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出版者:Da Capo Press

作者:John Rockwell

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-03

价格:USD 14.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780306807503

丛书系列:

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怀旧与革命：战后美国流行音乐的脉动（1945-1970） 作者： [此处留空，如需作者信息请自行补充] 出版社： [此处留空，如需出版社信息请自行补充] 页数： [此处留空，如需页数信息请自行补充] --- 内容简介： 第二次世界大战的硝烟刚刚散去，美国社会如同被投入了一个巨大的熔炉。经济的繁荣、郊区的兴起、冷战的阴影，以及青年一代对既有秩序的隐秘反抗，共同塑造了一个充满活力、矛盾与变革的文化景观。本书《怀旧与革命：战后美国流行音乐的脉动（1945-1970）》深入剖析了这一关键历史时期，音乐如何不仅是背景噪音，更是定义一代人身份、推动社会思潮、并最终重塑文化结构的核心力量。 本书摒弃了将战后音乐简单归类为“摇滚乐的诞生”的肤浅叙事，而是将其视为一个复杂、多层次的生态系统。我们追溯了音乐产业在战后如何迅速适应新技术——从黑胶唱片到33/45转速的革命，从磁带录音的普及到广播电台（尤其是独立电台）的崛起——这些技术变革为不同流派的音乐提供了前所未有的传播渠道。 第一部：余晖与转型（1945-1954） 战后初期，音乐市场仍由战前的巨头主导。本部分详细考察了“大乐队”时代的衰落与大乐团领袖们的困境。然而，在这片看似平静的水面下，暗流涌动。 爵士乐的进化： 我们探讨了比波普（Bebop）如何从底层俱乐部中爆发，成为一种知识分子式的、高度复杂的音乐语言，是对主流商业音乐的坚决反抗。从查理·帕克到迪兹·吉莱斯皮，比波普不仅是音乐上的革新，更代表了少数族裔艺术家在追求艺术自主权和尊严的努力。同时，西海岸的酷派爵士（Cool Jazz）则以其内敛、精致的风格，试图在战后精英阶层中找到立足之地。 乡村音乐的城市化： 田纳西州的纳什维尔如何从一个区域性的唱片中心，转变为全国性的音乐工业枢纽。本书详述了“纳什维尔之声”（Nashville Sound）的形成，它通过引入弦乐和和声，试图“软化”乡村音乐，使其更容易被主流听众接受。我们分析了汉克·威廉姆斯（Hank Williams）作为一位代表性人物，其作品中融合了福音、蓝调和民间叙事的力量，为未来的流行音乐奠定了情绪基础。 R&B的勃兴与隔离的音乐： 聚焦于战后兴起的节奏与布鲁斯（Rhythm and Blues）。这些音乐充满了原始的、电声化的活力，并在非裔美国人社区中大受欢迎。本书细致考察了城市化的蓝调（Urban Blues）——如芝加哥电声蓝调的崛起，以及早期R&B如何通过“白人”电台的禁播，形成了其独特的、具有反抗色彩的文化空间。我们探讨了“涂抹”（Crossover）现象的早期萌芽，以及唱片公司如何试图通过“包装”白人歌手来规避种族壁垒。 第二部：风暴的酝酿与文化地震（1955-1963） 本部分是全书的核心，聚焦于摇滚乐的诞生及其对美国文化规范的冲击。 摇滚乐的化学反应： 我们不将摇滚乐视为单一事件，而是分析了它在社会、技术和经济层面的“聚合”。摇滚乐的爆发点在于白人青年发现了R&B的能量，并将其与乡村音乐的叙事结构和流行歌曲的甜美旋律相结合。艾尔维斯·普雷斯利（Elvis Presley）不仅仅是一位歌手，他是一个文化现象，他的舞台表现和形象打破了种族界限（在视觉和听觉上），挑战了战后中产阶级的道德准则。 道德恐慌与审查： 战后一代的父母们将摇滚乐视为对道德秩序的直接威胁。本书详细记录了“道德纯洁联盟”的抗议活动，以及“肥皂盒”运动对“淫秽”音乐的审查。我们分析了“小镇屠夫”（Payola Scandal）事件如何几乎摧毁了许多独立电台和先驱DJ的职业生涯，这揭示了音乐产业与官方权力结构之间紧张的关系。 多元流派的并存： 即使在摇滚乐占据主导地位时，其他流派依然繁荣。冲浪音乐（Surf Music）如何用加州阳光、汽车和自由的意象，为青年提供了一个逃避现实的避难所。而菲尔·斯佩克特（Phil Spector）的“音墙”（Wall of Sound）制作技术，则展示了录音棚如何成为一种新的、复杂的乐器，极大地提升了流行音乐的制作标准。 第三部：反思与深入（1964-1970） 进入六十年代，音乐不再仅仅是娱乐，它成了社会行动、哲学思辨和身份政治的载体。 英国入侵与美国的回应： 披头士（The Beatles）和滚石乐队（The Rolling Stones）的到来不仅仅是音乐风格的更迭，它们代表了战后一代开始向欧洲学习和借鉴，并最终反哺美国流行文化。本书对比了“入侵者”的流行性和“布鲁斯复兴者”的硬核立场，分析了美国音乐人如何重新审视他们的蓝调根源，催生了更为复杂和富有实验性的音乐形式。 民权运动与抗议歌曲： 民谣复兴（Folk Revival）在鲍勃·迪伦（Bob Dylan）手中完成了一次关键的转变——从纯粹的传统重述到尖锐的社会评论。我们探讨了“抗议歌曲”如何为民权运动和反战运动提供了口号和精神支柱。音乐人如何从舞台上的表演者，转变为社会良知的代言人。 迷幻与嬉皮士文化： 旧金山和纽约的地下场景如何成为迷幻摇滚的温床。本书详述了音乐如何与LSD体验、东方哲学以及对主流消费主义的彻底拒绝相结合。从前卫的编曲结构到复杂的概念专辑，音乐的边界被彻底拓宽。我们分析了伍德斯托克（Woodstock）不仅是一场音乐会，更是战后美国一代人尝试构建一个临时乌托邦的社会实验。 结论：超越“经典”的遗产 本书最终认为，1945年至1970年的美国流行音乐史，是一部关于美国身份认同的斗争史。从种族隔离的音乐市场到跨越边界的文化融合；从对家庭价值观的遵守到对既定权威的质疑，音乐始终处于这场变革的最前沿。它不仅记录了战后的经济繁荣和文化焦虑，更孕育了定义现代社会娱乐与反叛精神的范式。通过对技术、产业结构、社会语境和关键艺术家的细致梳理，本书力图呈现一个复杂、立体且充满内在张力的音乐全景图。

