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出版者:

作者:汪为胜

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2008-5

价格:88.00元

装帧:

isbn号码:9787507730722

丛书系列:

图书标签:

• 中国画
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《宋代山水画的审美变迁与哲学意蕴》 书籍简介： 本书是一部深入剖析宋代山水画发展脉络、风格演变及其背后所蕴含的哲学思想的学术专著。宋代，被誉为中国古代绘画艺术的黄金时代之一，其山水画不仅在技法上达到了前所未有的高峰，更在精神层面与当时的理学思潮、宇宙观念紧密结合，形成了独树一帜的艺术范式。本书旨在超越对名家名作的简单罗列与风格描述，着力挖掘支撑这一宏大艺术体系的内在逻辑与时代精神。 第一章：北宋前期：范式确立与“可游、可居”的理想空间 本章首先考察了北宋初年，在五代十国山水画遗风的基础上，画家们如何逐步确立影响后世数百年的山水画基本范式。重点分析了李成、许道宁等早期大师的作品，探讨其如何通过对北方山川地貌的写实描摹，初步构建出一种既具磅礴气势，又不失文人情怀的理想化山野图景。 我们着重阐述了“可游、可居”这一核心审美理念的形成。这不仅仅是对自然景观的简单再现，而是一种对人类在宇宙秩序中的安身立命之所的哲学探寻。画家们通过对巨碑式山体的刻画（如“大山堂堂”），表达了对稳固、永恒秩序的向往。具体的技法分析将集中于皴法、点苔的初步尝试，以及墨色层次的运用，如何服务于营造出深远、静穆的氛围。 第二章：北宋中期：范宽的“雄直大景”与“天人合一”的视觉表达 进入北宋中期，以范宽为代表的巨匠将山水画的写实精神推向了极致。本章将以范宽的《溪山行旅图》为例，进行细致的图像学解读。我们认为，范宽所追求的“直而雄”并非单纯的尺寸上的宏大，而是内在精神力量的体现。他笔下的山体仿佛具有生命律动，是宇宙本源力量的具象化。 探讨的重点在于，范宽如何运用其标志性的“雨点皴”来赋予岩石以肌理和内在的张力，并论证这种对“真山真水”的执着探求，实际上是与当时理学对“格物致知”的重视相呼应的。山水画成为了士大夫体悟天道、探求宇宙本源的媒介，而非简单的案头清玩。 第三章：北宋晚期：米氏父子的“意境”转向与“天真烂漫” 随着政治局势的变化和文人阶层自身审美趣味的提升，山水画开始从对客观物象的忠实记录，逐渐转向对主观心境的抒发。米芾和米友仁父子的出现，标志着山水画审美重心向“意境”和“笔墨趣味”的重大转移。 本章详细剖析了“米家点”（墨块的运用）如何彻底打破了传统勾勒填墨的界限，使山水画从“图像”向“笔墨语言”的转化加速。米氏父子所强调的“不拟古人，自成一家”，体现了宋代士大夫在思想上对绝对权威的反思与超越。他们的作品营造出一种烟云变幻、朦胧迷离的氛围，这与道家“虚静”思想的回归不无关系。 第四章：南宋的转折：院体画的精工与文人画的内敛 南渡之后，山水画的发展出现了分野。宫廷画院在宋高宗和内阁的支持下，延续了北宋的“精微”路线，形成了严谨、规范的院体风格。本章将对比李唐、刘松年等人的作品，分析他们如何将北宋的雄伟转化为精湛的写生技巧，强调对空间层次和光影变化的精准把握，以满足皇家对“大好河山”的怀念与寄托。 与此同时，以浙江为中心的文人画群体则走向了内敛与象征。他们不再痴迷于对名山大川的描摹，而是转向对“一草一木”的象征意义的挖掘。如马远和夏圭的“边角之景”，如何通过大幅度的留白（“空白之处，不着一笔，而数仞之深”）来引导观者进入一种沉思、疏离的内心世界，这与南宋士人面临的失国之痛和文化保守的思潮紧密相关。 第五章：山水画的哲学内涵：从“物理”到“心学” 本书的收尾部分，将对宋代山水画进行一次跨学科的综合性梳理。我们论证了宋画的伟大之处在于，它成功地将中国传统哲学——尤其是儒家的“格物穷理”和道家的“虚静自然”——转化为可被感知的视觉语言。 山水画的演变过程，即是从对“物理”（客观存在的自然现象）的精确捕捉，逐步转向对“心学”（主体心灵的投射与构建）的深刻表达。皴法的变化、构图的取舍、墨色的浓淡，无不渗透着宋代知识分子对“理”的理解与“道”的追求。本书试图揭示，宋代山水画不仅仅是技艺的集合，更是那个时代中国人认识宇宙、安顿心灵的一部视觉化的哲学史。 适用读者： 艺术史研究者、中国哲学史爱好者、传统山水画学习者及对宋代文化有浓厚兴趣的广大读者。本书配有大量高清图版分析，旨在提供严谨的学术视角和愉悦的审美体验。

