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出版者:上海音乐出版社

作者:朱立人

出品人:

页数:134

译者:

出版时间:2003-5

价格:12.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806672822

丛书系列:

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舞蹈的脉络：从身体到精神的探索 （一）动作的诗篇：古典芭蕾的严谨与灵性 这部著作，并非是对已知舞蹈体系的简单复述，而是一次深入的、对舞蹈本体论的追问。它聚焦于动作在特定文化语境下如何超越其物理形态，转化为一种精神的表达。全书围绕“肢体语言的语法建构”展开，探讨了人体如何通过训练，实现对自身重力、空间和时间感知的重塑。 我们首先进入的是“空间维度与轴心概念”的领域。不同于一般舞蹈理论将空间视为背景，本书视空间为舞者必须主动征服和定义的对象。例如，在对“开、关、立、卧”的深度解析中，我们不满足于描述这些位置的几何学含义，而是深入挖掘它们在不同流派中（如法式、意式、俄式）如何体现对人体中轴线（Axis Mundi）的不同理解。书中的一个核心论点是：完美的“旁向”（à la seconde）并非单纯的技术指标，而是舞者在动态平衡中，对自身重量与地球引力进行持续协商的哲学体现。 接下来的章节，致力于“时间性与节奏的内在化”。舞蹈的节奏感不仅仅是服从音乐，更在于个体如何将外部的节拍内化为身体的内在脉搏。作者详细分析了“延迟”（Retard）和“加速”（Accelerando）在非匀速运动中的应用，尤其是在浪漫主义芭蕾中，如何通过对呼吸（Appoggio）的微妙控制，创造出“停顿中的流动”这一悖论性的美感。书中通过对著名舞剧片段的“运动轨迹速写”，揭示了这些瞬间是如何被精心设计，以放大情感的张力。 （二）身体的雕塑：技术训练的深层意涵 本书避开了对基础术语的简单罗列，而是深入探讨了技术训练背后的生物力学原理与心理学效应。它将身体视为一种需要被精细调校的乐器。 在对“转动技巧”（Turns）的论述中，本书提供了一个全新的视角：它不仅仅是关于“立足点”（Spotting）的技巧，而是关于“视觉锚定与身体惯性的对抗与统一”。作者提出了“动态重心漂移模型”，解释了为什么某些舞者能轻易完成复杂的多圈旋转，而关键在于他们如何管理旋转起始时的微小角度误差，以及如何在高速运动中维持感知上的静止。 关于“跳跃艺术”（Allegro）的探讨，重点在于“滞空感”的营造。书中详细剖析了“向上推动力”与“向下吸力”之间的微妙平衡。它认为，成功的跳跃并非追求高度，而是追求“时间在最高点被拉伸的错觉”。为此，作者参考了空气动力学原理，分析了腿部和手臂在上升阶段的精确角度，以最大化停留时间，使观众感知到一种超越引力的瞬间解放。 （三）情感的载体：角色塑造与非语言叙事 超越纯粹的技术展示，本书将焦点转向舞蹈如何承载叙事和复杂情感。它考察了“表演性”（Presence）的构成要素，认为这是一种身体与观众之间建立的无声契约。 “手部语言的语义学”是本书的亮点之一。手，作为身体最敏感的表达器官，其姿态（Port de Bras）绝非装饰。书中系统地分析了不同文化背景下，手势的象征意义，并将其置于特定剧目的情境中。例如，在阐释《天鹅湖》中奥杰塔的哀伤时，并非简单描述手臂的曲线，而是探讨了手臂在不同高度上对空间“收缩”或“延展”的动作，如何映射角色的内心世界——是自我封闭，还是渴望连接。 此外，本书还对“面部表情的克制与爆发”进行了深入研究。它指出，古典芭蕾对“内敛”的要求，实际上是一种更高阶的表达训练。真正的悲伤或狂喜，需要通过眼部肌肉的细微变化和下巴角度的瞬间调整来传达，而非大开大合的戏剧化表演。这种“在静默中尖叫”的能力，是衡量一个舞者成熟度的重要标准。 （四）历史的回响与未来的张力 最后一部分，本书将视角拉回到舞蹈的历史脉络中，审视技术是如何随着时代审美而演变的。它探讨了19世纪浪漫主义对“轻盈”的痴迷，如何促成了足尖技术的革命性发展，以及20世纪早期现代舞运动对古典规范的反思，如何反过来迫使古典技术进行自我革新以保持其生命力。 本书并非要为古典芭蕾建立一座不可逾越的纪念碑，而是旨在提供一套理解和解构这门艺术的思维工具。它引导读者（无论是专业学习者还是深度爱好者）超越对舞者“美貌”或“难度”的表层赞叹，去探究每一个动作背后所蕴含的精确计算、深刻的身体自我认知，以及那份对完美瞬间的永恒追逐。 这是一部关于身体智慧、结构美学和无声哲学的深度探究之作。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种典雅的墨绿色和烫金的字体搭配，瞬间就让人联想到舞台上那些轻盈、优雅的身影。我刚拿到手的时候，迫不及待地翻开了前几页，映入眼帘的那些关于古典芭蕾历史的叙述，那种娓娓道来的讲述方式，仿佛把我带回了那个充满了浪漫主义和严格训练的时代。作者在描述那些著名编舞家和舞蹈家的生平时，不仅仅是罗列事实，而是非常细腻地刻画了他们的内心挣扎和艺术追求，让我这个局外人也能感受到他们为艺术献身的伟大。尤其是对十九世纪“浪漫芭蕾”兴起的那个章节，文字的节奏感把握得极好，读起来有一种随着音乐起伏的韵律感，完全不同于那种枯燥的教科书式描述。它成功地构建了一个立体的世界观，让我对芭蕾这项艺术的起源和演变有了更深层次的理解，远超出了我对一本“工具书”的预期。

