具体描述
《时装摄影:风潮·风情·风格》是一部对时装摄影经典作品的全新解读，一次对历代时装摄影风格的文化梳理，一场推倒唯美、唯技术、唯艺术摄影的论战。还时装摄影真实全貌，与您共享品牌时装的理念源头时尚王国的影像真谛。
内容包括：
世界名流的经作品；
历代大家的个性风格；
各派宗师的观念差异；
穿衣打扮的时尚解码。
作者简介
目录信息
读后感
几年前，我第一次到地坛书市去，当我偶然的翻开一本意大利版本的时尚杂志VOGUE-- 震撼。 那些夺人眼球得近乎使人晕旋的图片，让我想起拜仑对弗罗仑萨的评价，美得让你的眼睛疲劳。而其中给我留下深刻的印象的则是牛顿拍摄的一组穿着黑色风衣的时装照片，里面的模特，没有女性的...
评分几年前，我第一次到地坛书市去，当我偶然的翻开一本意大利版本的时尚杂志VOGUE-- 震撼。 那些夺人眼球得近乎使人晕旋的图片，让我想起拜仑对弗罗仑萨的评价，美得让你的眼睛疲劳。而其中给我留下深刻的印象的则是牛顿拍摄的一组穿着黑色风衣的时装照片，里面的模特，没有女性的...
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评分几年前，我第一次到地坛书市去，当我偶然的翻开一本意大利版本的时尚杂志VOGUE-- 震撼。 那些夺人眼球得近乎使人晕旋的图片，让我想起拜仑对弗罗仑萨的评价，美得让你的眼睛疲劳。而其中给我留下深刻的印象的则是牛顿拍摄的一组穿着黑色风衣的时装照片，里面的模特，没有女性的...
评分几年前，我第一次到地坛书市去，当我偶然的翻开一本意大利版本的时尚杂志VOGUE-- 震撼。 那些夺人眼球得近乎使人晕旋的图片，让我想起拜仑对弗罗仑萨的评价，美得让你的眼睛疲劳。而其中给我留下深刻的印象的则是牛顿拍摄的一组穿着黑色风衣的时装照片，里面的模特，没有女性的...
用户评价
《时装摄影》这本书，就像一位经验丰富的向导，带领我深入探索了时尚摄影那个充满魅力与挑战的领域。作为一名对美感和视觉表达有着强烈好奇心的人，这本书的出现，无疑是我的一次“及时雨”。它不仅仅是关于如何拍摄漂亮的衣服，更是关于如何通过镜头，讲述一个品牌的故事，传达一种生活态度，甚至捕捉一个时代的精神。 我最欣赏的是书中对“光影的叙事性”的深入剖析。作者并没有简单地罗列各种灯光设备，而是深入浅出地讲解了光线如何成为一种“无声的语言”。他详细阐述了，柔和的散射光能营造出梦幻般的浪漫氛围，适合表现轻盈飘逸的材质；而硬朗的直射光则能勾勒出服装的立体感和材质的独特性，适合强调服装的结构和力量感。书中大量的案例分析，让我直观地看到了，同一件服装在不同光照条件下的视觉效果差异，这种对比效果非常直观，也让我开始反思，过去自己在拍摄中对光线的运用是否足够“用心”。 同样让我受益匪浅的是，书中关于“构图的艺术性”的探讨。我过去认为构图只是为了让画面看起来“舒服”或者“平衡”，但这本书让我明白，构图是一种主动的视觉引导，它能够创造出强烈的视觉冲击力，并传达出摄影师的意图。作者详细介绍了经典的构图原则，如黄金分割、三分法等，更重要的是，他还深入分析了一些更具现代感的构图方式，例如如何利用负空间来突出主体，如何利用线条的引导来创造空间感，以及如何通过不对称的构图来打破沉闷，增添视觉趣味。这些内容对我构思拍摄画面，有了非常宝贵的启发。 我特别喜欢书中关于“色彩的情感密码”的解读。我过去对色彩的理解，更多停留在“好看”与否的层面，但这本书让我认识到，色彩在时装摄影中，是传递情感、塑造品牌形象的关键。作者分析了不同色彩组合所能引发的心理反应，例如，暖色调如红色、橙色能带来活力与热情，而冷色调如蓝色、绿色则传达出沉静与优雅。他还探讨了色彩如何在不同的文化背景下产生不同的含义，这让我能够更全面地理解时装摄影的国际化语境。 书中关于“模特的神态语言”的章节，更是让我受益匪浅。我曾以为模特只是一个静态的展示载体，但这本书让我明白，模特是照片的灵魂，他们的表情、眼神、姿态，都在无声地诉说着关于服装的故事。作者分享了摄影师如何与模特进行有效的沟通，引导他们捕捉到最自然、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 此外，这本书还对“时尚的时代印记”进行了深刻的探讨。作者通过梳理不同年代的时装摄影作品，揭示了摄影是如何反映和记录社会文化变迁的。每一张照片，都可能是那个时代某种思潮、某种生活方式的缩影。这种历史性的视角，让我对时装摄影有了更宏观的认识，也让我开始思考，当下的时装摄影，又在记录着我们这个时代的哪些特征。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 我也非常欣赏书中对“细节的极致追求”的强调。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不经意间流露出的精致细节上。