Emily Remler:Bebop & Swing Guitar pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Music Video Dist

作者:Emily Remler

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2008-04

价格:CAD 25.54

装帧:DVD

isbn号码:9785557448840

丛书系列:

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• 爵士吉他
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• #45157.E.Remler(1957-1990)
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吉他演奏的黄金时代：从布鲁斯到摇滚的演变 一卷深入探寻二十世纪中叶美国音乐史核心的史诗级画卷。 本书并非聚焦于某一特定演奏家的技艺剖析，而是以广阔的视角，审视了电声吉他在美国流行音乐版图中崛起、成熟并最终分裂为多元流派的完整轨迹。我们追溯电吉他从早期的木质结构，如何通过电磁拾音器的革命性发明，一跃成为定义时代之声的关键乐器。 第一部：音色的诞生与早期的探索（1920s-1940s） 本部分详述了电吉他作为一种新乐器的早期身份挣扎与技术奠基。 一、从声学到电流的飞跃： 我们首先描绘了爵士乐团和乡村音乐场景中对更大音量需求的现实困境。重点分析了乔治·布夏南（George Beauchamp）和阿道夫·林克（Adolph Rickenbacker）等先驱者如何通过实体实心琴体（Solid-body）和磁性拾音器的概念，解决了声音穿透力不足的问题。这一时期的吉他，更多是作为节奏乐器的补充，其音色处理相对原始，但已孕育出对持续音（Sustain）的渴望。 二、大乐队时代的节奏基石： 详细考察了查理·克里斯蒂安（Charlie Christian）的突破性贡献。他将吉他从单纯的伴奏工具，提升到了独奏乐器的地位。通过对他在本尼·古德曼（Benny Goodman）乐团中的录音进行细致的音乐语言分析，我们探讨了他是如何将即兴旋律（Improvisation）的逻辑融入到吉他演奏中，为后来的爵士和摇滚乐手确立了基本的乐句构建原则。这不仅仅是技术上的进步，更是音乐角色认知的彻底转变。 三、乡村与布鲁斯的早期交汇： 考察了阿肯色州、密西西比三角洲等地，原声吉他向半空心（Hollow-body）电吉他的过渡。重点分析了早期的拨片技术——如使用硬质拨片和手指结合的方式——如何塑造了早期布鲁斯音乐中那种粗粝、富有情感的音色。这一时期的音乐家们，如T-Bone Walker，开始探索弯音（Bending）技巧和音域的扩展，将布鲁斯的悲怆感直接注入到电声的洪流之中。 第二部：战后繁荣与风格的分野（1950s） 战后，经济的腾飞和青少年文化的兴起，为电吉他提供了前所未有的舞台。 一、爵士乐的精致化与和声的深化： 这一阶段，我们深入分析了巴尼·卡塞尔（Barney Kessel）和霍华德·罗伯茨（Howard Roberts）等大师如何将布吉伍吉（Boogie-Woogie）的节奏感与复杂的和声进行（Chordal Voicings）相结合。他们对和声色彩的敏感性，促使吉他进入了更复杂的音乐语境。我们详述了他们如何利用新的放大器技术，实现更清晰、更受控的音色，以便在大型乐团中准确地表达复杂的和弦进行。 二、摇滚乐的原始爆发与技术实验： 转向对摇滚乐的“蛮力”美学的探讨。猫王乐队中的斯科蒂·摩尔（Scotty Moore）的演奏被视为连接乡村、布鲁斯和新生的摇滚乐的关键桥梁。我们分析了诸如双音（Double-stops）和强劲的节奏驱动力如何定义了早期摇滚的能量。同时，探讨了莱斯·保罗（Les Paul）——作为发明家和演奏家的双重身份——对音色叠加（Layering）和早期效果器（如回授/Feedback）的探索，这极大地拓展了吉他声音的可能性边界。 三、德州布鲁斯的火焰与电声的融合： 聚焦于德州地区，探讨了阿尔伯特·金（Albert King）和B.B.金（B.B. King）如何确立了电布鲁斯独奏的典范。他们的演奏着重于“人声化”的表达：每一个音符都像是在说话或哭泣。我们详细对比了他们对颤音（Vibrato）的运用——B.B. King的细密、稳定颤音与Albert King那种宽广、深沉的颤音——这是电吉他情感表达力的集中体现。 第三部：五十年代末与六十年代的革新浪潮 随着技术和音乐观念的成熟，吉他开始进入一个充满实验和高度专业化的时代。 一、放大器的军备竞赛： 探讨了Fender Tweed、Marshall Stack等标志性放大器如何不仅仅是音量提升器，更是音色塑造的核心工具。分析了电子管过载（Tube Overdrive）的物理特性，以及乐手们如何利用这种非线性响应来创造更具侵略性、更耐听的音墙。这标志着“音色设计”首次成为吉他演奏艺术的重要组成部分。 二、爵士吉他的现代派： 考察了韦斯·蒙哥马利（Wes Montgomery）的“大拇指”演奏法，这是一种对音色纯净度和节奏推进力的高度追求。他放弃拨片，用拇指触弦，使得他的音符既有原声的温暖，又有电声的清晰度。我们详细分析了他如何将八度（Octaves）的运用提升到前所未有的复杂程度，挑战了传统爵士吉他的和声边界。 三、从布鲁斯到硬摇滚的过渡期： 考察了吉他手们如何开始系统性地学习和解构布鲁斯音阶，并将其应用于更快的速度和更强烈的失真效果中。这一章节强调了对音阶、琶音以及调式（Modes）的理解，如何帮助乐手们在有限的指板上创造出无限的旋律可能性，为即将到来的吉他英雄时代埋下了技术和哲学的双重伏笔。 本书旨在为所有对二十世纪中叶西方音乐发展史、乐器技术革新以及演奏美学演变感兴趣的读者，提供一份详尽、严谨且充满洞察力的参考资料。它描绘的是一个乐器如何适应并引领时代变迁的宏大叙事。

