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出版者:Scala Publishers (2004年6月1日)

作者:Stefan Van Ray

出品人:

页数:128 页

译者:

出版时间:2004年06月

价格:270.0

装帧:平装

isbn号码:9781857593310

丛书系列:

图书标签:

• British Art
• Modern Art
• Art History
• Painting
• Sculpture
• 20th Century Art
• 21st Century Art
• Art
• Culture
• United Kingdom

20世纪英国艺术的转型与探索：战后至千禧年的视觉景观 一部深入剖析战后英国视觉艺术图景、聚焦于关键运动、流派与思想变迁的权威性著作。 本书旨在为读者提供一个全面、深入且细致入微的视角，用以理解自第二次世界大战结束，直至步入21世纪的六十余年间，英国艺术（特别是绘画、雕塑和装置艺术）所经历的深刻变革与关键的艺术转向。我们不再仅仅关注那些被既有艺术史叙事所固化的“核心”艺术家群体，而是将目光投向那些塑造了当代英国文化语境的复杂、多元且时常充满争议的艺术生态。 第一部分：战后的重建与现代性的挣扎（1945–1960s初期） 二战的阴影深刻地影响了英国的文化心理。本部分探讨了战后初期英国艺术如何努力摆脱欧洲大陆（特别是法国）的传统影响，并在本土环境中寻找新的表达方式。 一、圣艾夫斯群体的田园牧歌与抽象的诞生： 重点分析了康沃尔郡圣艾夫斯（St Ives）作为艺术避难所的角色。讨论了本尼·卢卡斯（Ben Nicholson）和芭芭拉·赫普沃斯（Barbara Hepworth）如何将对形式、光线和材料的关注提升到近乎纯粹的哲学层面。特别是赫普沃斯的雕塑如何体现了对“有机形式”和纪念碑性的重新定义，以及这种对形式纯粹性的追求与战后社会重建的紧张关系。 二、具象传统的顽固坚守与对现代主义的批判： 对比分析了“具象画家协会”（The Few Group）和以弗朗西斯·培根（Francis Bacon）、格雷厄姆·萨瑟兰（Graham Sutherland）为代表的“存在主义具象”画派。培根对肉体、暴力和人性的原始描绘，标志着英国艺术开始直面战后的心理创伤和人类境况的困境。我们考察了他们如何使用扭曲的形象来抵抗抽象表现主义的泛化，试图在人类的痛苦经验中寻找意义。 三、伦敦画廊的兴起与国际语境的初步接触： 探讨了伦敦艺术界的关键节点，如莱昂·科格（Leon Kossoff）和弗兰克·奥尔巴赫（Frank Auerbach）如何通过对城市景观和人物肖像的厚涂与雕塑般的处理，建立起一种独特的、物质化的现代性体验，这与美国抽象表现主义的轻盈感形成了鲜明对比。 第二部分：结构性转变与机构的挑战（1960s–1970s） 随着战后经济的复苏和消费文化的兴起，英国艺术开始吸纳来自美国和欧洲的观念和媒介。这一时期是结构性变革最为剧烈的阶段。 一、观念艺术（Conceptual Art）的入侵与英国的回应： 考察了观念艺术如何挑战艺术品的物质性和艺术家的传统角色。重点分析了约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）等人的理论对英国艺术教育和实践的影响。