絵と色の布でつくる pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文化出版局

作者:伊藤　尚美【著】

出品人:

页数:７９ｐ

译者:

出版时间:2008-03-08

价格:JPY 15.75

装帧:２６×１９ｃｍ

isbn号码:9784579111831

丛书系列:

图书标签:

• 日本
• 伊藤尚美
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好的，以下是一本符合您要求的、不包含《絵と色の布でつくる》内容的详细图书简介。 --- 《光影织就的奇幻世界：现代拼布艺术的色彩与结构解析》 导言：重塑布料的语言与界限 本书并非探讨单一的布艺技法或基础缝纫指南，而是深入剖析现代拼布艺术如何通过对光线、色彩感知、以及空间结构的精妙运用，实现从传统手工艺向当代视觉艺术的跨越。我们聚焦于那些将布料视为画布、将缝线视为笔触的创作者们，他们如何利用精选的材料、创新的图案组织，以及对光影的敏锐捕捉，构建出具有叙事性与空间深度的视觉作品。 本书的核心理念在于“感知重构”——我们如何通过二维的平面布料，模拟出三维世界的质感、深度，乃至时间流逝的痕迹。我们将引导读者超越简单的拼接，进入到材料科学、色彩心理学与建筑美学在拼布领域中的交汇点。 第一部：色彩的物理学与心理学在拼布中的应用 第一章：超越色谱：动态色彩系统的构建 传统拼布常依赖预设的色卡或和谐色搭配。然而，现代艺术拼布更关注色彩在特定光照条件下的动态变化。本章详细探讨了“邻色对比”、“互补色张力”以及“消隐色（Muted Tones）”在营造视觉焦点上的作用。 温度与情感映射： 分析暖色、冷色如何在同一作品中同时存在而不产生冲突，关键在于中间色调（过渡色）的梯度处理。我们研究了特定色块的尺寸与相邻色块的饱和度如何影响观者对作品整体“温度感”的心理预期。 光学混合与视觉减法： 借鉴点彩画派（Pointillism）的原理，讨论如何通过微小的色块并置，使眼睛在一定距离外产生“光学混合”的效果，从而形成比直接使用混合色更具生命力的色调。同时，我们将探讨“负空间”色彩的应用，即留白或使用低饱和度面料来“突出”邻近的强烈色彩。 布料肌理对色彩饱和度的影响： 详细对比了高支棉、亚麻、真丝、以及功能性面料（如蜡棉或科技纤维）在吸收和反射光线方面的差异。例如，丝绸的光泽如何使同一色号的颜色产生“流动性”，而粗粝的粗麻布则能“固定”色彩的深度。 第二章：光影的织物化：纹理与阴影的雕塑 光线是拼布作品的生命线。本章旨在教授读者如何“织造”阴影和高光。 高光区域的构建： 探讨使用高光泽面料（如缎面、金属丝嵌线面料）的策略，以及如何通过“弧形”或“渐变拼接”来模拟光线照射的曲面效果，使平面作品产生浮雕感。 模拟自然阴影的技法： 重点分析了“深色渐变嵌条”技术，即如何通过一系列饱和度逐渐降低的深色布料，创建出仿佛物体从平面上“凸起”或“凹陷”的错觉。这需要对布料边缘的缝合精度有极高要求。 复合纹理的叙事性： 研究如何将不同物理纹理（如绗缝的凹凸、贴布的层次）与印刷图案的视觉纹理相结合，以讲述关于“时间磨损”或“自然侵蚀”的故事。例如，将模仿树皮纹理的印花布与密集的手工绗缝相结合，以增强作品的年代感。 第二部：结构、形态与空间叙事 第三章：超越几何：非欧几何与有机形态的引入 现代拼布已摆脱了严格的九宫格或六边形束缚。