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说实话，我原本对传统艺术的了解仅限于一些零散的笔记和博物馆的导览手册，总觉得那些古画离我的现代生活太远了。然而，这本关于古代文人精神世界的著作，完全颠覆了我的看法。它的语言风格极其现代、犀利，充满了批判性的反思，完全没有那种传统艺术鉴赏类书籍的陈旧感。作者像一位经验丰富的策展人，将几百年间的艺术变迁串联成一个完整的故事线，探讨了“模仿”与“创造”之间的永恒张力。我尤其欣赏它对“笔墨游戏”这一概念的深入挖掘，它揭示了古代艺术家是如何在高压的体制和审美规范下，通过看似随意的笔触进行自我表达和身份确认的。书中对某些被低估的非主流画家的重新评价，也让我耳目一新，拓宽了我对“经典”的定义。这本书的结构设计很巧妙，每章的结尾都设置了一个富有启发性的问题，促使读者走出书本，去重新审视身边的世界。读完它，我感觉自己不仅仅是了解了一些艺术家的生平，更像是参与了一场关于何为“真我”的深刻对话。

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我最近迷上了一套关于古典园林美学的书，它对我审美观的冲击是巨大的，尤其是关于空间序列的营造和借景的处理手法。这本书的叙事方式非常独特，它不像传统艺术史那样按时间线索平铺直叙，而是以“光影”“虚实”“留白”这几个核心的哲学概念为轴线展开讨论。作者的文笔带着一种老派的克制和韵味，但逻辑性极强，阅读体验就像是走入一座设计精妙的迷宫，每转一个弯都有新的发现。举例来说，它剖析中国山水画中的“不可居无竹，不可食无肉，不可无竹花石，不可无好书画，不可无佳友，不可无佳茗”这类生活哲学时，其论述的深度简直令人惊叹。它将艺术创作与古代士大夫的日常生活、道德修养紧密结合起来，让人明白，真正的艺术是渗透在生命之中的。这本书的配图虽然不多，但每一张都选得极其精准，恰到好处地印证了前文的论点，没有一丝多余的赘述。它不是在“教”你如何欣赏，而是在“引导”你去感受那种东方特有的、内敛而深沉的美学趣味。

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我很少读这么厚的艺术理论书籍，但这一本实在太吸引人了。它的最大特点是其罕见的跨学科视野，它不仅仅局限于绘画本体，而是大量引入了哲学、社会学乃至早期经济学的分析角度来剖析艺术现象。例如，书中分析某一时期文人画的兴盛，竟然追溯到了商品经济的发展和士大夫阶层经济地位的变化，这种解读角度极其新颖，为我提供了看待中国艺术史的全新透镜。作者的写作风格严谨中带着一种学者的幽默感，大量的注释和参考文献表明了其深厚的学术功底，但行文却又丝毫不显晦涩，非常适合有一定基础但希望进行深度探索的读者。我特别喜欢其中对“雅”与“俗”界限模糊的讨论，它展示了艺术如何在不同社会阶层间流动和演变。这本书的排版和插图处理也体现了极高的水准，图注清晰明确，使得复杂的概念也能被迅速定位和理解。它无疑是一部里程碑式的研究著作，让我对中国传统艺术的理解上升到了一个全新的理论高度。

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这本书，我是在一个雨天的下午开始读的，结果一发不可收拾，直到深夜才合上。它给我的感觉是极度松弛而又充满力量。作者似乎有一种魔力，能将那些遥远的历史人物描绘得如同身边的老友一般鲜活可亲。与其他艺术史著作不同，这本书更侧重于“人”——描绘了画家们在困顿、潦倒、甚至是得意时，他们是如何应对创作的挑战和精神的煎熬的。比如对扬州八怪中几位怪才的描述，活灵活现，让我感受到了他们在那个时代坚守个性的不易与可贵。书中对色彩的运用，对水墨晕染效果的文字描述，简直达到了诗歌的水准，读起来自带画面感，仿佛能闻到墨香。它没有宏大的理论框架，更像是一系列精美的散文集合，每一篇都像是一幅独立完成的杰作，值得反复玩味。读完后，我对中国传统艺术的理解不再是冰冷的知识点堆砌，而是充满了人情味和历史温度的生命体验。

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这本关于中国绘画历史的书，简直是一场视觉的盛宴，装帧精美，纸张的质感拿在手里就很舒服，让人忍不住想立刻翻开细品。我原本对近现代一些流派的认识还停留在教科书的浅层阶段，但这本书深入浅出地梳理了从魏晋风骨到近现代写意变革的脉络，尤其对“气韵生动”这一核心概念的阐释，真是让我茅塞顿开。它没有堆砌晦涩难懂的术语，而是通过大量的经典画作实例，辅以细腻的笔触分析，将抽象的审美理论变得触手可及。比如，书中对董源“披麻皴”的解析，不仅展示了图例，还结合当时江南的气候和地理环境进行解读，让我理解了技法背后的文化土壤。我特别欣赏作者对不同时期画家心境的捕捉，那种在笔墨中流淌出的时代精神，远比单纯的技法介绍来得更引人入胜。读完后，我再看任何一幅中国画，都会多一层对“意境”的体悟，仿佛打开了一扇通往古代文人精神世界的窗户。这绝不是一本速成的指南，而是一部需要沉下心来，慢慢品味的艺术史诗。

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