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出版者:上海音乐学院出版社

作者:埃罗·塔拉斯

出品人:

页数:336

译者:黄汉华

出版时间:2017-10-1

价格:90

装帧:平装

isbn号码:9787556601769

丛书系列:西方音乐人类学经典著作译丛

图书标签:

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《音律的密码：音乐符号的奥秘与建构》 本书并非一本关于音乐符号学理论的著作，而是将目光投向了音乐作为一种视觉语言的独特魅力，探究那些谱写在五线谱上、承载着无数情感与思想的符号，究竟是如何被创造、发展并成为我们理解和表达音乐的关键。我们将一起解构那些看似寻常却蕴含深邃智慧的记号，追溯它们在漫长历史河流中的演变轨迹，并思考它们如何超越了单纯的指示功能，升华为一种具有独立美学价值的艺术形式。 第一章：图画与符号的萌芽——早期音乐书写的回响 在人类文明的早期，声音的记录并非以如今我们熟悉的五线谱形式出现。本章将把读者带回到那些模糊而又充满想象的时代，探索早期文明中模糊的记号与图形，它们或许是祭祀仪式中的抽象符号，是神话传说中的象形文字，或是先民们记录劳动歌谣的朴素尝试。我们不会深入探讨具体的音乐符号学理论，而是将重点放在这些早期尝试中所蕴含的“记录声音”的朴素愿望，以及这些愿望如何为后来的符号系统播下种子。 我们将审视古埃及的壁画上那些可能与音乐相关的图案，它们是否仅仅是装饰，抑或隐藏着某种对声音的暗示？古希腊的铭文，那些残缺的片段，又如何让我们窥见早期音乐教育和表演的蛛丝马迹？我们会从考古发现和历史文献中搜集线索，尝试还原那些早已消逝的歌声，以及承载它们的、还处于萌芽状态的“视觉符号”。重点将放在这些早期符号所表现出的“形象性”和“情境性”，它们更多地依赖于观察者的联想和语境的理解，而非严谨的规则。 此外，我们还将触及一些非西方音乐传统的早期记录方式，例如中国古代的工尺谱，虽然其并非西方五线谱的直接前身，但其将音高与字词相联系的尝试，本身就是一种重要的符号化过程。这些早期的探索，它们或许缺乏理论的系统性，但它们直观、感性，充满了人类最初对声音进行具象化表达的冲动。我们将通过对这些早期“图画式”或“情境式”记录的审视，来理解符号的起源并非始于抽象的理论，而是根植于人类对世界形象的模仿和对生活经验的提炼。 第二章：调式与记号的碰撞——中世纪的旋律图景 随着音乐的发展，记录音乐的需求变得日益迫切。本章将聚焦中世纪，探寻当时音乐记谱法是如何在中世纪的教会音乐和世俗音乐中逐渐成型。我们不会纠缠于音乐符号学理论的定义，而是将重点放在记号本身是如何与音乐的调式、节奏和音高发生联系的。 我们将深入探讨早期教会使用的“纽姆”（Neume）记谱法。这些飘忽不定的符号，它们如何在演唱者的脑海中勾勒出旋律的轮廓？它们是准确的音高指示，还是仅作为演唱的提示和记忆的辅助？我们将分析不同时期纽姆的形态演变，从模糊的点画到逐渐规整的符号，理解这种变化背后，是人们对音乐理解的深入，还是对记录准确性的追求。 我们还会审视格里高利圣咏等重要音乐作品的记谱方式，分析当时的记号是如何与特定的调式体系相互作用。例如，某些记号可能暗示着特定的音程关系，或者提示着旋律的走向。我们不会去分析这些调式的理论构建，而是关注记号如何在实践中引导演唱者去“听”到正确的旋律，去“感受”到调式的色彩。 此外，本章还将介绍一些早期的“线谱”尝试。例如，加洛林王朝时期出现的单线谱、二线谱，以及后来逐渐发展的四线谱。这些线谱的出现，标志着记谱法从相对模糊到逐渐清晰的转折。我们会分析这些线是如何开始标示音高的，以及当时的记号（如“点”和“划”）是如何在这些线上或线间被运用，以指示更精确的音高和音程。