本章聚焦于引入复杂的数学与自然界结构来解构传统模块化。 分形结构（Fractals）的图案化： 介绍如何将分形几何的自相似性原理转化为布料的切割与排列模式。讨论如何通过迭代的微小模块，创造出宏大且无限延伸的视觉效果，常见于模仿植物生长或海岸线形态的作品中。 动态平衡与不对称性： 深入解析如何利用“视觉重量”的概念，在作品中建立一种看似不平衡但实际处于动态稳定状态的结构。这需要对作品的“视觉重心”进行精确计算，而非凭直觉放置大色块。 曲线与自由流动的逻辑： 探讨“自由拼布”（Free-Motion Piecing）背后的结构逻辑。这不仅仅是随意裁剪，而是基于流体力学或音乐节奏的内部逻辑进行布料连接，使作品呈现出“流动”的动态感，仿佛正在运动。 第四章：深度错觉与多重透视的构建 本章探讨如何使用拼布技术创造出超越传统双面画幅的深度感，使二维作品具有三维空间的体验。 视点控制与透视线引导： 分析如何通过精准的直线或曲线的交汇点（消失点），引导观者的目光进入作品的“深处”。这包括对“空气透视法”在布料上的转译，即远处的物体使用更低饱和度、更少细节的布料。 分层与透明度的游戏： 介绍了应用薄纱、欧根纱或透明印花棉布进行多层叠加的技术。重点讨论如何精确控制下层布料的可见度，以模拟雾气、水面反光或半透明物体（如翅膀或窗户）的效果。 拼贴与“非连续性”叙事： 探索将不同比例、不同风格的布料（如超写实印花与极简色块）并置，打破统一的叙事空间，迫使观者在不同“现实片段”间跳跃，从而产生更复杂的心理联想。 第三部：后处理与媒介的扩展 第五章：绗缝的雕塑化：功能与表现的统一 绗缝不再仅仅是固定衬垫的手段，而是作品的第二层“皮肤”和“骨架”。 肌理的压力分布： 研究不同绗缝密度和图案对作品整体“平整度”和“起伏感”的物理影响。例如，高密度、小范围的绗缝如何使特定区域的布料“收缩”，从而人为制造出褶皱或凹陷。 线条的“绘制”： 探讨如何利用绗缝线本身作为独立的视觉元素，而不是仅仅填充图案。分析如何使用对比强烈的线材（如粗蜡线或金属线），使绗缝线形成独立的、具有方向性的“绘画笔触”，引导观者视线。 非传统绗缝材料的应用： 介绍使用细金属丝、尼龙线，甚至将微小珠饰嵌入绗缝回路中，以增加作品在特定角度下的反射光点，增强作品的“动态性”。 第六章：数字时代的拼布边界：混合媒介与装置艺术 现代拼布艺术越来越多地脱离了“被挂起的被子”这一传统形式，转向三维空间与数字互动。 结构扩展与形态自由： 介绍如何将拼布结构应用于非平面载体，如雕塑、可穿戴艺术或大型环境装置。重点分析如何处理大面积布料的悬挂张力与结构稳定性。 光纤与电子元件的融合： 探讨在布料内部嵌入柔性LED、光纤或微型传感器，使作品能够对环境光、声音或触摸做出反应。这要求创作者掌握基本的电路布局和防水处理技术，将电子元件“隐藏”于绗缝层之下。 叙事深度的拓展： 分析如何利用二维码、NFC芯片或投影映射技术，将静态的布艺作品与数字信息、声音景观或延展的在线故事联系起来，实现从物理触感到虚拟体验的完整闭环。 结语：布料的永恒对话 《光影织就的奇幻世界》旨在为所有对布艺艺术抱有更高追求的实践者提供一个理论与实践并重的进阶蓝图。它呼吁创作者勇敢地打破材料与技法的固有藩篱，将拼布视为一种严肃的、具有无限潜力的当代艺术表达形式。通过对光、色、形的深刻理解与重构，每一块布料都将成为通往无限可能性的入口。