英国艺术家如何将观念论述与对特定地点的考察相结合，例如对英国工业遗址和废弃空间的关注，形成了更具本土性的“地点特定”艺术的雏形。 二、光与空间：英国的光学艺术与动态艺术： 详细分析了“光与空间”（Light and Space）运动在英国的独特表现。例如，约翰·汉斯利（John Hoyland）在色彩场域绘画上的探索，以及布里奇特·莱利（Bridget Riley）的视觉震荡（Op Art）如何通过精确的几何结构操纵观众的感知。这部分将厘清这些艺术如何从纯粹的视觉游戏过渡到对感知机制的哲学探讨。 三、波普艺术的本土化与对大众文化的解构： 与美国波普的乐观主义不同，英国的波普艺术（特别是早期的“独立小组”，Independent Group）表现出更强的社会批判性。本书深入研究了理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）对广告、科幻和媒体图像的拼贴，探究其如何预示了后现代的文化反思。我们区分了英国波普（更具理论和讽刺性）与美国波普（更具商业化和庆祝性）之间的关键差异。 第三部分：激进的多元化与身份政治的浮现（1980s–1990s） 撒切尔时代及其随后的社会动荡，催生了艺术表达上的极度多样化，同时也标志着身份、历史和机构批评的兴起。 一、新表现主义的回归与市场热潮： 审视了“野兽派”（YBA 之前的躁动）在1980年代的短暂复兴，特别是对英国具象绘画如何再次成为市场焦点进行了细致分析。探讨了这种复兴背后的经济驱动力以及艺术评论界对这种“回归传统”的复杂态度。 二、身份、历史与女性主义艺术的突破： 这一部分是全书的重点之一。深入剖析了女性艺术家如何通过作品挑战父权制的艺术史叙事。我们详细考察了对历史叙事进行重新发掘和重构的作品，以及通过身体、记忆和文化身份（包括少数族裔身份）进行探讨的艺术实践，这些实践开始系统地质疑“普遍性”艺术的权威性。 三、装置艺术的崛起与公共领域的侵蚀： 装置艺术在此时期成为主流媒介。我们分析了艺术家如何利用日常材料和现成品，在画廊空间内外，探索空间政治、消费主义遗迹和环境问题。这包括对传统雕塑边界的彻底瓦解，以及对观众参与度的不断提高。 第四部分：进入新千年：遗产的重估与媒介的融合（2000s初） 本部分关注了进入新世纪后，英国艺术如何应对全球化、数字化和艺术教育模式的转变。 一、回顾与前瞻：对YBA遗产的清算： 在“青年英国艺术家”（YBA）现象的热度逐渐消退后，本章评估了他们的长期影响——他们对艺术制作的商业模式、对“震撼力”的追求以及对新材料的拥抱，这些对后续艺术家的创作产生了何种持续的影响。 二、跨媒介实践的常态化： 探讨了影像、新媒体技术与传统绘画/雕塑之间的界限是如何进一步模糊的。分析了艺术家如何利用数字技术、录像装置来探讨时间性、记忆的建构和模拟的真实。 三、艺术与社会参与的再连接： 考察了当代英国艺术家如何重新参与到社会实践和公共领域中，艺术不再仅仅是博物馆或画廊中的对象，而是作为一种介入社会问题的工具，探索社区、城市规划和全球流动性等议题。 总结： 本书通过梳理以上四个阶段的艺术运动和关键人物，旨在提供一种去中心化的叙事，强调英国艺术在战后六十年中，始终处于一种动态的、充满内在张力的对话状态——在对欧洲传统、美国影响力、本土经验和社会政治变迁之间，不断进行着自我革新与身份确认的艰难过程。它不是一部简单的风格史，而是一部关于英国艺术思想和视觉策略的智识编年史。