例如，服装的剪裁线条是否被完美呈现，配饰的点缀是否恰到好处，甚至模特指尖的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的挖掘和解析，让我开始更加注重在拍摄过程中，对每一个细微之处的打磨，力求呈现出最完美的效果。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧化的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分《时装摄影》这本书，给我带来的不仅仅是视觉上的享受，更是一次深入的思维启迪。我一直对时装充满热情，也喜欢用相机记录生活中的美好瞬间，但总觉得自己在理解和表达时尚方面，缺少一些关键的“钥匙”。这本书恰恰是那把钥匙，它以一种极其系统和深入的方式，为我打开了时装摄影的殿堂。 我非常喜欢它对“光影魔法”的解析。书中详细阐述了不同类型的灯光设置，例如柔和的散射光如何营造出朦胧浪漫的氛围，而硬朗的点光源又如何突出服装的轮廓和材质的质感。我曾以为光线只是辅助，但这本书让我明白，光线本身就是一种强大的叙事工具。它能够塑造情绪，引导视线，甚至赋予服装全新的生命力。作者通过大量的对比图例，直观地展示了同一件衣服在不同光线下的视觉效果差异，这让我对此有了豁然开朗的认识。 特别让我受益匪浅的是关于“构图的语言”这一章节。我一直知道构图很重要，但这本书让我看到了构图的无限可能性。从经典的黄金分割，到更具现代感的留白和不对称构图，每一个选择都承载着摄影师的意图。作者分析了摄影师如何利用景深来突出主体，如何通过引导线来创造空间感，以及如何运用负空间来强化视觉焦点。这些技巧的应用，使得照片不仅美观，更富有深意。我开始尝试在自己的拍摄中，更加有意识地去运用这些构图原则，效果令人惊喜。 书中对“色彩的心理学”的探讨也十分精辟。我过去对色彩的认知，更多停留在“好看”或“不好看”的层面，但这本书让我意识到，色彩在时装摄影中，是传递情感和塑造品牌形象的关键。不同颜色的组合可以引发不同的情绪反应，比如暖色调带来的活力与热情，冷色调带来的沉静与高雅。作者还深入分析了色彩如何在不同文化背景下产生不同的含义，这让我在理解时装摄影时，能够跳出单一的视角，去拥抱更广阔的文化维度。 我曾对模特“摆拍”的僵硬感有所疑虑，但这本书中关于“情绪与故事的传递”的章节，完全打消了我的顾虑。它强调了时装摄影的核心在于“表达”，而模特就是承载这种表达的重要载体。摄影师如何通过与模特沟通，引导他们捕捉到最真实、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 而且，这本书还触及了“时尚的趋势与摄影的演变”这一宏大议题。它回顾了不同时代时装摄影的发展脉络，从早期的写实风格，到抽象和观念摄影的兴起。我看到了摄影师们如何紧随时尚潮流，又如何引领着视觉风向。这种历史的回顾，不仅让我对时装摄影有了更全面的认识，也让我思考当下摄影的创新方向。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影最终需要服务于商业目的，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 此外，这本书还让我对“细节的力量”有了更深刻的认识。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不易察觉的细节上。例如，服装的褶皱如何被光线勾勒出来，配饰的点缀如何增添整体的亮点，甚至是模特手指的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的捕捉和解析，让我开始更加留意这些“小东西”在摄影中的巨大作用。 我也非常欣赏书中对“摄影师的个人风格”的探讨。每一个成功的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和创作习惯。有些人擅长营造戏剧化的氛围，有些人则偏爱极简主义的纯粹。通过对不同摄影师作品的解读，我开始学会去辨识和欣赏这些个人风格，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特印记的决心。 总的来说，《时装摄影》这本书，不仅仅是一本指导我如何拍摄时装的工具书，更是一本关于如何“看”时尚、如何“理解”时尚的书。它拓展了我的视野，深化了我的认知，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我毫不犹豫地推荐它给所有对时尚、摄影以及视觉艺术感兴趣的朋友，相信你们也会从中获得和我一样的启发和满足。