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这本关于色彩与布料的探索，简直是为那些对手工制作怀有无限热忱的人量身定做的指南。我尤其欣赏作者在介绍基础技巧时那种细致入微的态度，仿佛手把手地教导一个初学者。比如，书中对于不同类型布料的纹理分析，以及如何根据光线的变化来选择最能呈现“绘画感”的色系，讲解得极其到位。我记得有一章专门讲了如何用最简单的几种颜色，通过叠加和透明度的变化，创造出深邃且富有层次感的视觉效果，这对我理解色彩的“呼吸”大有裨益。我尝试按照书中的一个关于“静物组合”的案例进行实践，选用了一些看似平淡无奇的棉麻布，但通过精确的色彩搭配和缝合角度的微调，最终呈现出的效果远超出了我最初的想象。那不再仅仅是布料的堆砌，而是一种有生命的、会讲述故事的视觉表达。书中插图的印刷质量也令人赞叹，那些精美的成品照片，色彩还原度极高，每一次翻阅都像是在欣赏一场小型艺术展览，让人忍不住拿起针线，立刻动手试试书中的下一个挑战。这本书的价值不仅在于教授技术，更在于它激发了人们用全新的视角去观察和感知日常生活中那些被忽略的色彩与质感。

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这本书带给我的最大震撼，来自于它对“情绪色彩学”的深度挖掘。很多布艺作品往往只停留在好看的层面，但这本书却致力于探索布料组合如何与人类情感产生共鸣。作者将西方艺术中的“悲伤调色板”和东方美学中的“侘寂（Wabi-Sabi）”理念融入到布料的拼贴设计中，提供了非常新颖的视角。我记得其中一个案例是关于如何用几块褪色的牛仔布和一块暖灰色的羊毛毡，营造出一种“怀旧的温暖感”，仅仅通过对布料之间微小缝隙的处理，就能极大地影响观者的心理感受。这种对细节的执着，让我深刻体会到，真正的艺术创作，往往是在那些几乎看不见的层次上发生的。阅读这本书的过程，与其说是学习技能，不如说是一次感官的重新校准，它让我学会用更敏感的心去触碰和感受身边那些平凡的纤维，并相信每一块布料都有它自己的“故事频率”。这本书绝对值得所有对创造美、表达情感有追求的人珍藏。

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说实话，我一开始对“绘画感”和“布料”的结合持有怀疑态度，总觉得这可能是一种过于概念化的描述。然而，这本书彻底颠覆了我的看法。它不是让你在布料上直接画画，而是教你如何用“纺织的语言”来模仿绘画的笔触和光影变化。特别是关于“肌理的叙事性”这一部分，简直是神来之笔。作者细致地分析了粗糙的粗花呢如何模拟厚重的油画笔触，而轻薄的真丝如何展现水彩的晕染效果。我特别尝试了书中提到的利用不同经纬密度的布料进行“编织的渐变”，这个过程非常治愈，每一次针脚的落下，都感觉自己不仅仅是在缝合布块，而是在描绘时间流逝的痕迹。书中分享的几个原创小设计，比如那个模仿清晨薄雾的床旗，所使用的布料选择和拼接逻辑，简直是教科书级别的示范。它迫使我走出舒适区，去接触那些我过去认为“太难驾驭”的材料和色彩组合。这本书的深度在于，它能让有经验的手艺人找到新的创作维度，也能让新手找到一条通往艺术创作的捷径。

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作为一名沉迷于收藏各种手工书籍的人，我必须承认，这本书的“可操作性”和“艺术性”达到了一个极高的平衡点。很多理论书籍读起来晦涩难懂，而很多操作指南又过于肤浅。但这本书巧妙地避开了这两个极端。它的结构安排得极为人性化，前面部分是对色彩理论和布料特性的详尽解读，后面则是将这些理论分解成一系列可以循序渐进完成的项目。我最欣赏的是作者在描述工具选择时的那种务实态度——不推崇昂贵的进口工具，而是强调理解每一种工具（无论是剪刀还是缝纫机）的“性格”，并利用其特性来服务于最终的艺术效果。比如，书中有一个小技巧是关于如何利用缝纫机的特定针迹来模仿手工锁边的自然不规则感，这个细节的处理，体现了作者对“手工痕迹美学”的深刻理解。读完后，我感觉自己对家里那堆闲置的零碎布料的态度都变了，它们不再是边角料，而是等待被赋予新生命的色彩片段。

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我最近在整理我的工作室，翻出这本装帧精美的册子，发现它带来的启发是持久且深远的。与市面上那些只教你“如何做”的工具书不同，这本书更像是一本关于“如何看”的哲学思考录。作者似乎花费了大量时间去研究艺术史中那些关于光影和色彩大师的理论，并巧妙地将其融入到布艺创作的实践中。例如，书中对“冷暖对比在平面构成中的张力”的论述，让我对之前总是凭感觉下针的习惯进行了深刻的反思。我过去总觉得红色和绿色放在一起会很“俗气”，但作者通过展示几个使用对比色营造空间纵深的案例后，我明白了关键在于饱和度和明度的精确控制。这本书的排版设计也值得称赞，它懂得留白的重要性，让复杂的概念在视觉上得以舒缓，便于读者消化吸收。读完关于“动态平衡”那一章节后，我立刻重新审视了我正在进行的一个挂毯项目，原本感觉僵硬的构图，在引入少量高亮度的对比色块后，瞬间充满了流动感。这不仅仅是教人做手工艺品，更像是在训练一种高级的视觉素养。

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