具体描述
《古典音乐大百科》是一本全面介绍古典乐发展史与当代古典乐变革的百科类图书，用近30万字及上千张精彩而珍贵的图片，全方位追溯了古典音乐近千年的发展历史，涵盖300多位古今中外为人所熟知的世界级著名古典乐作曲家的生平故事与代表作品，深入浅出地逐一对经典代表作品进行评析并充分挖掘音乐家背后鲜为人知的掌故。同时，书中还系统介绍了各个历史时期古典音乐纷杂的流派、作曲风格、乐曲组构与器乐功能等知识，使读者在享受古典乐文化美感的同时掌握海量古典音乐知识，提升读者审美品位与鉴赏能力，引导读者以更科学严谨的视角品读经典乐曲，穿越优雅音符，体会伟人光环背后的深刻人生与丰富性灵，在焦躁的现代社会，觅得一方心灵净土。
这本集视听于一体的《古典音乐大百科》，既可以是古典音乐爱好者的便捷工具，也可以是古典音乐迷的系统乐库；既可以是学习音乐史的有力辅导，又可以使你家庭书架中的珍藏；艺术改变生命，它也是你赠给孩子们的成长礼物！
作者简介
作者约翰.布罗斯受OBE勋章（大英帝国官佐勋衔），他曾多次与世界重磅级管弦乐团以及诸如鲁契亚诺.帕瓦罗蒂、伦纳德?伯恩斯坦、耶胡迪?梅纽因、安德烈?普列文、弗兰克?辛纳特拉和迈尔斯.戴维斯这样的著名艺术家进行合作。同时，他还是皇家音乐学院资深的荣誉教授。约翰.布罗斯以其广泛社交关系为基础为音乐顾问和撰稿人搭建了一个重要的平台，便是他们群体智慧的结晶。作者卓越的学术能力与文化高度使得本书极具普及性和馈赠收藏价值。
目录信息
古典音乐概述 9
古典音乐的构成元素 10
古典音乐中的乐器 18
古典音乐的演奏 30
古典音乐的历史 37
早期音乐1000—1600 38
巴洛克时期1600—1750 60
古典主义时期1750—1820 94
浪漫主义时期1810—1920 120
浪漫主义歌剧1810—1920 158
民族乐派1830—1950 184
现代音乐1900年— 260
术语表 346
音乐家与作品中外文对照表 348
雪枫音乐会音频链接扫码 版权页和盒的封底
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读后感
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用户评价
这本号称“大百科”的音乐典籍，我满怀期待地翻开了它，结果却发现，它更像是一部详尽的“欧洲古典音乐史事年鉴”，而非我所期望的那种能够涵盖更广阔音乐图景的工具书。我特别关注了近现代的作曲家和流派，希望找到对德彪西和拉威尔的印象派音乐，以及勋伯格十二音体系的深入解析。遗憾的是，书中对这些革新性的音乐语言的讨论，大多停留在基本概念的罗列和作品首演时间的记录上，缺乏对这些音乐在当时文化语境下引发的争议、听觉体验的独特描述，以及对后世影响的深入剖析。例如，关于“自由无调性”的过渡，书中只是简单带过，没有引用作曲家本人的访谈或信件来展现他们思想上的挣扎与突破。对于那些希望从这本书中找到音乐理论深度挖掘和跨文化比较的读者来说，恐怕会感到意犹未尽。它更适合那些需要快速查阅某一特定作品首演时间、某一乐团的早期历史沿革的音乐学者，而非渴望理解音乐如何真正“演变”和“震撼”人心的普通爱好者。整体而言，它的叙事视角过于侧重“记录”而非“阐释”，显得有些冰冷和客观过度，失去了对艺术生命力的捕捉。
