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出版者:石頭

作者:洪文慶

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2007

价格:新臺幣420元

装帧:

isbn号码:9789579089951

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书名：《中国美术史纲》 作者：[虚构] 王守德 出版社：[虚构] 文汇书局 出版年份：[虚构] 2023年 --- 内容提要：熔铸古今，洞察文明——《中国美术史纲》 一卷恢弘的画卷，一次深邃的探源。 《中国美术史纲》并非仅仅是一部作品的罗列，而是一部立足于中国五千年文明脉络，系统梳理、深入剖析中国视觉艺术发展历程的权威性著作。本书以宏大的历史视野和精微的学术态度，将中国美术视为中华民族精神气质与社会变迁的载体，旨在为读者构建一个清晰、连贯、富有洞察力的中国艺术全景图。 本书的独特之处在于其突破了传统按朝代、按门类的线性叙述模式，转而采用“文化单元与艺术形态的交互演进”这一全新框架。作者认为，中国美术的每一次重大转型，都与特定的哲学思潮、社会结构和技术革新紧密相连。因此，全书的脉络紧紧围绕着“神思的形塑、制度的演进、文人的自觉与世俗的勃兴”这四大核心驱动力展开。 全书共分为七大部分，约五十五万字，内容详实，论证严谨，力求做到既具学术高度，又富可读性。 --- 第一部分：史前曙光与礼乐的奠基 (约公元前10000年—公元前221年) 本部分聚焦于中国艺术的“源头活水”。我们不再将新石器时代的彩陶和玉器视为孤立的工艺品，而是将其置于早期部落社会结构与宇宙观的形成过程中进行考察。 彩陶的符号学解读： 重点分析仰韶文化、马家窑文化中图案的象征意义，探讨其与生殖崇拜、图腾信仰及早期占卜活动的关联。 玉器的礼制化： 详细剖析红山、良渚文化中玉琮、玉璧的制作工艺与等级制度的对应关系，阐释“礼器”如何成为早期政治权力的视觉符号。 青铜时代的“威仪之美”： 从商代的神秘主义到西周的“德”的观念，本书通过对青铜器铭文、造型（如饕餮纹）的层层剥离，揭示出“狞厉”之美向“肃穆”之美的过渡，这是中国艺术中“秩序感”的首次大规模确立。 --- 第二部分：帝制的确立与古典范式的生成 (秦汉至魏晋南北朝) 本部分探讨中央集权制度对艺术的塑造，以及随之而来的文化冲突与融合。 秦汉的“气象”与“宏大叙事”： 重点分析秦始皇陵兵马俑群的军事美学、汉代画像石/画像砖中对“功业”与“神仙世界”的描绘，阐述官方意识形态如何催生出规范化的艺术风格。 魏晋风度的“内化”： 深入探讨玄学思潮对士人阶层审美取向的决定性影响。本书特别分析了“顾恺之的传神论”如何从哲学高度确立了人物画的独立地位，以及书法从实用工具升华为纯粹艺术的内在逻辑（如钟繇、王羲之的突破）。 石窟艺术的异域融合： 以云冈、龙门石窟为核心案例，分析佛教造像如何在中国本土化过程中，完成从犍陀罗风格到“秀骨清像”风格的转变，展现了文化交流中的创造性转化。 --- 第三部分：盛世的繁华与技艺的巅峰 (隋唐五代) 本部分将唐代视为中国艺术的“世界性”高峰，关注其包容性、技术成熟度与生活气息的完美结合。 长安气象与外来影响： 梳理唐代丝绸之路对色彩、纹饰、题材的冲击与吸收。分析唐三彩如何以其鲜活的生命力反映了当时开放的社会风貌。 