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出版者:大象出版社

作者:华玮

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2017-9-1

价格:75.00元

装帧:精装

isbn号码:9787534792458

丛书系列:海内外中国戏剧史家自选集

图书标签:

• 汤显祖
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《中国戏曲发展脉络与美学特征研究》 内容简介： 本书旨在深入剖析中国戏曲自萌芽至成熟的漫长发展历程，系统梳理各历史时期戏曲的演变轨迹、艺术形态、表演程式、音乐唱腔、文学剧本以及美学风格，力求为读者呈现一幅波澜壮阔、精彩纷呈的中国戏曲画卷。本书不以梳理某位学者或某一系列选集为目的，而是聚焦于中国戏曲艺术本身的发展规律和独特魅力。 第一章：戏曲的起源与早期形态 本章追溯中国戏曲的源头，探讨其在古代歌舞、百戏、说唱等艺术形式中的孕育与融合。我们将考察先秦时期的“弄臣”表演、汉代的“百戏”、魏晋南北朝的“乐舞百戏”以及唐代的“参军戏”、“歌舞大曲”等，分析它们如何为后来的戏曲艺术提供了表演元素、叙事模式和娱乐功能。重点将放在对宋代“瓦舍勾栏”的兴盛及其孕育出的“杂剧”的梳理上。杂剧作为早期戏曲的代表，其结构、表演特点、唱念做打的雏形，以及早期剧本如《张生煮海》（虽然并非宋杂剧，但代表了早期故事的传承）的特点，都将得到详细的阐述。同时，本章也将探讨早期戏曲与宗教、民俗、市井生活之间的密切联系，以及其所蕴含的朴素的娱乐性和教化功能。 第二章：元杂剧的辉煌时代 本章将聚焦于中国戏曲史上第一个高峰——元杂剧。我们将深入探讨元杂剧的成熟标志，包括其严谨的结构（四折一楔子）、规范的演唱（一人主唱，他人帮唱）、鲜明的角色行当（旦、净、生、丑等）以及高度程式化的表演。通过分析关汉卿、马致远、白朴、郑光祖等元代四大杂剧家的代表作品，如《窦娥冤》、《汉宫秋》、《墙头马上》、《倩女离魂》等，揭示元杂剧在现实主义批判、历史题材表现、浪漫主义情怀抒发以及人物塑造方面的成就。我们将分析其剧本的文学价值，包括语言的生动性、情节的曲折性、主题的深刻性。同时，本章也将考察元杂剧的音乐特点，即“曲牌”的运用及其在烘托情绪、推动情节方面的作用。元杂剧的兴盛离不开其所处的社会历史环境，本章也将简要分析当时政治、经济、文化因素对元杂剧发展的促进作用。 第三章：明清南戏与传奇的演进 随着元朝的灭亡，戏曲的重心逐渐南移，南戏和传奇成为明清时期戏曲发展的主流。本章将详细梳理南戏的起源和早期发展，如《拜月亭》、《琵琶记》等，分析其从杂剧的继承与创新，以及更注重人物情感的表达和故事的细腻描绘。随后，我们将重点关注明清传奇的鼎盛，特别是汤显祖的“临川四梦”——《紫钗记》、《还魂记》、《南柯记》、《梦益记》——及其在浪漫主义、唯美主义、梦幻色彩方面的独特贡献。本书将分析传奇剧本在结构上的扩展（场次增多、情节更复杂）、人物塑造的多样性（更加注重心理刻画）、语言的典雅性以及表演上的自由度。同时，我们还将考察传奇中丰富的题材，包括历史演义、神话传说、才子佳人、忠孝节义等，以及这些题材如何反映当时的社会思想和价值观念。本章还会探讨明清时期戏曲的音乐、服饰、舞台装置等方面的进步，以及它们如何共同构成了丰富多彩的舞台艺术。 第四章：地方戏曲的勃兴与多元化发展 进入清代，随着商品经济的发展和市民阶层的壮大，中国戏曲呈现出前所未有的地域化和多元化发展态势。本章将聚焦于各具特色的地方戏曲剧种的兴起，如京剧、昆曲、越剧、黄梅戏、豫剧、粤剧等。我们将重点分析京剧的形成和发展，包括其四大名旦的艺术成就，以及京剧在唱念做打、脸谱、服装、音乐等方面的集大成地位。同时，我们将深入探讨昆曲的精致典雅，如其“水磨调”的婉转缠绵，及其在文学性、音乐性和表演上的高度成熟。对于其他地方剧种，本书也将选取代表性的剧种，分析其独特的声腔特点、表演程式、地域文化渊源以及所反映的当地风土人情。本章旨在展现中国戏曲艺术的地域性特征和包容性，以及不同剧种之间相互影响、借鉴的动态过程。 