具体描述
《表演教学手册:稻草怎样纺成金(下)》选取了大量的练习、小品与剧目片断，并进行了一定的编写。全书具体介绍了适于我国表演教学的部分优秀表演练习及习作，还比较系统地介绍世界各国培养演员的方法，对不同流派、不同风格、不同类型、不同理念、不同做法进行具体分析，并重点介绍了表演教学观念、教学方法的体系建立等。
作者简介
中国电影编剧、导演、表演教师。1938年生于福建福州。1960年毕业于北京电影学院表演系后留校任教，至今从事电影教学35年。历任电影学院院务委员会委员、学术委员会委员、中国电影表演艺术学会副会长、青年电影制片厂导演及艺术顾问等职。他创作剧本11部、导演影视作品5部、话剧3部。参与编导的影片《寒夜》(编剧)获1984年度政府优秀影片奖，在戛纳电影节展映；《死神与少女》获1986年第13届瓦尔纳国际电影节荣誉奖、第一届中国红十字电影节特别奖、第8届金鸡奖演员特别奖等；《多梦时节》获1988年第9届金鸡最佳儿童故事片奖、1989年政府优秀影片奖、第3届童牛奖艺术追求奖等；《欲火焚心》参加1991年法国南特国际电影节展映；小品《中奖》获1990年旋牌杯全国戏剧小品奖。撰写的理论专著有：《电影演员的魅力》、《银幕技巧与手段》、《银幕美的历程》(合作)、《电影表演艺术》；评论有：《电影表演要电影化》、《电影表演的特性》、《电影的时间与空间》、《银幕美的探索》、《让形象说话》等。
目录信息
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读后感
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用户评价
说实话，我对市面上那些泛泛而谈的“如何提高你的表现力”的书已经感到审美疲劳了。这本书却完全不同，它仿佛是一位经验极其丰富、但又非常细致入微的导师，坐在你旁边手把手地教你如何雕琢每一个表演细节。我特别关注了其中关于“非语言沟通的层次分析”那一节。过去我总觉得肢体语言是演员的直觉，但这本书用严谨的分析框架，把身体的姿态、眼神的聚焦、呼吸的起伏，都拆解成了可观察、可训练的单元。它提供的那些观察表格和反馈机制，彻底改变了我审视演员表现的方式。以前我可能只会笼统地说“你这里不够投入”，现在我可以具体指出是“眼神交流的停顿时间过短，未能充分建立角色间的张力”。这种精准的诊断能力，对于提升排练的质量至关重要。而且，书中对不同表演流派（比如沉浸式、写实主义、符号化表现）的教学方法的比较也非常到位，让我意识到教学不是一成不变的模板，而是需要根据作品特性灵活调整的策略。它教会我的不是一套固定的公式，而是一套强大的思维工具箱，让我能自信地应对各种复杂的教学挑战。
评分这本书的装帧和排版设计也体现了其专业性，纸张厚实，内容结构清晰，阅读体验极佳。我尤其欣赏作者在处理“反馈艺术”这一核心议题时的独到见解。很多教学指南往往只强调“给出反馈”，却忽略了接收反馈的那个敏感的心理过程。这本书花了大量篇幅探讨如何构建一个“安全的试错空间”，如何用建设性的方式引导演员面对自己的弱点，而不是仅仅进行批评。它提出的“前瞻性反馈模型”——即在行动发生之前预设可能的结果并进行讨论——极大地减轻了演员在尝试新事物时的心理负担。我过去常常发现，演员因为害怕被评判而不敢冒险，导致表演停滞不前。自从引入了书中的反馈策略后，排练室里的气氛变得开放和积极了许多，大家更愿意去尝试那些看似“疯狂”但可能富有洞察力的表演选择。这本书的深度在于它关注的不仅仅是“技巧”的传授，更是“人”的培养，它关注的是如何激发和保护艺术家的内在创造力，这一点非常难能可贵。
评分自从读完这本书后，我发现自己对“排练”这个行为本身的理解都上升了一个维度。它不再仅仅是“排练一遍戏”，而是一个不断迭代、不断生成新意义的动态过程。最让我感到欣喜的是，书中关于“自我反思与持续学习机制”的构建方法。作者提供了一系列精致的日记模板和回顾工具，引导教学者和表演者定期审视自己的教学实践和表演成果，并将这些观察转化为可量化的改进目标。这让我告别了过去那种“凭感觉走”的教学状态，转而采用一种更加科学、更加迭代的专业模式。例如，书中对于“如何记录和分析排练中的‘灵光乍现’时刻”的指导，就帮助我捕捉到了很多以往会轻易流失的宝贵瞬间。这本书的价值，在于它提供了一整套从“宏观规划”到“微观执行”，再到“系统反思”的闭环系统。它不仅仅是一本指导书，更像是一个长期陪伴、不断促进我成长的专业伙伴，让人读完之后，迫不及待地想回到排练场上去实践，去检验和超越书中所说的每一个理念。
评分哎呀，最近我简直为手头的这本厚厚的工具书着迷了！它简直是为我这种“舞台新人”量身定做的百科全书。我之前对如何将理论知识有效地转化到实际的舞台排练中总是感到无从下手，总觉得自己的排练效率低下，排练时间被各种不必要的讨论和摸索占用了大半。这本书的出现，就像是给我心里那团迷雾点亮了一盏指路明灯。它详尽地拆解了从选角到最终呈现的每一个环节，特别是关于如何进行有效的“场景激活”那几章，简直是教科书级别的指导。我尝试了书中介绍的几种即兴练习方法，效果立竿见影，演员们的反应速度和对角色的理解深度都有了质的飞跃。最让我印象深刻的是，它不仅仅停留在“要做什么”，更深入地探讨了“为什么这么做”背后的艺术理念和心理学基础。作者的叙述方式非常注重实践性，大量的案例分析和具体的步骤图解，让复杂的教学过程变得清晰明了，即便是初次接触戏剧教学的人也能很快上手操作，而不是像有些理论书那样晦涩难懂，让人望而却步。这本书真正做到了将高深的艺术理论“接地气”，让每一个排练场上的决策都有坚实的理论支撑，极大地提升了我的排练信心和专业度。
评分我是在筹备一个跨学科合作项目时接触到这本书的，当时我们团队需要在舞台表演中融入大量的多媒体互动元素，传统的排练方法完全失效了。这本书恰好有一部分内容专门讨论了“技术介入与表演本体的平衡”。作者没有回避技术对表演的冲击，反而提供了一套系统的方法论来整合这些看似对立的元素。它详细阐述了如何将舞台灯光、声音设计甚至实时数据反馈，内化为演员表演意图的一部分，而不是仅仅作为背景装饰。我按照书中的建议，设计了一套“技术响应式排练流程”，让演员在排练初期就与技术团队紧密合作，提前建立起人与设备之间的“对话机制”。这套方法论不仅解决了技术集成的问题，更深层次地启发了演员去思考“在现代语境下，什么是身体的表达边界”。这本书的视野非常开阔，它显然不是闭门造车写出来的，而是融合了当代舞台艺术最前沿的实践经验。对于那些希望将自己的教学或表演带入下一个维度的实践者来说，这本书是必读的启示录。
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