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我发现这本书在处理跨媒介现象时展现出了令人惊喜的深度和广度。它并非只聚焦于架上绘画，而是非常自然地将雕塑、装置艺术乃至早期影像实验都纳入了讨论范围。比如，书中对1990年代“青年英国艺术家”（YBA）现象的论述，就非常到位，它没有简单地赞扬或抨击特雷西·艾敏（Tracey Emin）和达米恩·赫斯特（Damien Hirst）的争议性，而是花费了大量的篇幅去探讨“震惊美学”背后的文化动因——那种对新自由主义经济下艺术市场化、名人效应和后现代身份政治的复杂回应。作者巧妙地将赫斯特的生物标本系列与更早期的达达主义反艺术精神联系起来，形成了一种跨越时代的对话，这种结构性的比较，极大地提升了这本书的学术价值，也让那些初次接触这批艺术家的读者，能够迅速建立起一个清晰的历史坐标系，理解他们绝非昙花一现的炒作，而是有深厚脉络可循的文化现象。

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这本书的叙事节奏把握得极佳，读起来完全没有那种学术著作的沉闷感，反而更像是一部精彩的时代编年史。作者的笔锋流畅而犀利，尤其是在描绘上世纪六七十年代“激浪派”（Pop Art）兴起时的那种文化地震时，简直让人身临其境。他没有仅仅停留在对安迪·沃霍尔式商业符号的复述上，而是深入剖析了英国本土艺术家如何消化和转化这些国际浪潮，发展出自己特有的戏谑与反讽。例如，书中对大卫·霍克尼（David Hockney）早期在加州阳光下创作的那些色彩斑斓的泳池场景的分析，就独具匠心，不仅关注了形式美学，更将其置于战后英国社会对“享乐主义”的微妙向往与疏离感的背景下进行解读，这种宏大叙事与个体风格的完美结合，着实令人拍案叫绝。我尤其喜欢作者对那些常常被主流艺术史忽略的女性艺术家的关注，她们在男性主导的艺术圈中如何艰难地开辟出属于自己的话语空间，那些案例的挖掘显得非常细致和富有同情心。

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最让我感到惊喜的是，这本书在收尾部分并没有草率地结束，而是用一种相当开阔的视野来展望未来。作者没有止步于对“当代”的简单梳理，而是将目光投向了全球化背景下，英国艺术身份的重塑与挑战。他探讨了后殖民语境对本土艺术实践的影响，以及数字媒介如何解构了传统艺术机构的权力结构。这种前瞻性的讨论，使得整本书的格局一下子被打开了，不再局限于一个特定地理范围内的艺术史梳理。他提出的几个关于艺术与社会责任的尖锐问题，至今仍在艺术界引发回响，让人读完后久久不能平静，必须停下来思考自己对“现代性”和“英国性”的固有认知。这本书的价值，恰恰在于它敢于提出尚未被完全解答的问题，引导读者成为一个积极的思考者，而不是被动的接受者。

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这本书的封面设计实在是抓人眼球，那种带着粗粝感的纸张触感，配上大胆的色彩组合，立刻就让人联想到二战后英国艺术那种既有传统底蕴又充满实验精神的氛围。我拿到手的时候，几乎是迫不及待地翻开了扉页，心想，这下可有好戏看了。内页的排版更是下了功夫，那种留白和图片比例的拿捏，简直像在进行一场视觉的对话，而不是单调的资料罗列。特别是那些关于利物浦派和伦敦画派的早期作品对比，作者似乎非常擅长用并置的方式来强调地域性与思潮的碰撞。我特别欣赏它在介绍像弗朗西斯·培根（Francis Bacon）这类重量级人物时，没有落入窠臼，而是深入挖掘了他们作品中那些不易察觉的社会心理暗流，那种对人体形态的扭曲和对存在主义困境的描摹，被阐释得入木三分，让人在欣赏完那些令人不安的图像后，还能获得更深层次的理解，远超出了教科书式的讲解，更像是和一位资深策展人面对面交流的体验，充满了洞见和启发性。

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这本书的细节考据工作做得非常扎实，那种近乎偏执的严谨性，是很多同类书籍所不具备的。我注意到，在描述特定展览的布展细节或者艺术家工作室的原始环境时，作者似乎查阅了大量的档案和一手访谈资料。这种对“现场感”的追求，让阅读体验超越了简单的文字信息传递。比如，在讨论战后抽象表现主义向彩色场域绘画过渡的阶段时，作者引述了几段非常生僻的评论家笔记，这些笔记精确地捕捉到了颜料在画布上湿润和干燥过程中产生的微妙肌理变化，那种描绘的精确度，仿佛能让读者闻到画室里松节油和亚麻籽油混合的气味。对于那些希望深入研究某个特定时期或流派的读者来说，这本书提供的支撑点非常丰富，它不是在提供结论，而是在提供一套完整且可供检验的证据链，确保了论述的可靠性与厚重感。

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