张真戏曲评论集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国戏剧出版社

作者:Zhen Zhang

出品人:

页数:486

译者:

出版时间:1992

价格:8.10

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9787104000037

丛书系列:

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好的，以下是为您准备的图书简介，该书名为《张真戏曲评论集》： --- 《梨园光影：中国戏曲史论与名家撷英》 一部兼具学术深度与人文关怀的戏曲评论精选集 作者： 孙明远 著 出版社： 翰墨轩文化 页数： 约 680 页 定价： 128.00 元 --- 内容简介 《梨园光影：中国戏曲史论与名家撷英》是一部精选自当代著名戏曲理论家孙明远先生近三十年来重要文稿的评论集。全书共分为四个核心篇章，旨在对中国戏曲的千年流变、核心美学特征、代表剧种的艺术成就，以及塑造了舞台辉煌的几代艺术大师进行系统而深入的剖析与致敬。 本书并非简单的旧作汇编，而是经过作者深思熟虑的结构重塑，力求展现一条清晰的“历史脉络—理论提炼—个案研究—未来展望”的论述主线。孙明远先生以其深厚的古典文学功底与敏锐的现代视角，穿梭于元明清乃至近现代的戏曲舞台，以犀利的笔触，对传统戏曲的本体论、表演学、声腔艺术等核心议题，提出了诸多富有启发性的独到见解。 第一篇：溯源与定型——中国戏曲美学本体论 本篇聚焦于中国戏曲的起源、发展脉络及其核心美学体系的构建。孙明远先生力图回答“戏曲之为戏曲”的关键所在。 章节细览： 1. 从“百戏”到“戏文”：宋元乐舞杂剧的结构性转型研究 此部分详细考证了唐代参军戏、宋代诸宫调在宋元鼎革之际，如何向成熟的“戏文”形式演进。重点分析了“唱、念、做、打”四功的雏形在早期合乐过程中的地位变化，并引入“空间场域转换”的概念，论述了宋代瓦肆伎艺向元代大剧场艺术的跨越。 2. “载道”与“抒情”：传统戏曲的哲学底色 这一章节深入探讨了戏曲文本背后的儒释道思想交融。作者认为，传统戏曲的叙事往往在宏大的历史背景下，通过个体命运的“悲剧性”完成对传统伦理的肯定或反思。特别关注了“义理”与“人情”的张力，是构成传统戏曲艺术感染力的关键所在。 3. 虚实相生：舞台时空的意境营造 这是对戏曲虚拟性表演的本体论阐述。通过对“一桌二椅”的经典意象进行符号学分析，深入剖析了中国戏曲如何用极简的舞台调度来承载无穷的想象空间。作者区分了西方戏剧的“模仿真实”与戏曲的“象征超越”，强调了“程式化”背后蕴含的东方生命哲学。 第二篇：剧种的兴衰与流变——地域文化与艺术高峰 本篇将视角聚焦于中国戏曲最为繁荣的清代中叶以后，对几个代表性剧种的艺术特征进行深度剖析，探究地域文化如何塑造了声腔与表演的独特风格。 章节细览： 1. 昆曲的“幽微”与“雅正”：从盛世遗音到“水磨腔”的艺术极限 本部分以昆曲为核心，论述了其在音乐结构上的精巧复杂性，以及其如何通过对“气息控制”和“手眼身法步”的极致要求，构建起一种内敛、含蓄的审美范式。重点分析了汤显祖与沈庆的创作差异，揭示了昆曲在审美趣味上的分化。 2. 徽班进京与京剧的“混融性”爆发 此章节是全书的亮点之一，详细梳理了徽汉合流的社会历史背景，并着重分析了京剧在吸纳各剧种精华后，如何形成一种极具力度和穿透力的舞台语言。特别是对“武戏”的结构性改革进行了深入描摹，论证了京剧如何在新兴市民阶层的审美需求下完成艺术的“世俗化”与“戏剧化”。 3. 地方戏的“生命力”：川剧、越剧的地域性自觉 除了主流剧种，作者也关注了地方声腔的独特价值。川剧的“穿棒舞”、“变脸”等绝技，被视为中国民间表演技艺的活态博物馆；而越剧则被置于近现代城市化进程中，探讨其女性视角与小剧场的浪漫主义表达，展现了地方戏曲如何保持其独特的文化基因。 第三篇：舞台的灵魂——名家艺术的深度个案研究 本篇是本书最具人文关怀的部分，聚焦于几位对中国戏曲发展起到决定性作用的艺术家，通过具体的剧目分析，还原其舞台艺术的生命轨迹。 章节细览： 1. 程砚秋的“抑扬顿挫”：悲剧性诠释中的“冷与热” 作者以程派艺术为例，深入剖析了程砚秋对水袖和身段的革命性运用。他认为，程腔的标志性“长腔”并非简单的拖长，而是通过节奏的微小变化，营造出一种“情绪的慢镜头”，将人物的内心挣扎推向极致。 2. 荀慧生的“闺门旦”：时代变迁中的审美重塑 本章探讨了荀慧生如何在高腔体制下，通过对女性角色“娇憨”与“灵动”的捕捉，开创了与传统“青衣”截然不同的审美风尚。分析了荀派表演中对戏曲“身段”与“做功”的平衡处理，体现了其对传统艺术的现代化转化。 3. 马连良的“中和之美”：京剧老生的典范与困境 此部分对马连良的艺术生涯进行了评价，着重分析了马派表演中“文而不弱，武而不莽”的特质。作者认为马派的成熟标志着京剧老生行当对传统儒雅气质的最终确立，同时也指出，这种“中和”在剧场革命时期所面临的挑战。 第四篇：戏曲的当代性与未来展望 在历史梳理与个案分析之后，本篇将目光投向当代，探讨传统戏曲在现代社会语境下的传承与创新路径。 章节细览： 1. “活态传承”的辩证法：从保护到创造 作者批判了将戏曲简单固化为博物馆藏品的做法，强调“活态”的生命力在于适度的时代介入。探讨了如何在不破坏核心程式的前提下，引入现代舞美技术和新的叙事节奏。 2. 跨界与对话：戏曲与当代戏剧的张力 分析了近二十年来，戏曲元素在话剧、歌剧甚至影视作品中的运用现象，讨论了这种“对话”是融合还是稀释。提出了对新编历史剧的批评性观点，强调创作者必须深入理解本体，方能进行有效的创新。 3. 青年观众的培养与审美教育的重建 本篇最后，作者以呼吁的姿态，探讨了当下戏曲艺术面临的最紧迫问题——观众群体的断层。他提出了一套系统的戏曲美育方案，认为只有通过扎实的理论普及和高水准的舞台实践相结合，才能确保“梨园光影”不至熄灭。 --- 本书特色： 理论框架严谨： 逻辑清晰，大量引用一手文献资料，适合戏曲专业人士及高校师生。 视角独特： 不拘泥于单一剧种的褒扬，以宏观历史观审视各流派的兴衰起伏。 文字洗练： 语言兼具学术的精准性与评论的文学性，阅读体验流畅，避免了晦涩的术语堆砌。 《梨园光影》不仅是对过去几十年戏曲评论的总结，更是一份对中国传统舞台艺术未来的深切关怀与理论建构。它将引导读者深入戏曲的肌理之中，感受那穿越时空的艺术魅力。

