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出版者:Phaidon Press Ltd

作者:Laura Mulvey

出品人:

页数:160

译者:

出版时间:1995-10-05

价格:GBP 27.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780714833484

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• ideal
• 雕塑
• 装置艺术
• 土著艺术
• 当代艺术
• 美国艺术
• 艺术史
• 文化评论
• 政治艺术
• 后现代主义
• 艺术理论

这是一本关于艺术、文化和身份的深度探索，它并非局限于任何单一的理论框架或艺术流派。本书着重于考察当代艺术如何回应和解构历史叙事，以及艺术家如何通过他们的作品来挑战、重塑我们对世界的认知。 书中，作者深入探讨了全球化背景下，不同文化之间交流与碰撞所产生的复杂张力。它审视了那些在边缘地带创作的艺术家们，他们如何利用自身的经验和视角，为我们呈现出超越传统宏大叙事的独特理解。这种理解，往往植根于具体的历史情境、个人记忆以及对社会结构和权力关系的深刻反思。 本书的论述并非线性发展，而是通过一系列精选的案例分析，展现出当代艺术的多样性和实验性。这些案例涵盖了雕塑、装置、影像、表演等多种媒介，它们共同指向了艺术在当下社会中所扮演的关键角色——它不仅是美的载体，更是思考的工具，是连接个体与集体、过去与现在、想象与现实的桥梁。 作者在分析中，特别关注了材料的运用和空间的关系。作品中的材料往往承载着丰富的文化符号和历史信息，它们的组合与并置，能够引发观看者关于来源、意义和价值的多重联想。同时，作品所处的空间，无论是画廊、公共场所还是特定的历史遗迹，都与作品本身形成了密不可分的互动，共同构成一个完整的意义场域。 此外，本书也探讨了身份认同的流动性和建构性。在日益多元化的社会中，个体身份不再是单一固定的概念，而是不断被协商、被定义、被重塑的过程。艺术作品以其独特的敏感性，捕捉并呈现了这种身份的复杂性，以及个体在面对历史、文化、政治等多重力量时的挣扎与表达。 这本书尤其适合那些对当代艺术发展趋势、文化批判理论以及身份政治议题感兴趣的读者。它鼓励读者以一种开放、批判的姿态去观看和理解艺术，去发现隐藏在作品背后的深层含义，去思考艺术在塑造我们理解世界方式中的力量。通过阅读此书，读者将能够深化对艺术与其所处社会文化语境之间关系的理解，并获得一种全新的视角来审视我们所身处的时代。 它所呈现的艺术实践，往往具有一种“在场感”和“即时性”，艺术家们并非仅仅复制或模仿，而是通过一种积极的、参与性的方式，与现实世界发生联系。这种联系，有时是直接的介入，有时是间接的隐喻，但都指向了艺术作为一种具有社会担当的力量。 本书也涉及到了对“他者”的观看和呈现。在历史叙事中，常常存在着被压抑、被边缘化的声音。当代艺术家通过他们的作品，试图重新激活这些被遗忘的记忆，让那些曾经沉默的群体得以发声，从而挑战和修正那些单方面的、具有偏见的叙事。这种对多元视角的关注，是理解当代艺术不可或缺的一部分。 对于那些寻求对艺术有更深刻理解，希望超越表面形式，触及艺术背后思想内核的读者而言，这本书提供了一扇重要的窗口。它所引导的思考，是关于如何通过艺术来理解复杂的世界，如何认识到艺术在塑造我们感知、情感和价值观方面所起到的重要作用。 本书并非提供一套既定的答案，而是提出问题，激发思考。它鼓励读者在阅读过程中，将自身的生活经验、文化背景与之相结合，从而形成属于自己的独特解读。这正是当代艺术的魅力所在——它邀请观看者成为积极的参与者，共同创造意义。 本书的写作风格力求清晰、流畅，同时又不失学术的严谨性。作者在引述相关理论和学者的观点时，能够做到恰到好处，并能在此基础上提出自己独到的见解。这种平衡，使得本书既有学术的深度，又不至于过于晦涩难懂，能够为广泛的读者群体所接受。 总而言之，这是一本关于当代艺术如何作为一种认识和实践世界的方式的著作。它探讨了艺术如何回应历史、文化、身份等复杂议题，以及艺术家如何通过他们的创造性实践，挑战、重塑我们对世界的理解。它鼓励读者以一种更开放、更具批判性的态度来审视艺术，从而更深刻地理解艺术在当代社会中的价值和意义。

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这是一部真正意义上的“跨界之作”，它的阅读体验横跨了艺术史、人类学乃至社会学的多个领域，但它巧妙地避开了任何一个学科的窠臼。作者的博学是显而易见的，但更难得的是他能将那些深奥的概念，通过一系列极具画面感的比喻转化为可感知的经验。例如，他对“边界”的论述，不再仅仅停留在地理或政治层面，而是将其延伸至身体感知与记忆的边缘地带，这种拓宽视野的做法令人惊叹。阅读时，我不断地在脑海中构建起那些文字所暗示的场景——那些模糊的图像、那些被遗忘的仪式、那些在边缘地带反复上演的权力游戏。作者对待“他者”的立场也极其值得称道，他没有将“边缘群体”符号化或扁平化，而是呈现了其复杂性、矛盾性以及内在的能动性。这本书的深度并非源于堆砌术语，而是来自于对现象细致入微的洞察，以及敢于直面文化冲突核心的勇气。它像一杯浓烈的烈酒，初尝辛辣，回味无穷。

