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出版者:上海文艺出版社

作者:(美)芬克斯坦

出品人:

页数:239

译者:赵澧

出版时间:1985-1

价格:1.40元

装帧:平装

isbn号码:

丛书系列:外国文学研究资料丛书

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凝视无形之境：解析二十世纪先锋艺术的视觉转向与哲学深度 内容提要： 本书深入剖析了二十世纪上半叶，以达达主义、超现实主义、抽象表现主义为代表的西方先锋艺术运动，如何颠覆了数百年来的西方美学范式，将艺术的焦点从对“可见世界”的再现，彻底转向对“内在经验”、“潜意识结构”以及“纯粹形式”的探索。这不是一部关于传统绘画技巧的教科书，而是一次跨学科的视觉哲学考察，旨在揭示技术进步、两次世界大战的冲击以及弗洛伊德心理学兴起，如何共同塑造了艺术家们对“真实”概念的全新理解。我们将重点探讨符号学、语言理论与视觉艺术的交汇点，分析艺术家如何利用拼贴、非理性叙事、自动书写和纯粹色彩的张力，试图捕捉那些超越日常感官经验的“另一种现实”。 第一章：启蒙的黄昏与图像的危机 本章追溯了摄影术的成熟对传统再现性艺术（如学院派写实主义）造成的根本性冲击。十九世纪末，当机器能够以前所未有的精确性捕捉瞬间时，艺术家被迫面临一个深刻的哲学困境：如果视觉模仿不再是艺术的最高追求，那么艺术的本质究竟为何？ 我们首先考察后印象派向现代主义的过渡。塞尚对几何形体的提炼，梵高对主观情感的色彩表达，以及高更对原始主义的转向，都标志着艺术家的目光从“外部世界”转向了“内在感知”。随后，立体主义的兴起被视为对传统单点透视法的彻底决裂。布拉克和毕加索通过分解和重构对象，揭示了物体在不同时间、不同视角下可以共存的“多重真实”。这并非对现实的扭曲，而是一种对时间性介入现实的早期尝试。本章的重点在于阐释：艺术的“真实”不再是眼睛看到的样子，而是大脑组织和理解世界的方式。 第二章：潜意识的蓝图：达达与超现实主义的解放 第一次世界大战的残酷性，使得欧洲知识分子对理性、进步和既有文化构建产生了彻底的幻灭。达达主义作为对这种“理性灾难”的激烈反抗，采取了消解意义和逻辑的策略。本章详细分析了杜尚的现成品（Readymades）——如《泉》——如何将艺术的定义权从手工技艺转移到“选择”和“语境”上。这标志着艺术的场域（Field of Art）被无限拓宽，艺术的价值不再内在于作品本身，而是被置于艺术史的对话中。 紧接着，我们深入探讨了超现实主义。受弗洛伊德精神分析理论的直接影响，布勒东将艺术家的任务定义为“发现潜意识中比现实更具真实性的领域”。本章将对比分析两个核心路径： 1. 客观的非理性组合（Objective Chance）： 探讨马克斯·恩斯特的拼贴技术和梅雷·奥本海姆的毛皮茶杯如何通过荒谬的并置，激活观众的“梦境逻辑”。 2. 自动性的实践（Automatism）： 分析米罗和马松的自动绘画，即在清醒意识控制被最小化的情况下，让笔触直接记录下心灵的波动。这些作品挑战了作者中心主义，暗示着艺术的生成过程本身就是一种重要的“现实”。 第三章：形式的纯粹性与物质的抵抗 当欧洲的注意力转向内部经验时，另一条线索则致力于剥离所有叙事和象征意义，追求艺术自身的纯粹性。本章聚焦于二十世纪二三十年代的“去物质化”趋势。 荷兰的风格派（De Stijl）运动，以蒙德里安为代表，试图通过水平线与垂直线的交织，以及红黄蓝三原色与黑白灰的限定，构建一种普世的、和谐的“绝对秩序”。这被视为对无序世界的形而上学回应，一种寻求视觉乌托邦的尝试。 与此相对，俄罗斯的构成主义则将艺术与社会工程紧密结合。马列维奇的《黑方块》不仅仅是抽象的顶点，更是对传统绘画的“零度宣言”。本章将探讨这些运动如何将绘画视为一个可以被分析的平面，迫使观众直接面对颜色、线条和构图本身的“物质存在”，而非它们所代表的事物。这里的“现实”，是绘画材料和视觉元素在画布上自我实现的现实。 第四章：战后：从焦虑到行动——抽象表现主义的身体转向 第二次世界大战结束后，艺术的中心转移至纽约。抽象表现主义的兴起是对欧洲传统的继承与决裂的综合体。本章将重点分析艺术家如何将艺术创作转化为一种“存在性的行动”（Existential Act）。 格林伯格的美学批评理论被置于语境中考察，特别是他对媒介纯粹性的强调。然而，我们更关注艺术家自身的实践： 1. 行动绘画（Action Painting）： 杰克逊·波洛克的滴画不再是“画”出来的形象，而是“发生”在画布上的事件。观众目睹的，是艺术家身体、重力与颜料相互作用的痕迹。这种“行动的记录”，被视为一种更直接、更未经过滤的“当下真实”。 2. 色域绘画（Color Field）： 以罗斯科为代表，他们通过巨幅的、边缘模糊的色彩区域，试图制造一种让观众完全沉浸其中的、近乎宗教性的体验。这种体验旨在超越视觉对象的识别，直达情感与精神的深处。 本章总结了“现实”概念在二十世纪艺术中的三次重大转移：从模仿外部世界（十九世纪末），到揭示内在结构（超现实主义），再到成为一种纯粹的、不可还原的行动或体验（抽象表现主义）。这些探索共同构筑了理解当代艺术语言的基石。 第五章：符号、语言与视觉的后设批判 在战后对现代主义高峰的反思中，艺术开始内省自身。本章关注艺术如何开始直接讨论“图像是如何被制造”以及“图像如何影响我们感知世界”的问题。这预示了波普艺术和观念艺术的来临。 我们将分析艺术家如何借鉴新兴的媒介理论，将大众文化符号（广告、漫画）纳入高雅艺术的框架，以此揭示社会对“人工现实”的迷恋。通过对符号的挪用与并置，艺术家们开始探讨：在一个充斥着复制品和媒介影像的时代，我们所认定的“真实”是否已完全被文化建构所定义？艺术的任务，正是要解构这些建构，迫使观众意识到他们所见的并非“自然呈现”，而是精心布置的“系统”。 本书旨在提供一个多维度的框架，理解二十世纪先锋艺术如何不仅仅是风格的更迭，而是一场关于“什么是真实”的深刻哲学辩论，其影响至今仍塑造着我们对图像和世界的理解。

