Ragtime Guitar - 11 Joplin Rags (Essential Skills) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Cherry Lane Music

作者:Jerry Silverman

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996-03-01

价格:USD 11.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780895249685

丛书系列:

图书标签:

• J.Silverman
• 100+_pages
• #458.classical_guitar
• #451.jazz_guitar
• #45.guitar
• #4411001.S.Joplin(1868-1917)
• #441100.ragtime
• #4411.jazz
• 吉他谱
• 拉格泰姆
• 斯科特·乔普林
• 指弹
• 乐谱
• 吉他技巧
• 古典吉他
• 器乐演奏
• 音乐教材
• 入门教程

好的，这是一份关于其他音乐书籍的详细简介，内容涵盖了从古典音乐理论到现代流行音乐制作的多个方面，旨在为音乐爱好者和专业人士提供全面的阅读选择，同时严格避免提及您所提到的《Ragtime Guitar - 11 Joplin Rags (Essential Skills)》一书的内容。 --- 音乐学习与理论深度探索：精选书目导览 本导览汇集了一系列旨在深化音乐理解、拓展演奏技能以及揭示音乐创作奥秘的经典与现代著作。这些书籍涵盖了从基础乐理的严谨构建，到不同音乐风格的历史演变与实践技巧，为不同阶段的学习者提供坚实的知识基石和前沿的视野。 一、 音乐理论与和声学进阶 1. 《十二音体系与二十世纪音乐和声分析》 本书是深入研究现代和声语言的权威著作。它系统地阐述了阿诺德·勋伯格开创的十二音技法（Dodecaphony）的理论基础、序列构造的数学逻辑以及其实际在作品中的运用。作者不仅细致剖析了序列主义音乐的结构特点，还探讨了其对传统调性体系的颠覆性影响。 重点内容包括： 序列的生成与操作： 详细讲解了原始型（Prime）、逆行（Retrograde）、倒影（Inversion）和逆行倒影（Retrograde Inversion）的构建方法，以及音级集合的数学关系。 非传统和声的分析工具： 引入了集合理论（Set Theory）的分析框架，帮助读者理解无调性音乐中的音集关系、全音阶、半音阶以及音高类（Pitch Class）的概念。 案例研究： 对斯特拉文斯基、贝尔格和韦伯恩等关键作曲家的作品进行深度剖析，展示了十二音体系在不同作曲家手中的多样化应用。 这本书对于希望超越传统大小调和声，进入二十世纪及当代音乐研究领域的学习者来说，是不可或缺的工具书。 2. 《巴赫对位法精解：赋格创作的原理与实践》 对位法（Counterpoint）是西方音乐的骨干。本书以约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的晚期作品，特别是《赋格的艺术》（The Art of Fugue）和《平均律钢琴曲集》（The Well-Tempered Clavier）为蓝本，提供了一套清晰且实用的对位法学习路径。 核心章节涵盖： 严格对位法（Species Counterpoint）： 从最基础的二部对位（一音对多音、多音对多音）开始，逐步过渡到更复杂的写作技巧，重点讲解了节奏的交织与旋律线的独立性。 赋格曲的结构解析： 深入剖析了主呈部（Exposition）、插部（Episode）的设计，以及中入、入替、Stretto（紧凑再现）等高级技巧的写作要点。 线性思维的培养： 强调旋律线条在垂直和声关系中的主动地位，指导演奏者和创作者如何清晰地“听见”并“写出”独立的声部。 此书不仅是作曲系的必备教材，也是所有严肃器乐演奏者提升乐感和精细控制力的宝贵资源。 --- 二、 乐器演奏技巧与风格史（聚焦于弦乐与键盘） 3. 《古典吉他演奏的姿势、音色与技巧体系构建》 本书专为古典吉他学习者设计，旨在建立一个全面且科学的演奏基础。它详细讨论了从持琴姿势、右手拨弦（Tirando 与 Apoyando）的细微差异，到左手按弦的压力控制等基础要素。 内容亮点： 音色控制的物理学： 分析了指甲的形状、拨弦角度与琴弦材料对音质（Timbre）产生的具体影响，并提供了实验性的练习方案。 指法与把位转换： 探讨了在快速音阶和琶音进行中，如何实现平滑、无缝的把位转换，尤其关注了巴赫改编曲目中的挑战。 踏板与支撑系统的应用： 介绍了在现代演奏中如何利用脚凳或支撑器械来优化演奏姿势，减轻身体负担，从而延长练习时间并提高技术准确性。 4. 《钢琴演奏的触键艺术：从哈农到德彪西的过渡》 针对钢琴学习者，本书将技术练习与音乐表达紧密结合。它不满足于孤立的指法练习，而是探讨如何将技术转化为富有表现力的音乐语言。 涵盖范围： 手指的独立性与力量平衡： 结合哈农、车尔尼等传统练习素材，探讨了如何针对性地训练弱指，并确保所有手指施力均匀。 触键深度与重量分配： 深入分析了不同作曲家对键盘的“要求”——例如，莫扎特的轻盈、贝多芬的力度对比，以及浪漫主义作品中的歌唱性触键。 踏板的运用哲学： 区别了延音踏板、保持踏板和柔音踏板的实际效果，并辅以德彪西和拉威尔作品中模糊和声效果的精确实现方法。 --- 三、 音乐史与风格流派专题研究 5. 《二十世纪早期美国音乐的都市脉动：从蓝调到前卫爵士》 本书聚焦于一个独特且极具活力的历史时期：1900年至1940年美国城市音乐的发展。它将音乐流派视为社会、经济和种族融合的产物，提供了一个跨学科的视角。 研究重点： 新奥尔良风格的形成： 分析了军乐队、布鲁斯（Blues）传统与欧洲进行曲风格在早期爵士乐中的融合过程。 芝加哥与纽约的演进： 追踪了爵士乐从集体即兴向个人独奏英雄主义过渡的关键节点，探讨了路易斯·阿姆斯特朗等人的历史地位。 早期实验性音乐： 考察了在主流风格之外，如早期“拉格泰姆”的结构化节奏尝试，以及受欧洲现代主义影响的音乐探索。本书详尽梳理了这些风格的乐谱、录音档案和关键人物的传记，构建了清晰的美国音乐发展图谱。 6. 《二十四平均律的兴衰与键盘乐器的演变》 键盘乐器的历史与音律系统的发展密不可分。本书探讨了从五度相生律到巴赫时代“良好平均律”的过渡，以及这些音律变化如何反过来影响了作曲家的和声选择和曲式结构。 关键主题： 音律的历史辩论： 详细解释了毕达哥拉斯音律、纯律以及各种“不完美平均律”的优缺点，以及它们在不同音乐时期对和弦纯净度的要求。 十二平均律的普及： 分析了十二平均律（Equal Temperament）的数学原理，以及它如何为浪漫主义时期复杂转调和更丰富的和声色彩铺平了道路。 乐器技术对音乐创作的制约： 通过对羽管键琴（Harpsichord）和古钢琴（Fortepiano）的构造分析，展示了乐器音量、延音特性如何直接决定了作曲家对织体和速度的偏好。 --- 四、 录音技术与音乐制作基础 7. 《家庭工作室的数字音频工作站（DAW）实践指南》 对于希望将演奏和创作成果数字化记录下来的音乐人，本书提供了从零开始搭建和优化家庭录音环境的实用知识。 操作层面的指导： 声学基础与房间处理： 讲解了如何利用简单的家具和吸音材料，在预算有限的房间内，初步控制混响时间和驻波问题。 麦克风的选择与摆位： 深入对比了动圈、电容和铝带麦克风的特性，并提供了人声、原声乐器录制的常用摆位图解。 DAW 软件的核心工作流： 侧重于 MIDI 编程、音频编辑、效果器链的设置（均衡、压缩、混响）以及最终的混音母带处理流程，确保数字录音达到专业水准。 这些书籍共同构成了一个全面的音乐知识库，适合那些渴望在理论深度、演奏技巧和历史认知上取得突破的求知者。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