评分翻开这本厚重的册子，一股浓郁的“学院派”气息扑面而来，读起来颇有啃读教材的枯燥感。我原本期待的是一场穿梭于巴洛克与浪漫主义之间的奇妙旅程，尤其想看看对歌剧艺术的梳理是否能达到“百科”的标准，特别是对威尔第和瓦格纳的巅峰对决，是否能有旁征博引的精彩论述。然而，书中对歌剧部分的描述，主要集中在剧目首演的剧院、主演和指挥的履历上，对于剧本的文学价值、舞台呈现的革新性，以及不同国家（比如意大利与德意志学派）在歌剧戏剧性处理上的根本分歧，几乎没有着墨。每一次提及像《尼伯龙根的指环》这样的鸿篇巨制，也只是罗列其篇幅和乐章结构，缺乏对“主导动机”技巧的细致拆解。这样的处理方式，使得原本充满激情和戏剧张力的艺术形式，被简化成了一堆需要记忆的参数。如果你想了解普契尼咏叹调背后的情感张力是如何通过旋律线构建起来的，或者想知道卡拉斯是如何定义了“美蒂亚”这个角色的，这本书恐怕无法给你提供这些深入、感性的洞察。它更像是一本结构严谨但缺乏灵魂的“音乐家和作品名录”。
评分这本书的排版和索引设计，让人感到出版方似乎在追求“内容量”而非“阅读体验”。我尝试用它来查找一些关于早期音乐，例如中世纪或文艺复兴时期复调音乐的资料，希望能够看到关于格里高利圣咏的音阶特征，或者帕莱斯特里那对对位法的运用是如何达到“神圣的纯净感”的。然而，搜索这些信息的过程极其费力。索引的条目设置得过于笼统，很多关键的音乐术语并没有被单独列出，而是隐藏在某个作曲家或某个教派的介绍段落中。当我真的找到相关内容时，发现对这些早期音乐的介绍，仍然是用19世纪晚期甚至20世纪早期的“古典标准”去衡量和描述的，缺乏对那个时代音乐思维模式的同理心。例如，书中对“固定音型”（Isorhythm）的解释，简单粗暴地将其与后来的节奏复杂性混为一谈，完全没有点明它在中世纪音乐结构中的核心作用。这使得这本书在处理跨越时间长河的音乐史料时，显得缺乏必要的时代区分和专业深度，更像是拼凑起来的知识点集合，而非一个流畅、连贯的知识体系。
评分作为一位业余的室内乐爱好者，我总是希望能找到一本能系统梳理室内乐发展脉络的书籍，特别是对弦乐四重奏这种形式的演进，从海顿的早期探索到肖斯塔科维奇的晚期沉思，该如何把握其内在的对话逻辑。我对这本书的评价是：它在提及室内乐时，显得非常“客气”和“边缘化”。当讨论到贝多芬的晚期弦乐四重奏时，文字只是轻描淡写地指出它们“技艺高超”、“具有前瞻性”，却完全没有触及到这些作品中体现的哲学思辨和结构上的复杂重组，比如对奏鸣曲式边界的拓展。对于舒伯特的室内乐，也只是简单地赞美其旋律性，而避开了其结构上的“不工整”是如何服务于其宿命论色彩的表达。更别提对20世纪以来的非传统室内乐组合或电子音乐与传统乐器的融合尝试，该书几乎是完全空白的。这让它在“百科”的定位上显得严重偏科——它似乎只对那些在主流音乐史教科书中被反复提及的“大部头”交响乐和协奏曲抱有热情，而对那些更私密、更考验作曲家功力的室内乐领域，表现出了明显的力不从心。
评分让我感到最不解的是，作为一本声称涵盖“大百科”范畴的书，它对指挥艺术和演奏实践的描述少得可怜，几乎可以忽略不计。我一直好奇，为什么同一首莫扎特协奏曲，在富特文格勒和在布列兹的演绎下，听感会产生天壤之别？书中对于指挥家如何诠释乐谱，如何处理速度、力度上的细微差别，以及如何通过排练来塑造乐团的整体音色，完全没有涉及。它只是列举了“某某指挥家在某年指挥了某某作品的首演”，然后就此打住。对于那些希望通过阅读来提升自己鉴赏能力的听众来说，这本书提供的帮助是极其有限的。它告诉你“什么”被演奏了，但从未解释“如何”被演奏，以及“为什么”某些演奏被奉为圭臬。这种对艺术实践层面的真空描述，极大地削弱了它作为一部“百科全书”的实用价值。它更像是一份安静的档案，而不是一本能引导听众深入理解音乐现场魅力的指南。
评分对音乐本身的介绍太少了，很大篇幅都是在介绍作曲家，作品几乎没介绍，也许写太深没人看得懂吧！
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