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这本书的封面设计简直是把美国音乐的精髓浓缩在了一起，那种复古的色调和充满活力的字体搭配，让人一看就觉得这是一本内容扎实、值得深入挖掘的佳作。我本来是抱着一种“随便翻翻”的心态开始阅读的，毕竟市面上关于美国音乐的书籍浩如烟海，很少有能真正打动我的。但是，这本书的开篇就展现出了一种毫不拖泥带水的叙事节奏，仿佛直接把我拉进了20世纪初密西西比河畔的泥泞小路上，亲耳聆听那些奠定蓝调根基的早期声音。作者对于早年民间音乐、宗教圣歌以及劳工歌曲的梳理，细致入微到了令人发指的地步，每一个音符、每一段歌词背后的社会背景都被描绘得栩栩如生。它不仅仅是在罗列历史事件和音乐家名字，更是在讲述一种文化精神的演变。特别是关于早期录音技术的限制以及这些限制如何反过来塑造了早期音乐的独特美学，那一段的分析视角极其新颖，让我对那些“粗糙”的老唱片产生了全新的敬意。读完前三分之一，我几乎是迫不及待地想要去搜寻那些被遗忘的、几乎失传的早期民间艺人的录音来验证作者的论断，这种被激发出的求知欲，是很多音乐史著作所不具备的强大驱动力。