作为一名自学者，我最头疼的就是缺乏一个明确的、可量化的学习路径。很多教材要么过于学术化，充满了晦涩的术语，要么就是简单粗暴地将曲谱堆砌在一起，让你自己去摸索其中的联系。这本书在结构上做得非常出色。它显然是经过精心设计的，从最基础的手型和指法开始，逐步引入拉格泰姆的核心要素。我特别欣赏它在引入乔普林的原作之前，是如何先用一些“概念化”的练习来铺垫的。比如，它不是直接教《The Entertainer》，而是先让你熟悉那种特定的四分之二拍子下的律动模型。这种“先理解概念，再应用到作品”的模式，极大地增强了我的学习效率和自信心。每学完一个模块，都能明显感觉到自己的演奏在某个特定的维度上得到了加强。这种扎实、一步一脚印的感觉，让我确信，如果我能坚持按照书中的进度来练习，最终达到能够自信地演奏这些经典作品的目标，绝不是遥不可及的梦想。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上关于爵士或布鲁斯吉他的教材多如牛毛，但专门针对拉格泰姆这种相对小众，但对演奏技巧要求又极其严苛的风格的书籍，能做到深入浅出的实属罕见。我拿到这本时，主要关注点在于它如何处理那些标志性的“行走贝斯线”和右手旋律的交织。这本书的妙处在于，它没有回避这些技术难点，而是用一种非常巧妙的方式将其“去魔术化”了。我印象最深的是其中关于如何处理那些快速的琶音和装饰音的部分，作者没有采用那种一笔带过的描述，而是用图表和详细的指法提示，手把手地告诉你，如何在不牺牲速度和清晰度的情况下完成这些花哨的段落。特别是书中对一些罕见但极富表现力的和弦转换的解析，让我立刻就能在自己的演奏中找到提升点。这不光是一本“怎么弹”的书，它更像是一本“怎么把这些作品弹得有味道”的指南。读完前几章，我甚至觉得，以前自己弹奏乔普林时那种“干巴巴”的感觉，终于有了改变的可能。