评分《时装摄影》这本书，对我而言，是一次关于“如何用镜头讲述时尚故事”的深刻启蒙。我一直对时尚充满热情，也喜欢用相机记录生活中的美好瞬间，但总觉得自己在理解和表达时尚方面，缺少一些关键的“钥匙”。这本书恰恰是那把钥匙，它以一种极其系统和深入的方式，为我打开了时装摄影的殿堂。 我非常喜欢它对“光影魔法”的解析。书中详细阐述了不同类型的灯光设置，例如柔和的散射光如何营造出朦胧浪漫的氛围，而硬朗的点光源又如何突出服装的轮廓和材质的质感。我曾以为光线只是辅助，但这本书让我明白，光线本身就是一种强大的叙事工具。它能够塑造情绪，引导视线，甚至赋予服装全新的生命力。作者通过大量的对比图例，直观地展示了同一件衣服在不同光线下的视觉效果差异，这让我对此有了豁然开朗的认识。 特别让我受益匪浅的是关于“构图的语言”这一章节。我一直知道构图很重要，但这本书让我看到了构图的无限可能性。从经典的黄金分割，到更具现代感的留白和不对称构图，每一个选择都承载着摄影师的意图。作者分析了摄影师如何利用景深来突出主体，如何通过引导线来创造空间感，以及如何运用负空间来强化视觉焦点。这些技巧的应用，使得照片不仅美观，更富有深意。我开始尝试在自己的拍摄中，更加有意识地去运用这些构图原则，效果令人惊喜。 书中对“色彩的心理学”的探讨也十分精辟。我过去对色彩的认知，更多停留在“好看”或“不好看”的层面，但这本书让我意识到，色彩在时装摄影中，是传递情感和塑造品牌形象的关键。不同颜色的组合可以引发不同的情绪反应，比如暖色调带来的活力与热情，冷色调带来的沉静与高雅。作者还深入分析了色彩如何在不同文化背景下产生不同的含义，这让我在理解时装摄影时，能够跳出单一的视角，去拥抱更广阔的文化维度。 我曾对模特“摆拍”的僵硬感有所疑虑，但这本书中关于“情绪与故事的传递”的章节，完全打消了我的顾虑。它强调了时装摄影的核心在于“表达”，而模特就是承载这种表达的重要载体。摄影师如何通过与模特沟通，引导他们捕捉到最真实、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 而且，这本书还触及了“时尚的趋势与摄影的演变”这一宏大议题。它回顾了不同时代时装摄影的发展脉络，从早期写实风格，到抽象和观念摄影的兴起。我看到了摄影师们如何紧随时尚潮流，又如何引领着视觉风向。这种历史的回顾，不仅让我对时装摄影有了更全面的认识，也让我思考当下摄影的创新方向。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 此外，这本书还让我对“细节的力量”有了更深刻的认识。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不易察觉的细节上。例如，服装的褶皱如何被光线勾勒出来，配饰的点缀如何增添整体的亮点，甚至是模特手指的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的捕捉和解析，让我开始更加留意这些“小东西”在摄影中的巨大作用。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧化的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分《时装摄影》这本书，为我打开了一个全新的视觉世界，让我得以窥探时尚背后的艺术与灵魂。作为一名对美感和视觉传达充满热情的人，我一直渴望能更深入地理解时装摄影的精髓，而这本书恰恰满足了我的这份渴望，它以一种既专业又充满艺术感染力的方式，为我一一揭开了时装摄影的神秘面纱。 我对书中关于“光线的魔力”的阐述尤为着迷。作者详细地解析了不同类型的灯光设置，比如如何利用柔和的阴影来营造出宁静、浪漫的氛围，又如何通过强烈的明暗对比来凸显服装的立体感和材质的独特性。书中通过大量的实例，直观地展示了同一件服装在不同光照条件下的视觉效果差异，这种对比非常鲜明，让我深刻体会到，光线绝不仅仅是辅助，它本身就是一种强大的叙事工具，能够塑造情绪，引导观者视线，甚至赋予服装全新的生命力。 同样让我眼前一亮的，是书中关于“构图的智慧”的探讨。我一直认为构图是为了让画面看起来“好看”，但这本书让我明白，构图是一种主动的视觉引导，它能够创造出强烈的视觉冲击力，并传达出摄影师的意图。作者详细介绍了经典的构图原则，如黄金分割、三分法等，更重要的是，他还深入分析了一些更具现代感的构图方式，例如如何运用负空间来突出主体，如何利用线条的引导来创造空间感，以及如何通过不对称的构图来打破沉闷，增添视觉趣味。这些内容对我构思拍摄画面，有了非常宝贵的启发。 我特别喜欢书中关于“色彩的情感密码”的解读。我过去对色彩的理解，更多停留在“好看”与否的层面，但这本书让我认识到，色彩在时装摄影中，是传递情感、塑造品牌形象的关键。作者分析了不同色彩组合所能引发的心理反应，例如，暖色调如红色、橙色能带来活力与热情，而冷色调如蓝色、绿色则传达出沉静与优雅。他还探讨了色彩如何在不同的文化背景下产生不同的含义，这让我能够更全面地理解时装摄影的国际化语境。 书中关于“模特的神态语言”的章节，更是让我受益匪浅。