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这本书的结构安排堪称教科书级别的范本，它没有采取那种简单的时间线梳理，而是巧妙地通过“地域迁移”和“风格交叉渗透”两条主线来串联起整个美国音乐的宏大图景。比如，它将爵士乐的崛起与其从新奥尔良向芝加哥、纽约的扩散过程，与当时美国社会思潮、尤其是“爵士时代”的享乐主义思潮做了精妙的对照。我特别欣赏作者处理不同流派冲突和融合时的那种克制与深入。它没有陷入非黑即白的简单论断，而是深入探讨了乡村音乐和早期摇滚乐在共享的民间叙事基础上的差异化发展路径。特别是关于“布鲁斯回归”（Blues Revival）那一部分的论述，作者不仅仅关注了六十年代的白人乐迷如何重新发现并“商品化”了黑人音乐，更深入剖析了这种回溯行为对原初音乐社区带来的复杂影响——这显然超越了一般流行乐史的肤浅解读。行文流畅且充满思辨性，读起来像是在听一场由顶尖音乐学家主持的、充满激情的学术研讨会，信息密度极高，但表达方式却极富感染力，让人愿意一页接一页地沉浸其中。

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我个人认为，这本书的价值在于其无可匹敌的深度和广度所达成的完美平衡。市面上很多音乐书籍要么过于聚焦于某个特定时期（比如只谈六十年代的迷幻摇滚），要么过于侧重于技术分析而忽略了人文关怀。但《All American Music》这本书，真正做到了“宏观全景”与“微观剖析”的无缝衔接。它在论述乡村音乐和布鲁斯如何共同构成了摇滚乐的基石时，能够迅速切换到对某一首具体歌曲的和声进行细致的乐理拆解，而下一章可能又会跳跃到七十年代合成器音乐的崛起及其对迪斯科文化的冲击。这种在不同音乐文化生态之间穿梭的能力，展现了作者极高的综合素养。最终给人的感觉是，你仿佛完成了一次系统而艰苦的“听觉训练”，对于美国音乐的整体脉络有了鸟瞰式的理解，再回过头去听任何一首经典老歌时，你都能从中听到更深层次的历史回响和文化对话，这是一种非常充实且令人满足的阅读体验。

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最让我感到震撼的是，作者对于“美国性”（Americanness）的探讨是如何通过音乐的媒介来体现的。这本书远不止于音乐史，它更像是一部关于美国精神困境与和解的社会文化史侧写。作者没有回避那些敏感的议题，比如种族隔离制度对音乐产业的深远影响，以及不同移民社群——无论是意大利裔在纽约的影响，还是拉丁裔文化在西南部的渗透——如何微妙地改变了主流音乐的音色和节奏结构。我记得有一段专门分析了音乐版权制度的历史演变，如何使得那些没有文化资本的原初创作者的劳动成果，最终被少数精英公司所垄断和重新包装，这种对权力结构的揭示，让我对许多耳熟能详的经典曲目背后的商业逻辑有了更清醒的认识。这不是一本让你听着舒服的书，它要求读者直面美国文化光环背后的阴影，但正是这种不加粉饰的诚实，让这本书的价值飙升，它提供了一个认识美国社会复杂性的独特且有力的棱镜。

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这本书的语言风格，非常具有个人特色，它不像是那种标准的、严肃的学术专著，反而更像是一位博学的朋友，带着满腔的热情和渊博的知识，在深夜的酒吧里，为你娓娓道来那些波澜壮阔的音乐传奇。这种叙事上的亲切感，使得即便是对某些小众流派了解不多的读者，也能轻松跟上节奏。比如，作者在描述早期摇滚乐手们在简陋的录音棚里是如何用极少的设备创造出爆炸性音效时，那种描摹的细节，仿佛能让人闻到胶带氧化和真空管发热的味道。更难得的是，它对技术层面的讲解也处理得非常得体，既不过于晦涩以至于劝退普通听众，也不会因为过度简化而失去专业性。作者总能在适当的时候插入一些罕见的、未经证实的轶事或者当事人的访谈片段，这些“花絮”极大地增强了故事的真实感和可读性，使得整本书读起来像是一系列高质量的、互相印证的口述历史片段的完美集合体。

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