评分☆☆☆☆☆

这本关于拉格泰姆吉他的书简直是为我量身定做的，尤其是冲着那些“基础技能”的承诺去的。我一直对斯科特·乔普林的那些经典作品情有独钟，想象着自己也能在指尖下流淌出那种带着一丝忧郁又无比律动的旋律。拿到书后，首先映入眼帘的是那些排版和乐谱的清晰度，这对于初学者或者像我这样，虽然听了很久但动手弹奏起来总感觉抓不住重点的人来说，至关重要。书中对和弦的分解和节奏型的解析，简直就像是给我打开了一扇门，让我终于明白了为什么听起来那么“对味儿”。我尤其欣赏它没有直接堆砌复杂的技巧，而是从最核心的、让拉格泰姆听起来有那种独特“摇摆感”的基础入手。那些关于左手伴奏模式的细致讲解，配合着乔普林那些著名乐曲的简化版本，让人感觉每一步都走得踏实而有力。我花了整整一个下午，光是研究第一首曲子开头的几个小节，就感觉收获颇丰，那种从无到有的进步感，是其他随便翻翻就能找到曲谱的书籍完全无法比拟的。它更像是一个耐心的老师，而不是一堆干巴巴的音符集合。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷，是希望找到一本能够真正帮助我理解拉格泰姆“灵魂”的教材，而不是仅仅停留在指法层面的操作手册。这本书在这一点上超出了我的预期。它不仅关注了“如何弹奏得准确”，更深入探讨了“如何弹奏得富有表情”。书中对于速度变化的细微处理，以及在演奏中如何营造那种“向前冲”又“稍有停顿”的独特张力，有着非常独到的见解。作者似乎对乔普林那个时代的音乐语境有着深刻的理解，并在传授技巧的同时，将这种文化背景融入到了练习指导中。我发现，当我尝试按照书中建议的方式去处理那些重复出现的乐句时，我的演奏不再是机械地重复音符，而是开始带上了一种叙事感。这种对音乐“内涵”的挖掘，使得这本书的价值远超其作为一本技术教程的本身。它真正做到了将“基础技能”与“艺术表达”紧密地结合起来。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为学习拉格泰姆吉他，特别是乔普林的曲目，需要某种与生俱来的节奏感，或者说，需要花费大量时间在咖啡馆里对着老唱片琢磨。这本书的出现，彻底颠覆了我的这种偏见。它并没有直接把一堆复杂的、未经消化的十六分音符丢给你，而是采取了一种非常系统化的、几乎像是拆解乐器本身结构的方法来教授。我特别喜欢它在讲解“切分音”（Syncopation）时的那种循序渐进。作者似乎深知，对于大多数想学习这方面音乐的人来说，难点往往不在于按哪个音，而在于“什么时候”按。书中针对性地设计了一系列练习，这些练习不是孤立的音阶练习，而是直接模拟了拉格泰姆音乐中特有的、那种“前倾”的律动感。当我跟着书上的指示，放慢速度，一点一点地将左右手配合起来时，那种“卡点”的感觉逐渐清晰起来。它不是教你“弹什么”，而是教你“如何去感觉”这种音乐。这对于我这种更偏向理论理解型学习者来说，简直是醍醐灌顶，让我对“基本功”有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