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我得说，这本书的排版和装帧质量简直是顶级水准，拿在手里沉甸甸的，那种纸张的触感都透露着一种奢华和对细节的尊重。我最欣赏的是它在章节间的过渡处理，逻辑性极强，但又巧妙地运用了一些艺术性的短语作为小标题，使得阅读过程非常流畅，完全不会感到疲惫。特别是关于不同流派（比如法式、意式、俄式）之间技术差异的对比分析部分，作者没有采取简单的并列，而是通过深入剖析每种流派的哲学基础和训练侧重，展现了技术背后的文化内涵。这种深度挖掘，让原本可能非常枯燥的理论分析变得引人入胜，我甚至能想象出不同学派的老师们在课堂上强调重点时的那种神态和语气。这绝不是随便翻翻就能理解的内容，需要静下心来，细细品味。

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这本书的文字风格有一种独特的克制与激情并存的美感。在解释一些复杂的身体动作原理时，作者的表达精确到位，用词精准，没有丝毫的含糊不清，体现了极高的专业素养。比如，描述“Port de Bras”（手臂的姿态）时，它不仅仅是告诉我们手臂应该放在什么角度，而是深入探讨了手臂在不同运动链条中如何起到平衡和表达情感的作用。这种深入浅出的讲解方式，对于我这种非科班出身的爱好者来说，是极大的福音。更让我惊喜的是，书中穿插了一些对现代芭蕾发展趋势的探讨，它没有固步自封于古典的框架，而是以一种开放的姿态去接纳和审视新的艺术形式，这种前瞻性让我对芭蕾的未来充满了好奇和信心。

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我很少见到一本书能将学术的严谨性与大众的亲近性结合得如此完美。这本书在结构设计上非常巧妙，它既能满足专业人士对术语准确性的要求，又不至于让初学者望而却步。它没有使用大量晦涩难懂的行话，而是尽可能地用清晰的语言去解释每一个概念的来龙去脉。特别是它对不同乐章和不同编舞风格下，同一术语可能产生的细微差别进行了细致的区分，这种层次感的设计，显示了作者在知识体系构建上的深厚功力。这本书更像是一扇窗，透过它，我不仅看到了芭蕾的“形”，更理解了其背后的“神”，它无疑是一部值得反复研读的、充满魅力的艺术论著。

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这本书的阅读体验，用一个词来形容就是“沉浸式”。作者似乎有一种魔力，能够将那些抽象的、转瞬即逝的舞台瞬间凝固在纸面上。我特别留意了那些关于“幕后故事”的描述，它们并非简单的八卦，而是对艺术创作过程的深刻揭示。比如，关于一次著名演出排练中的困难是如何被克服的，那些详实的记录，让我感受到了艺术光环背后凝聚的汗水和智慧。读起来，我仿佛能听到排练室里钢琴的重复声，看到舞者们一遍又一遍地尝试完美的弧线。这种对创作过程的忠实记录，极大地丰富了我对芭蕾艺术的整体认知，让我不再仅仅关注台前的华丽，而是更加敬佩每一位台前幕后工作者的奉献。

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“阿尔贝斯克。基本舞姿之一。名称源自摩尔人的一种叶片状连续花纹图案。舞姿为单腿半蹲或直立，另一腿往后伸直，与支撑腿成直角，双臂成与此相应、和谐一致的姿势，从而构成从指尖到足尖尽可能长的直线。它可以立脚尖做，也可以在飞行（跳）中或转身中保持不变，是古典芭蕾中最为优美的舞姿之一。”

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居然有图解，基本的三个流派都有分类，相当全面。不过现在圈子里把attitude都称作阿提丢了????

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