第五章：近代以来戏曲的变革与创新 十九世纪末至二十世纪上半叶，面对西方文化的冲击和中国社会的剧烈变革，中国戏曲面临着前所未有的挑战，同时也开启了改革与创新的道路。本章将考察戏曲在这一时期的转型，包括其在内容上的革新，如对现实题材的关注、对革命思想的传播；在形式上的探索，如引入西方戏剧的元素、改变唱腔和表演程式；以及在传播方式上的拓展，如电影、广播等媒介的应用。我们将分析梅兰芳等表演艺术家在继承传统基础上的创新，以及他们如何将中国戏曲推向世界。同时，本章也将探讨这一时期出现的各种戏曲改革思潮和实践，以及它们对中国戏曲未来的发展所产生的深远影响。 第六章：中国戏曲的美学特征与艺术价值 本章将从美学视角，系统总结和概括中国戏曲的核心美学特征。我们将深入探讨“写意”的艺术手法，包括其在人物塑造、场景描绘、情感表达等方面的运用，以及“虚实结合”的舞台表演。戏曲的“程式化”表演，看似僵化，实则蕴含着高度提炼的动作和情感，本章将对其进行深入解读。“情景交融”是戏曲艺术的重要原则，即通过唱腔、音乐、表演来营造意境，传达人物内心情感。本书还将分析戏曲的“综合性”艺术特点，即唱、念、做、打、舞、乐等多种艺术元素的和谐统一。此外，我们还将探讨戏曲的“象征性”和“比兴”手法，以及其所蕴含的东方哲学和人文精神。通过对这些美学特征的深入剖析，本章旨在提升读者对中国戏曲艺术价值的认识，理解其作为一种独特的艺术门类所具有的普适性和生命力。 第七章：戏曲音乐与声腔的演变 音乐是中国戏曲的灵魂，本章将专注于戏曲音乐和声腔的演变历程。我们将追溯早期戏曲的音乐元素，如宫廷燕乐、民间小调的融合，以及杂剧时期“曲牌”的运用。随后，我们将详细分析昆曲“水磨调”的婉转细腻，及其对后世戏曲音乐的影响。对于京剧，我们将深入剖析其四大基本声腔（二黄、西皮、高拨子、昆腔）的特点、唱法、行当的划分及其在情感表达上的多样性。本章还将探讨越剧、黄梅戏等地方剧种独特的唱腔和音乐风格，分析其如何与地域文化相融合。同时，我们还将考察戏曲音乐的伴奏乐器，如胡琴、笛子、鼓、锣等，以及它们在烘托气氛、塑造人物、推动情节方面的作用。 第八章：中国戏曲的表演程式与人物塑造 表演是戏曲艺术的直接呈现，本章将聚焦于戏曲的表演程式和人物塑造。我们将详细阐述戏曲的“四功”（唱、念、做、打）的内涵与技巧，以及它们如何相互配合，共同塑造人物形象。戏曲脸谱的象征意义、色彩含义以及其在快速勾画人物性格上的作用，将得到重点分析。武打（武戏）的程式化动作、翻跌技巧、兵器运用等也将被详细介绍。在人物塑造方面，我们将探讨戏曲行当的划分（生、旦、净、丑）及其各自的表演特点和人物类型。本书还将分析戏曲中“程式”的精炼性，即通过高度提炼的动作来表现复杂的思想情感，以及“虚拟性”表演，即如何通过有限的道具和空间来创造无限的舞台想象。 第九章：戏曲的文学性与剧本创作 作为一种综合艺术，戏曲的文学性是其重要的组成部分。本章将从剧本创作的角度，分析中国戏曲的文学特征。我们将考察从元杂剧到明清传奇，再到近现代新编剧的剧本结构、情节设置、人物对话、语言风格等方面的演变。我们将分析戏曲剧本如何运用象征、比兴、夸张等手法，以及其在主题表达、人物塑造、情节推动等方面的艺术功能。对于经典剧目，如《西厢记》、《牡丹亭》、《长生殿》、《桃花扇》等，我们将深入解读其剧本的文学成就和思想内涵。同时，本章也将探讨戏曲剧本与诗词、散文等文学体裁的关联，以及戏曲语言的音乐性和表演性。 第十章：当代中国戏曲的挑战与未来 本章将目光投向当代中国戏曲的现状，分析其在快速变化的社会中所面临的挑战，如观众群体的流失、市场竞争的压力、传统艺术的传承与创新等问题。同时，我们也将探讨当代戏曲在内容、形式、表现手法等方面的探索与创新，如新编历史剧、现实题材剧、戏曲的跨界融合等。本书将关注当代戏曲艺术家的努力和成就，以及他们为戏曲艺术的传承与发展所做的贡献。最后，本章将展望中国戏曲的未来发展趋势，探讨如何在坚守优秀传统的基础上，不断适应时代发展，焕发新的生命力，吸引更广泛的观众。 通过对以上各章节的深入研究，本书力求勾勒出中国戏曲艺术丰富而完整的图景，揭示其独特的艺术魅力和深厚的文化底蕴，为喜爱和研究中国戏曲的读者提供一份全面、深入的参考。