我曾以为模特只是一个静态的展示载体，但这本书让我明白，模特是照片的灵魂，他们的表情、眼神、姿态，都在无声地诉说着关于服装的故事。作者分享了摄影师如何与模特进行有效的沟通，引导他们捕捉到最自然、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 此外，这本书还对“时尚的时代印记”进行了深刻的探讨。作者通过梳理不同年代的时装摄影作品，揭示了摄影是如何反映和记录社会文化变迁的。每一张照片，都可能是那个时代某种思潮、某种生活方式的缩影。这种历史性的视角，让我对时装摄影有了更宏观的认识，也让我开始思考，当下的时装摄影，又在记录着我们这个时代的哪些特征。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 我也非常欣赏书中对“细节的极致追求”的强调。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不经意间流露出的精致细节上。例如，服装的剪裁线条是否被完美呈现，配饰的点缀是否恰到好处，甚至模特指尖的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的挖掘和解析，让我开始更加注重在拍摄过程中，对每一个细微之处的打磨，力求呈现出最完美的效果。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧化的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分《时装摄影》这本书，对我来说，不仅仅是一本摄影技巧的指南，更是一次关于“如何讲述一个关于时尚的故事”的深度探索。我一直对时尚和摄影都怀有浓厚的兴趣，但总感觉自己对时装摄影的理解还停留在表面，未能触及其背后的艺术性和深层含义。这本书的出现，如同一把钥匙，为我解锁了通往时装摄影艺术殿堂的大门。 我非常着迷于书中关于“光线的戏剧性”的阐述。作者不仅仅讲解了如何运用不同类型的光源来塑造物体的形态，更重要的是，他深入剖析了光线如何成为一种叙事语言，能够引导观者的情绪，营造出特定的氛围。书中大量的图例展示了，同样一件服装在不同的光照条件下，会呈现出截然不同的视觉感受，从柔和的散射光带来的浪漫与唯美，到硬朗的直射光所强调的结构与力量感，这些都让我对光线有了全新的认识。我开始更加注重在拍摄中，通过光线的运用，来赋予照片更丰富的层次和情感。 同样让我印象深刻的，是书中关于“构图的视觉语言”的分析。我过去对构图的理解，更多是遵循一些基础的规则，但这本书让我明白，构图是一种主动的表达方式，它能够创造出强烈的视觉冲击力，并传达出摄影师的意图。作者详细介绍了经典的构图原则，如黄金分割、三分法等，更重要的是，他还深入分析了一些更具现代感的构图方式，例如如何利用负空间来突出主体，如何利用线条的引导来创造空间感，以及如何通过不对称的构图来打破沉闷，增添视觉趣味。这些内容对我构思拍摄画面，有了非常宝贵的启发。 我特别喜欢书中关于“色彩的心理学”的解读。我过去对色彩的理解，更多停留在“好看”与否的层面，但这本书让我认识到，色彩在时装摄影中，是传递情感、塑造品牌形象的关键。作者分析了不同色彩组合所能引发的心理反应，例如，暖色调如红色、橙色能带来活力与热情，而冷色调如蓝色、绿色则传达出沉静与优雅。他还探讨了色彩如何在不同的文化背景下产生不同的含义，这让我能够更全面地理解时装摄影的国际化语境。 书中关于“模特的情感表达”的章节，更是让我受益匪浅。我曾以为模特只是一个静态的展示载体，但这本书让我明白，模特是照片的灵魂，他们的表情、眼神、姿态，都在无声地诉说着关于服装的故事。作者分享了摄影师如何与模特进行有效的沟通，引导他们捕捉到最自然、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 此外，这本书还对“时尚的时代印记”进行了深刻的探讨。作者通过梳理不同年代的时装摄影作品，揭示了摄影是如何反映和记录社会文化变迁的。每一张照片，都可能是那个时代某种思潮、某种生活方式的缩影。这种历史性的视角，让我对时装摄影有了更宏观的认识，也让我开始思考，当下的时装摄影，又在记录着我们这个时代的哪些特征。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 我也非常欣赏书中对“细节的极致追求”的强调。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不经意间流露出的精致细节上。例如，服装的剪裁线条是否被完美呈现，配饰的点缀是否恰到好处，甚至模特指尖的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的挖掘和解析，让我开始更加注重在拍摄过程中，对每一个细微之处的打磨，力求呈现出最完美的效果。