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出版者:MDS

作者:Axel Jungbluth

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2001-03

价格:0

装帧:Musiknoten

isbn号码:9783795787226

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 和声学
• 音乐理论
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• 音乐

《和声学基础：从巴赫到德彪西的和声语言演变》 一部跨越古典、浪漫与印象派的深度和声分析指南 第一部分：古典和声的基石——功能和声的严谨构建 本书聚焦于18世纪中叶至19世纪初欧洲古典主义时期，巴洛克晚期和声体系向严格功能和声的演进过程。我们将以巴赫、莫扎特和海顿的作品为核心案例，深入剖析和声学思想的理性化与规范化。 第一章：调性与功能 本章从调性（Tonality）的建立开始，阐明大小调体系如何取代中世纪教会调式，成为西方音乐的绝对主导。我们将详细探讨和弦的功能性（Functional Harmony）：主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）这“三驾马车”如何构建起音乐的张力与释放。强调C.P.E.巴赫对和声逻辑的早期贡献，及其对古典派作曲家的影响。 第二章：三和弦的逻辑与转位 深入分析三和弦（Triads）的构造及其在不同声部进行中的应用。重点解析三和弦的转位（Inversions）——第一转位（六和弦）和第二转位（四六和弦）如何服务于旋律的流畅进行和低声部的平稳过渡。我们将特别关注“陈述性六和弦”（Cadential Six-Four）的独特功能，揭示其并非单纯的稳定结构，而是驱动属和弦出现的重要“预备”。 第三章：七和弦的织体与倾向 引入七和弦（Seventh Chords）的概念，尤其是属七和弦（Dominant Seventh, V7）作为最核心的紧张元素。本章详细论述七和弦的解决方式（Resolution），讲解导音（Leading Tone）和七音（Seventh）的严格消解路径，确保和声的清晰与逻辑。同时，探讨九和弦（Ninth Chords）在古典时期边缘性的、作为装饰性色彩的出现。 第四章：非功能性音级与半音化 探讨和声色彩的初步扩展：半音化音级（Chromaticism）的引入。分析经过变化的属和弦（Altered Dominants），例如减七和弦（Diminished Seventh Chords）作为“万能钥匙”的独特地位。讲解减七和弦在模进（Modulation）中的强大功能，它如何搭建起远关系调之间的桥梁，同时不破坏整体调性的结构性稳定。 第五章：模进的规范路径 本章是关于古典调性结构的关键。我们将细致地描绘模进（Modulation）的几种经典技术：平行关系模进、基于共同和弦的模进，以及通过半音连接和弦进行的模进。目标是理解海顿和莫扎特如何构建清晰、可预见的乐章结构（如奏鸣曲式），其中和声行进是宏大建筑的承重梁。 --- 第二部分：浪漫主义的扩张——情感的饱和与和声的模糊化 进入19世纪，和声语言开始挣脱古典规范的束缚，服务于更强烈的主观情感表达和宏大的叙事需求。