避免了过多的专业术语堆砌，而是用一种非常流畅、充满激情的笔调，将复杂的产业经济学和文化人类学理论融入到对具体电影片段的赏析之中。我特别喜欢最后几章，作者对‘明星权力’的分析，探讨了德鲁夫·卡普尔式的巨星如何被市场塑造成一个具有神性的商业符号，以及这种符号如何在世纪之交开始松动。这种对权力结构变化的关注，让整本书的视野从单纯的电影文本拓展到了更广阔的社会政治经济场域。它不仅仅是关于电影的，更是关于印度在快速现代化进程中，其大众文化如何自我定位和表达的深刻反思。读完后，我对“商业成功”的定义都有了更宽泛的理解，它不再仅仅是票房数字，更是一种文化共识的短暂凝固。这本书，绝对是研究当代南亚流行文化不可绕过的里程碑式著作。

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这本书的结构安排非常精妙，不是线性的时间叙事，而是围绕着几个核心的主题概念展开，像剥洋葱一样层层递进。我最欣赏的是作者在讨论“怀旧”这一概念时的深刻性。九十年代的电影，如今看来，是新宝莱坞观众“怀旧”的对象；但当时，它们本身就是对六七十年代黄金时代的某种“新式怀旧”的商业化重塑。作者成功地揭示了这种“怀旧的怀旧”是如何在商业操作中被不断地消费和再生产的。文字的密度很高，信息量爆炸，但绝不令人感到疲惫，这得益于作者极富画面感的描述。比如，描述某个场景的灯光或某个舞步的细节时，仿佛我能闻到电影院里爆米花的味道。对于那些试图理解印度流行文化全球传播机制的人来说，这本书提供了绝佳的分析框架，它让我们看到，商业化并不是文化纯洁性的敌人，而恰恰是文化生命力得以延续的催化剂。

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这本书的封面设计真是太抓人了，那种粗粝的复古质感，一下子就把我拉回了那个汗水与歌舞齐飞的九十年代宝莱坞。我记得第一次翻开它的时候，就被那种对时代背景的细腻描摹所吸引。作者似乎非常擅长捕捉时代脉搏，不仅仅是梳理了那些票房奇迹背后的商业逻辑，更是深入挖掘了文化和社会心态的变迁。比如，书中对于90年代印度中产阶级的崛起如何影响电影主题的探讨，就让我大为震撼。我一直以为那些老电影只是单纯的娱乐产品，但读完后才意识到，它们其实是特定社会阶层焦虑与梦想的折射。特别是作者对‘家庭’这一核心概念在不同时期叙事中的微妙转化的分析，简直是教科书级别的。那种深入骨髓的洞察力，让你不得不佩服作者在田野调查和文献梳理上下了多少苦功。书中的语言风格时而如同学术论文般严谨，时而又像老影迷间的私密对谈，这种张弛有度的叙述，使得即便是对电影史不太了解的读者，也能轻松地进入这个光怪陆离的世界。我特别喜欢其中关于‘歌曲编排’如何服务于叙事节奏的章节，简直是揭秘了‘好莱坞式’叙事结构在印度语境下的本土化实践的精髓所在。

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