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧化的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分这本《时装摄影》简直就是一本视觉盛宴，翻开它，仿佛置身于一个光影交织的魔法世界。我一直对时尚和摄影都怀有浓厚的兴趣，但总觉得两者之间总有一层神秘的面纱。这本书的出现，无疑是揭开了这层面纱，让我得以一窥时装摄影背后那些令人惊叹的创作过程和深层含义。 首先，它并非仅仅是堆砌精美的时装图片，而是深入探讨了每一张照片背后的故事。从选题、概念构思，到灯光、构图的选择，再到模特表情和肢体语言的引导，每一个环节都被剖析得淋漓尽致。我尤其着迷于作者对不同摄影师风格的解读，那些名字如雷贯耳的摄影大师，他们的作品在书中得到了详尽的展示，同时作者也细致地分析了他们的独特之处，比如某位大师如何运用极简主义的光影来突出服装的质感，另一位又如何通过大胆的色彩运用和创新的构图来营造出强烈的视觉冲击力。 书中关于“情绪的捕捉”的部分，更是让我茅塞顿开。时装摄影不仅仅是展示服装的美丽，更是要传达一种情绪，一种生活态度，甚至是一种时代精神。作者通过大量的案例分析，展示了摄影师如何通过细微的面部表情、眼神的交流，以及模特的姿态，将服装所承载的情感和故事传递给观众。我曾以为摄影师只是被动地记录，但这本书让我意识到，他们是主动的创作者，是能够用镜头“说话”的艺术家。 而且，这本书的排版设计也堪称一流，每一页都如同精心策划的画册。精选的图片清晰、饱满，色彩还原度极高，让人仿佛能够触摸到丝绸的垂坠感，感受到皮革的纹理。文字叙述也流畅自然，既有学术的严谨性，又不失艺术的感染力。阅读过程中，我常常被某一张图片所吸引，然后循着文字的引导，去理解它背后的创作理念和技术运用。这种“观图说事”的方式，让我在享受视觉美感的同时，也获得了宝贵的知识。 我特别欣赏的是书中对“时代印记”的探讨。每一季的时装，每一场时装秀，都折射着当下的社会文化、经济潮流甚至政治风向。而时装摄影，作为一种视觉语言，更是将这些时代印记凝练其中。作者通过对不同时期经典时装摄影作品的梳理和分析，让我们看到了时尚是如何与时代同频共振的。从复古年代的优雅，到现代社会的多元和个性，摄影师们用他们的镜头，记录下了时尚变迁的轨迹，也留下了珍贵的历史片段。 这本书还有一个让我印象深刻的方面，就是它对“创新与突破”的强调。在日新月异的时尚界，时装摄影师必须不断挑战自我，寻求新的视觉语言和表达方式。书中介绍了一些非常规的拍摄手法，比如利用特殊的道具、反传统的布景，甚至是引入多媒体的元素，来打破人们对时装摄影的固有认知。这些案例不仅展示了摄影师的创造力，也为我提供了很多启发，让我思考如何在自己的学习和工作中，尝试新的可能性。 另外，关于“品牌叙事”的部分，也让我对时装摄影有了更深的理解。时装摄影不仅仅是为品牌拍摄宣传照，更是在讲述品牌的故事，塑造品牌的形象。摄影师如何通过镜头语言，将品牌的DNA、设计理念和目标受众的期望融为一体，是至关重要的。我看到了许多品牌如何通过一贯的视觉风格，在消费者心中建立起独特而深刻的印象，而这一切，都离不开高水准的时装摄影。 书中对“幕后故事”的披露，更是增加了阅读的趣味性。那些我们看到的完美画面，背后往往有着无数的挑战和付出。从寒冷冬日拍摄夏装的艰辛，到为了捕捉一个完美的瞬间而反复尝试的执着，这些幕后故事让我对摄影师的专业精神和艺术追求充满了敬意。它们让冰冷的相机背后，充满了人性的温暖和奋斗的汗水。 这本书也让我认识到，时装摄影不仅仅是一种职业，更是一种艺术表达。它需要摄影师具备扎实的专业技能，敏锐的艺术嗅觉，以及对时尚潮流的深刻理解。它是一种融合了美学、技术和商业的综合性艺术。通过阅读这本书，我仿佛也在这条艺术道路上，看到了更多的可能性和方向。 总而言之，《时装摄影》是一本我爱不释手的书。它不仅满足了我对时尚和摄影的好奇心，更重要的是，它教会了我如何更深入地去欣赏和理解时装摄影的艺术魅力。我会在未来的日子里，反复翻阅这本书，每一次阅读，都会有新的收获和感悟。它是我探索时尚摄影世界的一本宝贵指南，也是我一次次灵感枯竭时，可以寻求慰藉和力量的源泉。