本部分聚焦于贝多芬晚期、舒伯特、肖邦以及后来的瓦格纳。 第六章：扩大调性范围与和声色彩 浪漫主义首先体现在对大调和小调对比的极端运用，以及对“色彩和弦”（Color Chords）的偏爱。分析舒伯特的模进如何更频繁地使用关系小调（Relative Minor）和下属小调（Subdominant Minor），带来情绪的骤变。探讨肖邦如何通过对装饰音的细致处理，使功能和弦带上独特的、近乎印象派的朦胧感。 第七章：增六和弦的爆发力 重点分析增六和弦（Augmented Sixth Chords）——意大利式、法国式、德国式——如何被浪漫主义作曲家发扬光大。这些和弦的共同特征是其强大的导向性，它们强力地指向属和弦，但其内部的半音密集性极大地增强了和声的冲突感与戏剧性。我们将对比它们在交响乐（如贝多芬）和室内乐（如舒曼）中的不同使用策略。 第八章：瓦格纳与“三一三”的界限消融 本章是对19世纪晚期和声革命性探索的集中分析，尤其关注理查德·瓦格纳对调性极限的挑战。《特里斯坦与伊索尔德》中的著名“特里斯坦和弦”将被置于严格的和声语境下分析，揭示它如何故意延迟解决，从而创造出持续的、未满足的和声渴求。这标志着音乐开始从“功能服务于结构”转向“功能服务于情感持续”。 第九章：从主调到远关系调的自由穿梭 探讨李斯特、布拉姆斯等作曲家如何利用远关系调的模进（Modulation to Distant Keys）。重点研究布拉姆斯在对位严谨性下如何巧妙地运用借用和弦（Borrowed Chords）和平均律音程（Equal Temperament）的特性，使听者在保持对调性感知的过程中，体验到前所未有的和声广阔性。 --- 第三部分：印象主义的曙光——功能和声的瓦解与色彩的胜利 本部分转向20世纪初，印象主义音乐如何彻底质疑传统功能和声的必要性，转而追求听觉上的光影与氛围。 第十章：和弦的独立化与去功能化 分析德彪西（Debussy）如何系统性地“中立化”和弦的传统功能。他不再将和弦视为解决的工具，而是视为独立的音响实体。本章将重点解析九和弦、十一和弦和十三和弦的并置使用，它们在德彪西的作品中几乎不再有严格的属/主关系。 第十一章：平行和声的回归 这是对中世纪教会调式和巴洛克早期实践的“反向引用”。探讨平行和弦进行（Parallelism），即和弦本身保持不变的结构，但整体音高进行却不遵循功能导向。分析这些和弦进行（如平行五度、平行三和弦）如何创造出静止、漂浮的听觉效果，是印象主义色彩感的关键。 第十二章：新的音高集合：五声音阶与全音阶 最后，本章探讨非西方音乐和古代音阶对德彪西和声语汇的深刻影响。我们将详细分析五声音阶（Pentatonic Scale）和全音阶（Whole-Tone Scale）如何被整合进和声织体中。全音阶的特殊性在于它彻底消除了传统导音和半音关系，从而使任何一个和弦都丧失了明确的中心音，象征着传统和声时代的终结，为20世纪的无调性音乐铺平了道路。 --- 结语：从逻辑到直觉的百年旅程 本书旨在为学习者提供一套清晰的、基于历史演进的分析框架，理解和声语言是如何从古典时期的“语法”演变为浪漫主义的“修辞”，最终在印象主义中蜕变为纯粹的“色彩学”。通过对不同时期核心作品的深入解构，读者将能掌握一套全面的和声分析工具，洞察作曲家如何运用音高关系来塑造听觉体验和情感深度。