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这本书的文字功底实在是令人叹为观止，作者对古典文学的理解之深刻，仿佛能让人穿越回那个诗词歌赋流传的年代。阅读过程中，我时常会为那些精妙的比喻和层层递进的论证感到惊叹。它不仅仅是对某一艺术形式的简单介绍，更是一次对传统文化脉络的深度挖掘。比如，书中对于某一特定时期戏曲流派的兴衰变迁的分析，详略得当，既有宏观的把握，又不失对关键人物艺术特点的细腻描摹。我尤其欣赏作者那种不拘泥于陈旧说法的勇气，敢于提出自己独到的见解，并用扎实的史料和逻辑来支撑，读起来让人耳目一新，仿佛与一位饱学之士在案前促膝长谈，获益匪浅。那种对艺术的敬畏与热爱，字里行间都清晰可辨，感染力极强。

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这本书带给我最大的震撼，在于它对于“传统”二字的重新诠释。作者并没有将传统视为僵化的教条，而是将其视为一个充满生命力的有机体，不断在时代洪流中进行自我革新与适应。书中许多段落都在探讨如何在新世纪的语境下理解和传承那些看似陈旧的艺术形式，这种前瞻性的思考令人深思。它迫使我跳出固有的思维定式，去审视那些被我们习以为常的艺术现象背后的深层逻辑和文化意义。那些关于创新与守正的讨论，逻辑严密，论据充分，让人不得不佩服作者深厚的学养和敏锐的洞察力。读完之后，我对所讨论的那个艺术领域，产生了一种全新的敬畏感和探索欲。

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这本书的结构安排着实巧妙，每一章节的过渡都自然流畅，仿佛浑然天成，毫无斧凿之痕。不同于一般评论集那种松散的结构，这里的每一篇文章似乎都与前后文有着微妙的联系，共同编织出一张关于特定艺术领域的思想网络。我发现自己常常因为被某一个精彩的论点所吸引，而停下来反复咀嚼，甚至会因此联想到其他领域的知识，这种思维的延展性是阅读一本好书的极致体验。而且，作者在阐述复杂理论时，总能找到最贴合实际的案例去佐证，那些生动的舞台场景描写，让抽象的理论瞬间变得鲜活起来，如同亲临现场，使得即便是初涉此道的读者也能轻松领会其精髓。这种将理论深度与可读性完美结合的写作技巧，在当下并不多见。

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坦白讲，这本书的阅读门槛稍高，但一旦跨越了最初的几页，便会发现自己被带入了一个前所未有的知识高地。作者在遣词造句上极为考究，经常使用一些在日常用语中罕见的、精确表达特定概念的词汇，这要求读者必须集中精力去理解每一个用词背后的文化意涵。然而，这种“挑战性”正是其魅力所在——它给予了读者一种“征服”知识的成就感。每一次停下来查阅陌生的典故或术语后，再回过头去重读相关段落，都会有一种茅塞顿开的豁然开朗之感。这本书并非是用来消磨时间的读物，而是需要坐下来，沏一壶茶，伴着宁静的心绪，去细细品味其中蕴含的学识和智慧的典范之作。

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我得说，这本书的语言风格简直是一股清流，它既有学者论述的严谨与思辨性，又不失文人特有的那种雅致与韵味。它读起来绝不枯燥，反而充满了音乐性和节奏感。作者似乎深谙文字的魅力，懂得如何运用长短句的交错和富有画面感的词汇，将原本可能显得严肃的议题，处理得如同一曲悠扬的小调，娓娓道来，引人入胜。特别是当作者引用古籍原文进行评述时，那种古雅的文风与现代的分析视角相互碰撞，产生的火花令人着迷。我感觉自己不仅仅是在阅读评论，更像是在进行一场跨越时空的对话，与那位远方的艺术家在文本中进行灵魂的交流，这种阅读体验是极其充实和愉悦的。

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