中国书画册页精选：吴昌硕 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:西泠印社出版社

作者:吴昌硕

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-09

价格:58

装帧:18开本铜版纸彩印精装

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具体描述

18开全彩印折叠册页式装帧加封盒。收吴昌硕诗稿手迹，并附祝遂之先生题跋手迹。

吴昌硕：（1844－1927）初名俊，又名俊卿，字昌硕，又署仓石、苍石，号缶庐、苦铁等，浙江安吉人。我国近代金石、书、画大师。

他的篆刻从浙派入手，后专攻汉印，也受邓石如、吴让之、钱松、赵之谦等人的影响。31岁以后，移居苏州，来往于江浙之间，阅历大量金石碑版、玺印、字画，眼界大开。后定居上海，广收博取，诗、书、画、印并进；晚年风格突出，成为一代宗师。

他在篆刻上的成就，对我国篆刻艺术有着划时代的意义，主要是他把诗、书、画、印熔为一炉，开辟篆刻艺术的新境界。他的成就主要来源于艺术的修养和思想，具体表现在：

诗熔于印。他写诗喜欢用"硬语迸向"，刻印间用"钝刀硬入"。他写诗，把西湖的"南北高峰作印看"，将诗与印熔在一起。他刻的"湖州安吉县，门与白云齐"一印，是唐周朴题安吉董岭水诗的起句；下面接句是"禹力不到处，河声流向西"。他很欣赏这首诗，认为这十个字"笔力著墨处在无字处，每用此印，辄陟遐想"。这印特刻起句，意在"无字处"，颇为含蓄，真所谓"印中有诗"。

画熔于印。他的画起大落，善于留白，或对角欹斜，气象峥嵘，构图块面感极强。

书熔于印。他的篆书个性极强，印中的字饶有笔意，刀融于笔。所以他的篆刻常常表现出雄而媚，拙而朴，丑而美（这个"丑"主要在"残破"上），古而今（象古印又是新的），变而正（变化多又是合于正规的）的特点。

吴昌硕的篆刻，今天学习的人很多。日本篆刻家河井荃庐从1898年开始就向吴昌硕请教，并向日本篆刻界介绍，产生极大的影响。吴昌硕著有《缶庐集》、《缶庐印存》。

宋代文人画的兴盛与演变：从“士气”到“意趣”的审美转向一卷历经千年的画卷，承载着一个时代的精神重量。本书并非专注于某一特定艺术家的画册精选，而是将目光投向了中国艺术史上一个至关重要、光芒万丈的时代——宋代。宋代，一个在政治上相对内敛，却在文化、艺术、哲学领域达到前所未有高峰的时期。它不仅塑造了后世士大夫阶层的精神底色，更为中国绘画艺术确立了超越纯粹技巧的新标准：“文人画”的理论体系与实践的蓬勃发展。本书旨在深入剖析宋代文人画从北宋的严谨内敛，过渡到南宋的抒情写意，再到元代（作为宋代文人画理论的最终确立者）所经历的美学嬗变轨迹，着重展现“士人精神”如何渗透并最终主导了绘画语言。 --- 第一部分：北宋的“格物致知”与院体绘画的精致化（约400字）北宋时期，尽管宫廷画院在皇帝的直接推动下，以其无与伦比的写实功力达到了技艺的巅峰，但文人阶层对艺术的理解已开始萌芽。本章将首先概述院体的代表性成就，如飞禽走兽、山水景物的细致入微的描摹，这体现了儒家“格物致知”的哲学精神在艺术上的投射。然而，我们更关注那些在院体光芒下低调生长的早期文人实践者。他们开始质疑纯粹模仿自然带来的“匠气”。李公麟的“白描”艺术，以其高度提炼的线条语言，展现了超越色彩和体积感的精神内涵，成为文人画早期对“气韵生动”的极致追求的典范。通过分析其作品中对历史题材和人物精神的捕捉，我们看到“士人情怀”——即对历史功业的缅怀与对隐逸生活的向往——如何转化为绘画主题。这一时期的核心议题是：如何在高度规范化的学院体系中，为个体的“心声”找到表达的出口？ --- 第二部分：米氏父子的“论画”与水墨语言的革命（约500字）如果说早期文人画是“以形写神”，那么到了北宋晚期，特别是以米芾、米友仁父子为代表的“米家山水”，则标志着水墨语言的一次根本性解放。他们不再满足于对传统界笔或斧劈皴的模仿，而是开创了一种全新的、极具个人印记的绘画语言——“点墨”。本章将详细探讨“米氏云山”的技法特点：如何运用大块晕染和松散的点苔，来表现烟雨迷蒙、江南湿润的意境。这不仅仅是技法的革新，更是美学思想的体现。米芾在书画理论上的高论，明确提出了“书画同源”的观点，强调笔墨的即兴性和内在的“意”重于外在的“形”。我们将深入解析米芾“刷字”的狂放不羁与米友仁的“淡墨小景”的萧散空灵之间的微妙张力。他们的实践证明，水墨的干湿浓淡，完全可以成为表达艺术家复杂心绪的媒介，使得山水画彻底摆脱了单纯的写景任务，成为承载哲思和个人情感的载体。这为后世元代四家——尤其是董源、巨然的再发现和推崇，奠定了理论基础。 --- 第三部分：南宋的衰退、转向与“意在笔先”的深化（约400字）靖康之变后，南迁的南宋朝廷，其艺术审美也随之发生了深刻变化。院体画院依然存在，但其统治地位被文人艺术家的“尚意”思潮进一步侵蚀。南宋的文人画呈现出一种内敛、萧瑟而又极具生命力的“悲剧性美学”。本部分聚焦于那些在动荡中坚守文化信念的画家。他们的题材往往转向简朴的梅竹、清冷的月夜，以极度简化的笔墨表达对故土的怀念和对时局的感慨。笔法的运用愈发注重内在的“韵律感”，线条的起承转合，不再追求精确的物象捕捉，而是追求一种“写”——即“写胸中之郁勃”——的自由状态。我们讨论南宋山水画在构图上对空间留白的运用，如何放大画面的“空寂”感，这与禅宗思想的影响密不可分。 --- 结语：文人画理论体系的成熟与对后世的深远影响（约200字）宋代文人画的兴盛，是中国艺术史上的一次革命，它完成了艺术价值的轴心转移：从“描摹自然”转向“抒发性灵”。通过对北宋的扎实基础、米氏父子的语言创新，以及南宋的意境深化进行梳理，本书旨在勾勒出这一重要美学思想的完整演变链条。宋代的实践和理论探讨，不仅为元、明、清三代的绘画创作提供了坚实的理论框架，更确立了中国艺术史中“文人”与“匠人”的根本分野，使绘画从一种技艺提升为一种关乎生命态度的哲学表达。本书并非收集精美册页，而是通过对一个伟大时代的文化精神的深入剖析，让读者理解“士人笔墨”诞生的历史必然性与审美高度。