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初读此书，我的第一印象是，这简直就是一本为“实战派”设计的和声手册，而不是一本高冷的学术著作。它深谙爵士乐手的痛点：理论知道一堆，可一到乐器上就懵了。这本书最让我赞赏的一点是，它极其强调“耳朵”和“指板”的同步训练。书中对于如何听辨不同调式音阶（Modes）在特定和弦上的色彩变化，提供了大量的听觉练习建议，这比单纯看五线谱上的音符要有效得多。我尤其喜欢它讨论“和弦内音的重构”（Voicing Reharmonization）的那几章。作者没有满足于讲解基础的三音或四音和弦，而是深入探讨了如何运用如#11、b13甚至更复杂的九和弦结构，来营造出Miles Davis时期那种慵懒而又充满悬念的氛围。这些讲解不是空泛的，而是配有大量的指板图例，让你能够立刻在吉他或钢琴上找到对应的声音。坦白说，很多教材会让你觉得和声是死的规则，但这本书却让你感受到，和声是流动的色彩和情绪的载体。它成功地将复杂的数学逻辑转化成了音乐家可以理解和使用的“语言”。

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总的来说，这本书给我的感觉是“实用、深刻且富有启发性”。它成功地搭建起了一座连接传统音乐理论与现代爵士乐和声实践的桥梁。一个让我印象特别深刻的点是，书中对“调性中心转换”（Tonal Center Shifting）的讨论。在爵士乐即兴中，乐手常常需要在短短的几个小节内，快速地在不同的调性中心之间游走。这本书用非常清晰的图示和听觉示范，解释了如何通过共同音、转调和弦等技巧，实现这种看似复杂却异常流畅的转换。这不仅提升了我对和弦连接的理解，更极大地丰富了我的即兴词汇。它不是那种只告诉你“应该用什么音”的书，而是告诉你“为什么这个音在这里会产生这样的效果”的书。通过这本书的学习，我发现自己对听到的任何一段复杂的爵士乐，都能在脑海中迅速勾勒出其底层的和声骨架，这对于提升演奏的准确性和表现力有着不可估量的价值。这是一本值得反复研读，并且会随着我演奏经验的增长而不断揭示新洞察的工具书。

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我必须承认，这本书的难度曲线是陡峭的，但绝对是值得攀登的。它对学习者的要求不仅仅是识谱能力，更需要一定的音乐理论预备知识。对于那些完全零基础的初学者来说，可能需要先啃一些基础的和声学教材才能更好地消化这里的内容。然而，对于那些已经掌握了基础功能和声，并准备“进阶”到爵士领域的学习者而言，这本书就像一座灯塔。它对“比波普和声的垂直化”处理，也就是如何将快速的、分散的和弦音进行转化为复杂的三度叠置结构，讲解得尤为透彻。书中对Charlie Parker和Bud Powell作品的和声分析部分，是我个人认为的精华所在。作者没有直接给出“答案”，而是引导你一步步拆解那些看似天马行空的乐句背后，隐藏着的严密和声逻辑。这套方法论教会我的，是如何自己去发现和理解那些大师们的“秘密”，而不是被动地接受既定的规则。整本书的排版和图示都非常专业，保证了在处理高密度信息时，视觉上不会产生疲劳感。

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这本关于爵士乐和声理论的书籍，简直是为所有渴望深入理解这种复杂而迷人音乐风格的音乐家准备的宝典。我第一次翻开它时，就被其结构清晰的编排所吸引。它没有采用那种枯燥的、学院派的理论说教方式，而是非常巧妙地将爵士乐和声的发展脉络与实际演奏中的应用案例紧密结合起来。比如，书中对“特里同替代”（Tritone Substitution）的讲解，绝不仅仅是停留在和弦功能的抽象描述上，而是通过一系列经典的爵士标准曲目片段，手把手地展示了如何在即兴演奏中实现这种色彩的快速转换，那种豁然开朗的感觉，是我在其他教材中从未体验过的。作者对传统和声学知识的掌握毋庸置疑，但他更厉害的地方在于，他知道如何“解构”这些知识，以便将其无缝嫁接到爵士乐特有的延长音、色彩音和复杂转调模式中去。即便是对于已经接触过一些布鲁斯和弦进行的朋友来说，这本书也能提供一个全新的视角，让你明白为什么某些音符听起来“对”，而另一些则会产生恰到好处的张力。如果你真的想从“会弹奏”跨越到“会思考”爵士和声的层面，这本书绝对是绕不开的一座高峰。它的深度和广度，足以支撑一个音乐人未来十年内的学习和探索。

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这本书的文字风格非常具有引导性，读起来毫不费力，但其内涵的重量却需要反复咀嚼。我注意到作者在处理爵士乐的“黑人音乐根源”时，处理得非常到位和尊重。它清晰地阐述了从福音音乐、蓝调结构到比波普（Bebop）和声复杂化的演进路径。这一点至关重要，因为脱离了历史背景去学习爵士和声，就像在没有根的树上采摘果实。特别是关于“蓝调进行”（Blues Progression）在不同时期如何被“爵士化”的分析，让我对经典的12小节蓝调有了全新的理解，它不再仅仅是I-IV-V的简单循环，而是充满了无数次色彩和声的微妙渗透。此外，书中对“和弦进行的功能性”的探讨，也远超一般教材的水平。它不再停留在“属和弦解决到主和弦”这种基础概念上，而是深入到次属和弦的替代、副属和弦的层层嵌套，以及如何利用这些工具来拓展乐句的张力范围。对于想创作原创爵士乐曲或为标准曲谱进行高级编配的音乐人来说，这本书提供了极其扎实的理论基础和创作灵感。

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