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文集的叙事风格，可以说是极其内敛而又极具张力的。作者很少使用煽情的笔墨，情感的流露总是隐藏在精准的学术判断之下。比如在谈及清代戏曲在宫廷与民间的巨大分歧时，他没有直接批判其中的隔阂，而是通过对比不同场合演出的剧目和观众反应的细微差别，让这种文化断裂感自然而然地渗透出来。这种“不言而喻”的叙事策略，使得读者必须调动自己的历史想象力去填充文本背后的空白。对于习惯了快节奏、强情节的当代阅读习惯来说，这无疑是一种考验。我发现，如果你心浮气躁地去读，很容易迷失在大量的史料和引证中；但若能静下心来，去体会那些看似平铺直叙的文字背后所蕴含的深厚学养，便会体会到一种绵长而深刻的愉悦。这种叙述的节奏感，如同慢火熬制的汤，需要耐心品味才能领悟其精髓。

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阅读这套文集的过程，对我来说，更像是一场跨越时空的对话，而不是轻松的消遣。我发现作者在梳理不同地域、不同历史阶段的戏剧流派时，那种旁征博引的功力令人叹服。他并非仅仅停留在对剧本的表面解读，而是深入到当时的社会结构、文人阶层心态乃至民间信仰的层面去剖析戏剧的生成机制。举例来说，在论述元曲在江南地区的传播与本土化时，作者引用了大量地方志和私人笔记中的零星记载，将原本散落的线索巧妙地编织成一张完整的网。我特别欣赏他那近乎于“考古学家”式的求证态度，对于那些长期被视为定论的观点，他总能提出基于新材料的审慎质疑。这种求真务实的精神，让每一个章节都充满了智力上的挑战与满足感。阅读过程中，我时常需要停下来，查阅附录中的专业术语解释，这充分说明了作者对学术深度的坚持，也对读者提出了较高的专业门槛要求。

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从内容选择和结构编排来看，编辑团队显然是经过了深思熟虑的，力求展现该领域学者研究生涯的完整脉络。文集并非简单地按时间顺序堆砌论文，而是巧妙地将不同阶段的代表作穿插在一起，展现了作者研究视角的拓展与深化。我观察到，早期偏重于对经典剧作的文本细读，后期则明显转向了对戏曲与权力、戏曲与城市空间等宏大议题的探讨。这种结构上的螺旋上升，使得读者在跟随作者学术足迹的同时，也能清晰地看到某一研究领域是如何在时代变迁中不断自我更新的。更值得称道的是，文集收录的几篇未发表的早期手稿片段，虽然略显稚嫩，却极大地丰富了我们对这位大家学术思想“源头活水”的认知，这对于那些想深入研究其学术谱系的同行而言，价值无可估量。

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这本书的学术贡献是显而易见的，它在现有对“海内外中国戏剧史”的研究版图中，无疑增添了浓墨重彩的一笔，尤其是在某些长期被主流史学忽略的边缘课题上，提供了独到的见解。比如，其中对十八世纪粤剧在新马泰地区的早期形态的考证，其详尽程度远超目前已出版的任何单行本，这无疑是为未来相关研究开辟了新的方向。然而，也正因为其高度的专业性，我必须承认，这本书的受众群体是相当精准的——主要面向戏剧史、文学史的研究者及高年级学生。对于普通戏剧爱好者来说，可能缺乏必要的背景介绍，阅读门槛略高。我期待未来能有配套的导读或注释本，帮助更广泛的文化爱好者也能触及到这些宝贵的学术结晶。它的存在，更像是一座灯塔，为领域内的探索者提供了清晰可靠的坐标。

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这本书的装帧设计，说实话，第一眼并没让我感到特别惊艳。封面设计得比较朴素，米白色的纸张，配上深棕色的字体，透着一股年代感，仿佛是从某个老图书馆的深处被小心翼翼地拿出来一般。拿到手里分量却不轻，沉甸甸的，这种质感让人对内涵产生了某种期待。我尤其留意了字体排版，古朴的宋体在很大程度上保留了学术著作的庄重感，但对于习惯了现代印刷品的读者来说，可能会觉得略微有些费神。不过，当你翻开内页，被那些严谨的学术论述所吸引时，外在的包装似乎也就不那么重要了。整本书的开本适中，便于携带和阅读，但书页的韧性似乎略有不足，我担心频繁翻阅后容易产生折痕。装订工艺倒是扎实，没有出现松散的迹象，这对于一本需要反复研读的文集来说，是至关重要的品质保证。总体而言，它散发出一种低调的、专注于内容的学人气息，更像是一件值得珍藏的工具书，而非单纯的“畅销书”。

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华玮对老汤和牡丹亭都是真爱啊，当然这种专业性太强的论文看着会晕菜，不过静下心来还是能收获很多东西。

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华玮对老汤和牡丹亭都是真爱啊，当然这种专业性太强的论文看着会晕菜，不过静下心来还是能收获很多东西。

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华玮对老汤和牡丹亭都是真爱啊，当然这种专业性太强的论文看着会晕菜，不过静下心来还是能收获很多东西。

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