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这本新近读到的作品，以其独特的视角和令人耳目一新的叙事方式，彻底颠覆了我对当代艺术批评的既有印象。作者仿佛是一位行走在时代边缘的观察者，他没有沉溺于那些学院派的陈词滥调，而是以一种近乎野蛮的直率，剖析了文化权力结构下符号的运作逻辑。书中对“挪用”这一艺术手法的探讨，尤其发人深省。它不再是单纯的解构与戏仿，而更像是一场对既定意义体系的“釜底抽薪”。我尤其欣赏其中对材料性的执着——那些被主流艺术史忽略的、粗粝的、日常的物件，在作者的笔下焕发出惊人的生命力，它们不再是背景装饰，而是成为推动论证的核心动力。阅读过程如同跟随一位经验丰富却又愤世嫉俗的向导，穿梭于博物馆的宏大叙事与街头巷尾的微小抵抗之间。那些关于身份政治的论述，并未走向空泛的口号，而是紧密结合了具体的视觉案例，使得抽象的理论瞬间获得了可触碰的重量感。这本书无疑为那些试图在后殖民语境下重新书写艺术史的人，提供了一套全新的、充满颠覆性的工具箱。它要求读者走出舒适区，直面那些被我们习以为常却又充满权力暗示的视觉陷阱。

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这本书的行文风格，简直像是一场精心策划的“语言游击战”。它拒绝任何形式的线性叙事，而是通过碎片化的笔记、私人信件的节选，甚至是虚构的对话记录，构建起一个庞大而又暧昧的知识迷宫。我特别喜欢作者在处理历史材料时的那种克制与大胆并存的姿态——他似乎随时准备冲破既有的历史框架，却又深谙历史文本的重量。阅读这本书，就像在解读一卷被故意打乱的时间轴，读者必须自己去寻找那些隐藏的因果链条。其中对“幽默”在批判实践中的作用分析，简直是神来之笔。作者指出，笑声是如何成为抵抗权威的最后一道防线，那种带着苦涩的回甘，比任何严肃的控诉都更具穿透力。整本书的排版和设计也透露出一种刻意的“反美学”倾向，这种对物质载体的关注，进一步强化了其理论的实践性。它不是摆在书架上供人膜拜的圣典，而是可以被撕扯、被涂鸦、被反复阅读并留下使用痕迹的工具。

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坦率地说，这本书的难度是偏高的，它要求读者必须投入极大的专注力去梳理那些看似散乱的线索。然而，一旦你被卷入作者构建的逻辑场域，那种豁然开朗的满足感是无与伦比的。书中对“观看权力”的批判，特别是对西方凝视机制的拆解，达到了前所未有的细致程度。作者不仅揭示了“谁在看”，更深入地探讨了“被看”的感知是如何反过来塑造观看者的内在结构。这种互文性的论证方式，使得全书的结构形成了一种精妙的自洽循环。我特别喜欢其中对“语境”的不断强调，它提醒我们，任何艺术品的意义都不是固定不变的，而是由它所处的特定历史与社会情境所共同塑造的“暂态”。读完全书，我发现自己对日常生活中的一切视觉信息都保持了一种审慎的警惕，这无疑是它带给我的最宝贵的“后遗症”。这本书更像是一次对思想耐力的极限测试，但回报是丰厚的：它教会你如何更清醒地生活在一个被图像淹没的时代。

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读完这部厚重的文集，我感到一种久违的心灵震撼，那是一种混合着困惑与顿悟的复杂情绪。与其说这是一本关于艺术的书，不如说它是一部关于“在场”与“缺席”的哲学思辨录。作者的笔触如同精密的外科手术刀，毫不留情地切割着我们对“真实”与“虚构”的传统认知边界。尤其是在探讨媒介再现性的一章中，那种层层剥离的叙事结构，让人不得不停下来，反思自己是如何被信息流塑形的。这本书的魅力在于它的“不确定性”——它从不提供标准答案，而是抛出一系列尖锐的质问，迫使读者进行艰苦的内在对话。叙事节奏的掌握达到了炉火纯青的地步，时而如疾风骤雨般密集输出观点，时而又放缓下来，用一则看似无关紧要的个人轶事来承载最深刻的隐喻。这种张弛有度的处理，避免了纯理论文本可能带来的枯燥感。对我而言，它更像是一面棱镜，折射出我们身处的时代光怪陆离的侧影，那些被我们急于忽略的文化断裂与历史伤痕，都在其中得到了诚实的映照。

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印第安的老斑鸠

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