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这本书的魅力在于它的实用性和前瞻性完美结合。它没有沉溺于对古典布鲁斯的一些简单重复，而是将重点放在了如何将传统的摇摆乐语汇应用于更现代、更复杂的和声进行中。我非常欣赏作者在讲解如何处理七和弦延伸音（如9th, 11th, 13th）时所采用的清晰图示和对应的旋律线条。这些内容对于希望在乐队伴奏或者融合爵士乐中有所作为的乐手来说，无疑是黄金信息。我甚至发现，书中学到的某些和弦替代技巧，可以立即应用到我日常演奏的流行歌曲改编中，极大地丰富了我的和声色彩库。总而言之，这是一本既能打好坚实基础，又能有效提升个人表现力的教材，我愿意向所有严肃对待吉他艺术的同仁们大力推荐。

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对于一个对指板不甚熟悉的演奏者而言，这本书简直就是打开了新世界的大门！它的结构设计非常巧妙，循序渐进地引导你熟悉指板上的每一个音符和它们的相互关系。那些关于如何在不同把位间流畅转换的练习，我已经坚持了好几周，进步神速。过去，我总是依赖记忆和肌肉的本能反应，导致即兴时常常卡壳或者重复使用有限的乐句。但这本书教会了我如何“看”见指板，如何将抽象的和声概念转化为具体的指位组合。更让我惊喜的是，书中对于节奏感的强调，这一点往往在很多技术导向的书籍中被忽略。通过跟着书中的示范音频进行练习，我感觉我的律动性（groove）有了质的飞跃，整个人演奏起来都更加自信和放松了。

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说实话，这本书的深度远远超出了我最初的预期。我本以为它会是一本停留在基础技巧层面的指南，但它实际上是一部系统的音乐哲学探讨。作者在探讨吉他演奏技巧的同时，不断穿插着对那个时代音乐家精神的致敬与剖析，这使得整个阅读过程充满了历史的厚重感和艺术的感染力。我特别欣赏作者在讲解特定和弦进行时，是如何巧妙地将历史背景融入其中，让你在弹奏的同时，仿佛能“看到”那些传奇乐手们在烟雾缭绕的俱乐部里挥洒汗水的场景。它不仅仅是关于“怎么弹”，更是关于“为什么这么弹”。对于那些已经有一定基础，渴望从“会弹”迈向“会思考”的乐手来说，这本书提供了宝贵的思维框架。我用了好几个月的时间才将前三分之一的内容吃透，每深入一层，都会有新的豁然开朗的感觉。

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我必须承认，这本书的挑战性是巨大的，但同时其回报也是惊人的。这不是那种让你快速学会几个炫技技巧的书，它更像是一个严谨的音乐学院课程，要求你付出百分之百的专注和毅力。我尤其是在面对那些关于高级和弦色彩和复杂转调的章节时，不得不反复阅读，甚至需要停下来用钢琴或其他乐器来验证书中的概念。然而，正是这种挑战性，让我学会了更系统、更科学地对待吉他学习。它迫使我跳出了自己舒适区，去面对那些我过去一直回避的、看似高深莫测的音乐理论。读完这本书，我不再是那个只会模仿的吉他手了，我开始真正理解了比波普音乐的“对话性”和内在张力。这绝对是一本值得珍藏和反复研读的经典之作。

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这本书简直是吉他学习者的福音！我拿到手的时候，就被它扎实的理论基础和清晰的讲解方式深深吸引住了。作者显然对布鲁斯和摇摆乐的精髓有着深刻的理解，不仅仅是教你弹奏，更重要的是让你明白背后的音乐逻辑。从和弦的构造到音阶的运用，再到即兴的思路，每一个章节都像是在为你揭开一个又一个音乐的秘密。特别是对于我这种一直苦于无法将理论知识应用到实际演奏中的人来说，书中的实例和练习简直是雪中送炭。我花了大量时间去消化那些关于如何用五声音阶构建更富色彩的乐句的章节，效果立竿见影，感觉自己的吉他“开口说话”的方式都变得更动听了。这本书的排版设计也非常人性化，谱例清晰易读，对于自学者来说，简直是一本爱不释手的“武功秘籍”。我强烈推荐给所有希望提升自己摇摆乐和比波普演奏技巧的乐手。

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