山水画的独立宣言： 重点剖析李思训、王维等人的实践，探讨山水画从“界画背景”向“主体艺术”转变的理论基础，特别是“诗中有画，画中有诗”的早期形态。 宋代文人画的勃兴的序曲： 简要介绍五代十国时期，如荆浩、关仝的北方山水，如何为宋代“格物致知”的美学思想铺平道路。 --- 第四部分：理性之美与日常的诗意 (宋代) 宋代是中国艺术史上最为精微、最具内在理性的时代。本书将宋代艺术置于宋代理学思潮之下考察。 “格物致知”与写实精神的极致： 细致分析徽宗朝院体画对自然物象的精确捕捉，如花鸟画的科学观察法。 文人画的理论成熟： 深入探讨苏轼、黄庭坚对“意笔”的推崇，以及“书画同源”理论的最终确立，强调艺术的道德修养与个人性情的表达高于技巧的炫耀。 瓷器的典范： 以汝窑、官窑、哥窑的审美取向为例，分析宋代对“素雅”、“天成”的极致追求，以及其与士大夫阶层对“简、淡、蕴”的偏爱之间的关系。 --- 第五部分：元代的“离经叛道”与精神的安顿 (元代) 元代艺术的核心矛盾在于外族统治下汉族知识分子的文化抉择。 “遗民美学”的诞生： 聚焦“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的艺术实践，分析他们如何通过极度个人化的笔墨语言，表达对故国的怀念与对主流社会的疏离。 水墨的解放： 阐释水墨技法在元代如何彻底摆脱设色的束缚，成为表达“胸中丘壑”的纯粹媒介。倪瓒的“折笔”、王蒙的“郁茂”，都是对传统范式的颠覆。 --- 第六部分：世俗的繁荣与技艺的矫饰 (明清) 本部分探讨明清时期，随着商品经济的发展和城市文化的兴盛，艺术如何走向专业化、世俗化，并伴随着对古典传统的复杂态度。 明代“学院派”与“个性化”的冲突： 分析浙派的雄健与吴门画派的秀雅，及其背后江南士绅阶层的审美分化。 清代“复古”与“创新”的辩证： 考察董其昌的“南北宗论”如何成为理论规范，以及“四王”对元明传统的继承与整合。同时，本书也着重分析了以石涛、八大山人为代表的“个性解放”思潮，他们如何通过强烈的笔墨个性和寓意，对僵化的古典程式发起挑战。 民间艺术的勃兴： 简要介绍版画、刺绣、景泰蓝等世俗艺术门类的成熟，展现了此时期中国视觉文化的多样性。 --- 第七部分：近代变革与视觉传统的重塑 (晚清至今的转折) 本部分关注自鸦片战争以来，中国艺术如何面对西方冲击，寻求现代转型的艰难历程。 “中西交融”的早期探索： 分析早期留学生群体（如徐悲鸿、林风眠）在吸收西方写实主义、印象派等技法时，所进行的本土化尝试。 国画的“现代学派”： 探讨“京派”的保守与“岭南派”的革新，聚焦于如何在一个既要保留民族精神、又需面向现代的时代背景下，对传统笔墨进行“现代化改造”。 --- 本书特色： 1. 理论的贯穿性： 强调“美术即思想史”的观点，始终将艺术风格的演变置于哲学、政治、社会思潮的框架内进行解读。 2. 图像的精选： 配有数百幅高清、关键性图像资料（注：此处为文字描述，实际书中会配图），对每一重要作品都进行细节剖析，而非泛泛而谈。 3. 跨领域的对话： 经常穿插书法、园林、诗歌等领域的美学观点，以构建一个多维度的“中国艺术生态系统”。 目标读者： 本书适合美术史专业学生、文化研究人员，以及所有希望系统、深入了解中国艺术脉络的普通读者。它将引导读者超越对“美”的肤浅感知，进入对“中国艺术如何思考世界”的深层探究。阅读此书，如同登上历史的制高点，俯瞰一条波澜壮阔的艺术长河。