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这本《艺术中的现实主义》真是让人眼前一亮，尤其是对于我这样一个长期沉迷于古典油画的爱好者来说。翻开书，首先映入眼帘的便是那些仿佛能触摸到的质感，从伦勃朗画作中饱满的光影，到维米尔窗边散射的光线，再到柯罗的田园牧歌，每一笔都仿佛凝聚了艺术家对生活最细腻的观察和最真挚的情感。我尤其喜欢书中对十七世纪荷兰黄金时代绘画的解读，那些市井生活、静物写生，甚至是人物肖像，都展现出一种朴实无华的美。书中的文字并没有高高在上地进行学术性的剖析，而是用一种亲切的口吻，引导读者去感受画作背后所蕴含的时代精神和人文关怀。比如，对于荷兰画家如何将寻常的物品，如面包、陶罐，描绘得如此富有生命力，书中给出的解释让我豁然开朗，原来他们捕捉的不仅是物体的形态，更是其中蕴含的生活气息和匠心独运。书中对细节的描绘也极其到位，无论是衣物的褶皱，还是肌肤的纹理，都细致入微，仿佛能感受到画中人的呼吸。这本著作不仅仅是一本关于绘画技巧的书，更是一次深入了解那个时代人们生活方式和精神世界的旅程，让我对“现实主义”这一概念有了更深层次的理解和共鸣。