评分《时装摄影》这本书，对我而言，是一次关于“如何用镜头讲述时尚故事”的深刻启蒙。我一直对时尚充满热情，也喜欢用相机记录生活中的美好瞬间，但总觉得自己在理解和表达时尚方面，缺少一些关键的“钥匙”。这本书恰恰是那把钥匙，它以一种极其系统和深入的方式，为我打开了时装摄影的殿堂。 我非常喜欢它对“光影魔法”的解析。书中详细阐述了不同类型的灯光设置，例如柔和的散射光如何营造出朦胧浪漫的氛围，而硬朗的点光源又如何突出服装的轮廓和材质的质感。我曾以为光线只是辅助，但这本书让我明白，光线本身就是一种强大的叙事工具。它能够塑造情绪，引导视线，甚至赋予服装全新的生命力。作者通过大量的对比图例，直观地展示了同一件衣服在不同光线下的视觉效果差异，这让我对此有了豁然开朗的认识。 特别让我受益匪浅的是关于“构图的语言”这一章节。我一直知道构图很重要，但这本书让我看到了构图的无限可能性。从经典的黄金分割，到更具现代感的留白和不对称构图，每一个选择都承载着摄影师的意图。作者分析了摄影师如何利用景深来突出主体，如何通过引导线来创造空间感，以及如何运用负空间来强化视觉焦点。这些技巧的应用，使得照片不仅美观，更富有深意。我开始尝试在自己的拍摄中，更加有意识地去运用这些构图原则，效果令人惊喜。 书中对“色彩的心理学”的探讨也十分精辟。我过去对色彩的认知，更多停留在“好看”或“不好看”的层面，但这本书让我意识到，色彩在时装摄影中，是传递情感和塑造品牌形象的关键。不同颜色的组合可以引发不同的情绪反应，比如暖色调带来的活力与热情，冷色调带来的沉静与高雅。作者还深入分析了色彩如何在不同文化背景下产生不同的含义，这让我在理解时装摄影时，能够跳出单一的视角，去拥抱更广阔的文化维度。 我曾对模特“摆拍”的僵硬感有所疑虑，但这本书中关于“情绪与故事的传递”的章节，完全打消了我的顾虑。它强调了时装摄影的核心在于“表达”，而模特就是承载这种表达的重要载体。摄影师如何通过与模特沟通，引导他们捕捉到最真实、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 而且，这本书还触及了“时尚的趋势与摄影的演变”这一宏大议题。它回顾了不同时代时装摄影的发展脉络，从早期写实风格，到抽象和观念摄影的兴起。我看到了摄影师们如何紧随时尚潮流，又如何引领着视觉风向。这种历史的回顾，不仅让我对时装摄影有了更全面的认识，也让我思考当下摄影的创新方向。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 此外，这本书还让我对“细节的力量”有了更深刻的认识。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不易察觉的细节上。例如，服装的褶皱如何被光线勾勒出来，配饰的点缀如何增添整体的亮点，甚至是模特手指的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的捕捉和解析，让我开始更加留意这些“小东西”在摄影中的巨大作用。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧化的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分《时装摄影》这本书，为我打开了一个全新的视觉世界，让我得以窥探时尚背后的艺术与灵魂。作为一名对美感和视觉传达充满热情的人，我一直渴望能更深入地理解时装摄影的精髓，而这本书恰恰满足了我的这份渴望，它以一种既专业又充满艺术感染力的方式，为我一一揭开了时装摄影的神秘面纱。 我最欣赏的是书中对“光线的叙事性”的深入剖析。作者并没有简单地罗列各种灯光设备，而是深入浅出地讲解了光线如何成为一种“无声的语言”。他详细阐述了，柔和的散射光能营造出梦幻般的浪漫氛围，适合表现轻盈飘逸的材质；而硬朗的直射光则能勾勒出服装的立体感和材质的独特性，适合强调服装的结构和力量感。书中大量的案例分析，让我直观地看到了，同样一件服装在不同光照条件下的视觉效果差异，这种对比效果非常直观，也让我开始反思，过去自己在拍摄中对光线的运用是否足够“用心”。 同样让我受益匪浅的是，书中关于“构图的艺术性”的探讨。我过去认为构图只是为了让画面看起来“舒服”或者“平衡”，但这本书让我明白，构图是一种主动的视觉引导，它能够创造出强烈的视觉冲击力，并传达出摄影师的意图。作者详细介绍了经典的构图原则，如黄金分割、三分法等，更重要的是，他还深入分析了一些更具现代感的构图方式，例如如何利用负空间来突出主体，如何利用线条的引导来创造空间感，以及如何通过不对称的构图来打破沉闷，增添视觉趣味。这些内容对我构思拍摄画面，有了非常宝贵的启发。 我特别喜欢书中关于“色彩的情感密码”的解读。我过去对色彩的理解，更多停留在“好看”与否的层面，但这本书让我认识到，色彩在时装摄影中，是传递情感、塑造品牌形象的关键。作者分析了不同色彩组合所能引发的心理反应，例如，暖色调如红色、橙色能带来活力与热情，而冷色调如蓝色、绿色则传达出沉静与优雅。他还探讨了色彩如何在不同的文化背景下产生不同的含义，这让我能够更全面地理解时装摄影的国际化语境。 书中关于“模特的神态语言”的章节，更是让我受益匪浅。我曾以为模特只是一个静态的展示载体，但这本书让我明白，模特是照片的灵魂，他们的表情、眼神、姿态，都在无声地诉说着关于服装的故事。作者分享了摄影师如何与模特进行有效的沟通，引导他们捕捉到最自然、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 此外，这本书还对“时尚的时代印记”进行了深刻的探讨。