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作者在文献引用的扎实程度上，展现出了令人敬佩的学养。这本书的每一个论断，似乎都不是凭空臆造，而是建立在对大量一手、二手资料反复推敲和交叉验证的基础之上的。我注意到，即便是看似寻常的观点阐述后，也往往能看到作者对古代文献的精准引用和恰当的白话注释，这极大地增强了文本的说服力与可靠性。更难得的是，作者并没有将这些引用的痕迹堆砌成冰冷的学术报告，而是巧妙地将它们熔铸在流畅的叙述之中，使得论据的出现自然而然，水到渠成。这种严谨的治学态度，让阅读者在获得知识的同时，也深切感受到了作者对历史真实性的尊重与敬畏。对于我这种追求深度阅读体验的读者来说，这种“有根有据”的论述，才是真正可靠的精神食粮，让人读得心安理得，收获满满。

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这本书的叙事节奏把握得非常到位，它不像某些学术专著那样晦涩难懂，也不像通俗读物那样浮于表面。作者似乎深谙“张弛有度”的精髓，在宏观的历史脉络梳理和对具体艺术个案的深入剖析之间游刃有余地切换。读到某些重大历史转折点时，笔触变得开阔而磅礴，将当时的时代背景和社会思潮描摹得淋漓尽致，让人仿佛置身于那个风云变幻的年代，理解艺术如何作为时代的镜子而存在。而当镜头聚焦到某位大师的某件作品时，行文又变得细腻入微，充满了哲思和敏锐的洞察力，对笔触的力度、色彩的含义、构图的巧思，都有着令人茅塞顿开的解读。这种高低起伏的阅读体验，极大地降低了理解门槛，使得即便是初涉此领域的读者，也能轻松跟上作者的思路，并在不知不觉中，构建起一个扎实而立体的艺术知识体系。我个人非常享受这种被引导、被带领着探索知识的旅程。

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我发现这本书在行文的用词选择上，有一种独特的“克制的美学”。它既避免了过于陈旧、艰涩的文言词汇，使得表达清晰易懂；同时也拒绝了过度现代化的网络语言和过于口语化的表达，始终保持着一种恰到好处的、沉静的文学性。作者似乎深谙文字的力量在于其精准和韵味，而不是花哨的辞藻堆砌。读起来，感觉像是在与一位学识渊博但又谦逊有礼的前辈进行一场深入的交谈，语气平和，但字字珠玑，充满思辨的力量。这种恰到好处的语言风格，使得阅读过程变成了一种精神上的“静修”，能够有效地屏蔽外界的喧嚣，让人专注于文本本身所蕴含的深厚智慧。它像是一杯陈年的清茶，入口微涩，回味无穷，每一次品咂都能从中发现新的层次和回甘。

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这部书的装帧设计堪称一绝，从拿到手的那一刻起，我就被它典雅而内敛的气质所吸引。封面选用的材质带着一种独特的肌理感，触感温润，仿佛能让人感受到历史的沉淀。文字的排版也极为考究，字体的选择既有传统书法的韵味，又不失现代阅读的舒适度，留白的处理更是恰到好处，让每一页都像是精心构置的一幅画作。尤其值得称赞的是，作者在插图的选择上可谓独具匠心，那些高清复制的艺术品图像，色彩还原度极高，细节纤毫毕现，即便是那些年代久远的壁画或卷轴，也能从中窥见昔日的光华。翻阅时，那种愉悦感不仅仅来自于知识的获取，更是一种纯粹的视觉享受。我常常会花很长时间仅仅是摩挲着书页，欣赏着那些精心挑选的图版，感受那种穿越时空的艺术对话。可以说，这本书的实体本身，就是一件值得收藏的艺术品，它将阅读体验提升到了一个全新的层次，让人爱不释手，也更愿意沉下心来，细细品味其中的内涵。

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这本书最让我感到惊喜的，是它突破了传统艺术史的地域和门类限制，展现出一种近乎全球视野的开阔格局。它不仅仅局限于我们通常所熟知的几个朝代或几种媒介，而是大胆地将视野投向了更广阔的文化交流地带，探讨了不同地域文明之间如何相互影响、彼此启发。例如，书中关于某段时期边疆艺术的探讨，就揭示了游牧文化与农耕文明在审美趣味上的奇妙融合，其论证的细腻程度，完全可以媲美对核心区域的研究。这种打破壁垒的写作手法，极大地拓宽了我对“中国艺术”这一概念的理解，让我意识到，艺术的发展从来都不是孤立的岛屿，而是一个不断互动、相互渗透的动态过程。这种跨越疆界的视野，极大地丰富了我的认知地图，让人在阅读完后，对整个历史图景有了更全面、更立体的把握感。

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蹲在798某书店读过，不错的小工具书，好想要呀~

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才發現好像所上人手一本。

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才發現好像所上人手一本。

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中國美術史初級研究者案頭必備。