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《艺术中的现实主义》是一本带给我诸多惊喜的书。它并没有拘泥于某种特定的艺术流派或时代背景，而是以一种开阔的视野，探索了“现实”在不同艺术形式中的呈现方式。我尤其喜欢书中关于二十世纪初的俄国绘画的章节，那些充满力量的现实主义作品，比如列宾的《伏尔加河上的纤夫》，不仅仅是写实的描绘，更蕴含着对社会不公的控诉和对人民命运的关怀。书中的文字流畅而富有感染力，能够轻易地将读者带入到那些动人的画面之中。我仿佛能听到纤夫们粗重的喘息声，感受到他们身上沉重的负荷，以及眼神中透露出的不屈。书中对这些作品的解读，不仅仅停留在形式的分析，更深入探讨了艺术家创作的动机、所处的社会环境，以及作品所引发的社会反响。这让我明白，现实主义艺术并非简单的模仿，而是艺术家对现实世界深度观察、深刻思考和强烈情感表达的结晶。书中还涉及了电影、戏剧等其他艺术形式中的现实主义表现，这种跨媒介的分析，极大地拓展了我对现实主义的认知边界，让我看到了不同艺术形式之间在对现实的探索上共通之处。

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最近读完《艺术中的现实主义》，内心久久不能平静。我一直对那些能引起强烈情感共鸣的艺术作品情有独钟，而这本书恰好满足了我这一点。它并非空泛地讨论“现实”的定义，而是通过大量的实例，展现了不同时期、不同地域的艺术家们是如何将他们所处的现实世界转化为视觉艺术的。我特别被书中关于十九世纪法国现实主义绘画的部分所吸引，像库尔贝那些描绘普通劳动者、乡村生活的画作，摆脱了学院派的束缚，直接将目光投向了社会底层，展现了真实的生活困境和人民的尊严。书中对这些作品的解读，不仅仅是艺术史的梳理，更是一种对艺术如何反映社会、介入现实的思考。读到这些内容时，我仿佛置身于当时的法国乡间，感受着泥土的芬芳，聆听着劳作者的汗水与歌唱。这种“眼见为实”的艺术表达方式，让我觉得艺术离生活如此之近，如此有力量。书中还探讨了摄影艺术的兴起对绘画现实主义的影响，这一部分的分析也十分精辟，揭示了技术进步如何推动艺术形式的变革。总而言之，这本书让我看到了现实主义艺术所承载的社会责任和人文关怀，是一次非常有意义的阅读体验。

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这是一本让我重新审视“真实”与“艺术”之间关系的佳作。我一直认为，艺术的魅力在于其能够超越现实，但《艺术中的现实主义》却让我看到了另一种可能性——艺术如何通过对现实的忠实呈现，来揭示更深层次的真相。书中关于德国表现主义的一些论述，尤其让我印象深刻。虽然表现主义在某些方面似乎与“现实主义”背道而驰，但书中却巧妙地阐述了，他们是如何通过扭曲、夸张的画面，来表现艺术家内心对现实世界的强烈感受和批判。这种“主观的现实”的表达，同样具有强大的力量。书中还探讨了摄影技术的发展如何挑战和重塑了绘画的现实主义，以及艺术家们如何从被动的记录者转变为主动的诠释者。这种视角非常独特，让我看到了艺术的演变并非一成不变，而是在与时代、与技术、与社会观念的互动中不断发展。我尤其赞赏书中对一些非西方艺术传统中现实主义的介绍，这让我意识到，现实主义并非西方艺术的专利，而是人类对真实世界普遍性的追求。这本书的叙述方式充满了思辨性，引人深思，让我对艺术的理解更加多元和深刻。

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《艺术中的现实主义》这本书，给我带来了一种全新的观看艺术的方式。我一直以为，“现实主义”就是对眼前世界的机械复制，但这本书完全颠覆了我的这种认知。书中关于二十世纪中叶的美国现实主义绘画，特别是那些描绘日常生活、普通人生活的作品，让我看到了艺术家如何在平凡中发现不平凡。那些看似朴素的画面，却蕴含着丰富的细节和深邃的情感。我特别喜欢书中对爱德华·霍普作品的解读，那些孤独的人物、空旷的城市空间，以及静谧的光线，都传递出一种现代社会特有的疏离感和不安。书中没有停留在对画面形式的简单描述，而是深入挖掘了这些作品所反映的时代背景、社会情绪，以及艺术家个人的精神世界。这种解读方式，让我看到了现实主义艺术的巨大张力，它不仅能够描绘外在的现实，更能触及人内心的真实。此外，书中还探讨了当代艺术中对现实主义的重新诠释，以及艺术家们如何运用更加多元和实验性的手法来探索“真实”。这让我意识到，现实主义并非一个固定的范畴，而是一个不断发展和演变的艺术命题。这本书无疑是一次引人入胜的艺术之旅，让我对“现实”与“艺术”的关系有了更深刻的理解。

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这本书有点在于有很多好玩的八卦~

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