作者通过梳理不同年代的时装摄影作品，揭示了摄影是如何反映和记录社会文化变迁的。每一张照片，都可能是那个时代某种思潮、某种生活方式的缩影。这种历史性的视角，让我对时装摄影有了更宏观的认识，也让我开始思考，当下的时装摄影，又在记录着我们这个时代的哪些特征。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 我也非常欣赏书中对“细节的极致追求”的强调。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不经意间流露出的精致细节上。例如，服装的剪裁线条是否被完美呈现，配饰的点缀是否恰到好处，甚至模特指尖的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的挖掘和解析，让我开始更加注重在拍摄过程中，对每一个细微之处的打磨，力求呈现出最完美的效果。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧化的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分《时装摄影》这本书，就像一位经验丰富的向导，带领我深入探索了时尚摄影那个充满魅力与挑战的领域。作为一个对美学和视觉表达有着强烈好奇心的人，这本书的出现，无疑是我的一次“及时雨”。它不仅仅是关于如何拍摄漂亮的衣服，更是关于如何通过镜头，讲述一个品牌的故事，传达一种生活态度，甚至捕捉一个时代的精神。 我对书中关于“光影的叙事性”的论述印象最为深刻。作者并没有简单地罗列各种灯光设备，而是深入剖析了光线如何成为一种“无声的语言”。他详细阐述了，柔和的散射光能营造出梦幻般的浪漫氛围，适合表现轻盈飘逸的材质；而硬朗的直射光则能勾勒出服装的立体感和材质的纹理，适合强调服装的结构和力量感。书中大量的案例分析，让我直观地看到了，同一款服装在不同光照条件下的视觉差异，这种对比效果非常直观，也让我开始反思，过去自己在拍摄中对光线的运用是否足够“用心”。 同样让我着迷的是，书中对于“构图的哲学”的阐释。我过去认为构图只是为了让画面看起来“舒服”或者“平衡”，但这本书让我明白，构图是一种主动的表达方式，它能够引导观者的视线，创造视觉焦点，甚至传达出摄影师的情感倾向。作者详细介绍了黄金分割、三分法等经典构图原理，更重要的是，他还分析了一些更具实验性的构图方式，例如如何利用强烈的线条感来创造视觉张力，或者如何通过大面积的留白来突出主体，营造宁静或孤寂的氛围。这些内容对我构思拍摄画面，有了全新的启示。 我还特别喜欢书中对“色彩的情感力量”的解读。我一直认为色彩是时尚的核心元素之一，但这本书让我看到了色彩在摄影中的更深层含义。作者分析了不同色彩组合所能引发的心理反应，例如，鲜艳的红色能传递出热情与活力，而柔和的蓝色则带来宁静与信任。他还探讨了色彩如何在品牌形象塑造中扮演关键角色，以及如何根据品牌定位来选择和运用色彩。这种对色彩的系统性分析，让我开始更加注重在拍摄中，通过色彩的搭配来增强作品的情感感染力。 书中关于“模特的情绪捕捉”的章节，更是颠覆了我之前对时装模特的一些刻板印象。我曾以为模特只是一个“衣架”，负责展示服装。但这本书让我明白，模特是照片的灵魂，他们的表情、眼神、姿态，都在无声地诉说着关于服装的故事。作者分享了摄影师如何与模特建立默契，引导他们进入角色，捕捉那些最自然、最动人的瞬间。我开始更加关注模特在照片中传递出的情绪，以及这些情绪如何与服装的设计风格相呼应。 此外，这本书也对“时尚与时代的互动”进行了深刻的探讨。作者通过梳理不同年代的时装摄影作品，揭示了摄影是如何反映和记录社会文化变迁的。每一张照片，都可能是那个时代某种思潮、某种生活方式的缩影。这种历史性的视角，让我对时装摄影有了更宏观的认知，也让我开始思考，当下的时装摄影，又在记录着我们这个时代的哪些特征。 让我印象深刻的还有，书中对于“品牌故事的视觉化”的讨论。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，而优秀的摄影作品，往往能将品牌的理念、价值和愿景，通过视觉语言有效地传达给消费者。作者通过一些成功的品牌营销案例，展示了摄影师是如何将服装、模特、场景等元素巧妙地融合，从而构建出一个完整而引人入胜的品牌故事。这让我开始从更高的维度去理解时装摄影的商业价值。 我也非常欣赏书中对“细节的精致处理”的强调。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不经意间流露出的精致细节上。例如，服装的剪裁线条是否被完美呈现，配饰的搭配是否恰到好处，甚至模特指尖的微小动作，都可能成为照片的亮点。作者对这些细节的挖掘和解析，让我开始更加注重在拍摄过程中，对每一个细微之处的打磨，力求呈现出最完美的效果。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧性的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分《时装摄影》这本书，对我而言，是一次关于“如何用镜头讲述时尚故事”的深刻启蒙。我一直对时尚充满热情，也喜欢用相机记录生活中的美好瞬间，但总觉得自己在理解和表达时尚方面，缺少一些关键的“钥匙”。这本书恰恰是那把钥匙，它以一种极其系统和深入的方式，为我打开了时装摄影的殿堂。 我非常喜欢它对“光影魔法”的解析。书中详细阐述了不同类型的灯光设置，例如柔和的散射光如何营造出朦胧浪漫的氛围，而硬朗的点光源又如何突出服装的轮廓和材质的质感。我曾以为光线只是辅助，但这本书让我明白，光线本身就是一种强大的叙事工具。它能够塑造情绪，引导视线，甚至赋予服装全新的生命力。作者通过大量的对比图例，直观地展示了同一件衣服在不同光线下的视觉效果差异，这让我对此有了豁然开朗的认识。 特别让我受益匪浅的是关于“构图的语言”这一章节。我一直知道构图很重要，但这本书让我看到了构图的无限可能性。从经典的黄金分割，到更具现代感的留白和不对称构图，每一个选择都承载着摄影师的意图。作者分析了摄影师如何利用景深来突出主体，如何通过引导线来创造空间感，以及如何运用负空间来强化视觉焦点。这些技巧的应用，使得照片不仅美观，更富有深意。我开始尝试在自己的拍摄中，更加有意识地去运用这些构图原则，效果令人惊喜。 书中对“色彩的心理学”的探讨也十分精辟。我过去对色彩的认知，更多停留在“好看”或“不好看”的层面，但这本书让我意识到，色彩在时装摄影中，是传递情感和塑造品牌形象的关键。不同颜色的组合可以引发不同的情绪反应，比如暖色调带来的活力与热情，冷色调带来的沉静与高雅。作者还深入分析了色彩如何在不同文化背景下产生不同的含义，这让我在理解时装摄影时，能够跳出单一的视角，去拥抱更广阔的文化维度。 我曾对模特“摆拍”的僵硬感有所疑虑，但这本书中关于“情绪与故事的传递”的章节，完全打消了我的顾虑。它强调了时装摄影的核心在于“表达”，而模特就是承载这种表达的重要载体。摄影师如何通过与模特沟通，引导他们捕捉到最真实、最动人的瞬间，让服装不再是简单的衣物，而是成为人物情感和生活状态的延伸。那些照片中模特眼神中的故事感，以及肢体语言所传达出的自信或忧郁，都让我深刻体会到了这一点。 而且，这本书还触及了“时尚的趋势与摄影的演变”这一宏大议题。它回顾了不同时代时装摄影的发展脉络，从早期写实风格，到抽象和观念摄影的兴起。我看到了摄影师们如何紧随时尚潮流，又如何引领着视觉风向。这种历史的回顾，不仅让我对时装摄影有了更全面的认识，也让我思考当下摄影的创新方向。 让我印象深刻的是，书中并没有回避“商业与艺术的平衡”这一复杂课题。时装摄影的最终目的是为了推广品牌，但优秀的摄影师总能在商业需求与艺术追求之间找到完美的契合点。作者通过案例分析，展示了摄影师如何在满足品牌需求的同时，依然能够创造出具有独特性和艺术价值的作品。这对我来说，是一个非常宝贵的学习经验。 此外，这本书还让我对“细节的力量”有了更深刻的认识。一张成功的时装摄影作品，往往体现在那些不易察觉的细节上。例如，服装的褶皱如何被光线勾勒出来，配饰的点缀如何增添整体的亮点，甚至是模特手指的微小动作，都可能成为照片的灵魂所在。作者对这些细节的捕捉和解析，让我开始更加留意这些“小东西”在摄影中的巨大作用。 书中对“摄影师的个人风格与创作自由”的探讨，也让我受益匪浅。我认识到，每一个杰出的时装摄影师，都有自己独特的视觉语言和艺术追求。有些人擅长营造戏剧化的光影效果，有些人则偏爱写实的自然风格。通过对这些不同风格的分析，我开始学会去欣赏摄影师的个性化表达，也更加坚定了我想要在自己的摄影道路上，找到属于自己独特声音的信念。 总而言之，《时装摄影》这本书，对我来说，不仅是一本关于摄影技术的教科书，更是一本关于如何“看”时尚、“理解”时尚的艺术指南。它以其丰富的内容、深刻的见解和精美的呈现，极大地拓展了我的视野，也激发了我对时尚摄影更深层次的热爱。我强烈推荐这本书给所有对视觉艺术、时尚文化以及摄影创作有兴趣的朋友，相信你们也一定会在其中找到属于自己的宝藏。
评分南图找摄影书的时候随便翻翻的...全是Vogue封面。。。
评分南图找摄影书的时候随便翻翻的...全是Vogue封面。。。
评分觉得这本书很好，对时装摄影的梳理让我这样的小白对过去的时装摄影有了很好的认识，书中不仅选择了经典图片还对各位大师的风格，创作经历进行了介绍。
评分觉得这本书很好，对时装摄影的梳理让我这样的小白对过去的时装摄影有了很好的认识，书中不仅选择了经典图片还对各位大师的风格，创作经历进行了介绍。
评分已各年代VOGUE为主线，介绍不同年代的摄影师，比较适合新手看，图片印刷质量很一般
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