这些发展，并非基于某种现成的音乐符号学理论，而是音乐实践者在不断摸索中，为了更有效地传承和演奏音乐而做出的创造。 第三章：规则与线条的交织——文艺复兴与巴洛克时代的视觉诗篇 进入文艺复兴和巴洛克时期，音乐记谱法迎来了更为系统的发展，并开始展现出其独立的艺术美学。本章将剥离音乐符号学理论的专业术语，而是将注意力集中在记号的“形式美”与“功能性”的结合上，以及它们如何构成一幅幅精美的“音乐视觉诗篇”。 我们将分析五线谱的最终确立和完善过程。五条平行线不再是简单的辅助工具，而是构建起一个视觉框架，为音高提供了精准的定位。在这个框架内，各种音符、休止符、临时记号等都扮演着各自的角色。我们会欣赏不同时期乐谱设计上的细节，例如字体、字号、线条的粗细，以及它们如何共同营造出一种特定的视觉风格。 我们将探讨音符形态的变化。从早期的圆点、方块，到后来更为清晰的椭圆形，再到加入符干、符尾，音符的形状不仅指示了音的时值，更以其视觉上的简洁或繁复，传达出音乐的动感和力度。我们将分析不同音符组合时所产生的视觉效果，例如密集的符尾如何暗示着快速的音流，而长符干的音符则可能带来庄重感。 此外，本章还将关注休止符、拍号、速度标记等其他记号的演变。这些记号如何通过其形状和位置，明确地传达音乐的暂停、节奏的框架以及速度的快慢？我们会看到，这些记号并非孤立存在，而是与音符相互配合，共同构建起音乐的整体结构。它们的美学价值，在于其清晰的指示性与视觉上的和谐统一。我们将以一种欣赏艺术品的心态，去审视这些在五线谱上跳跃的“视觉元素”，体会它们所蕴含的理性与感性的平衡。 第四章：风格与表达的延伸——古典、浪漫至现代的符号变奏 在古典、浪漫乃至现代音乐的发展进程中，音乐符号的表达能力得到了极大的拓展。本章将不再深入探讨音乐符号学理论本身，而是着眼于记号如何在不同音乐风格中，被赋予更丰富的情感内涵和更精细的演奏指示。 我们将审视力度记号（如p, f, cresc., dim.）是如何在不同的音乐时期，被赋予不同的情感色彩。在古典时期，它们可能代表着结构上的清晰对比；而在浪漫时期，它们则可能被用来烘托戏剧性的情感张力。我们将分析表情记号（如andante, allegro, legato, staccato）的演变，以及它们如何与音乐的整体风格相呼应。这些记号不再仅仅是演奏上的指令，而是成为了作曲家用来描绘内心世界、塑造音乐情绪的工具。 我们会探讨装饰音、演奏技巧记号（如琶音、颤音、拨弦）的出现和发展。这些符号的出现，极大地丰富了音乐的表现力，使得演奏者能够通过更精细的技巧，去呈现作曲家所设想的音响效果。我们将分析这些记号的视觉形态，以及它们在谱面上的布局，如何引导演奏者去做出特定的手指动作和气息控制。 此外，本章还将简要提及现代音乐中一些更为新颖的记谱方式。例如，一些作曲家为了表达非传统的音响效果，会创造出独特的符号。这些符号或许不遵循传统的记谱规则，但它们本身也具有一种视觉上的原创性和实验性。我们将把这些新奇的符号视为符号系统的一次大胆的“再创造”，它们挑战着我们对“符号”的固有认知，但也正是这种挑战，推动着音乐表达的边界不断向前。 第五章：符号的边界与无限——音乐视觉的未来展望 本书并非一本音乐符号学理论的书籍，因此在结尾，我们将不再对理论进行总结，而是将目光投向音乐符号的未来。我们将思考，在技术飞速发展的今天，音乐符号的记录和传播方式将发生怎样的变化？ 我们将探讨数字化技术对音乐符号的影响。数字乐谱、MIDI格式等，它们如何改变了我们阅读、编辑和演奏音乐的方式？电子音乐的兴起，是否会催生出全新的、完全不同于传统五线谱的音乐符号系统？ 我们还将思考，当音乐与视觉艺术、多媒体技术进一步融合时，音乐符号的边界又将拓展到何方？全息投影、互动装置等，是否会为我们提供一种全新的、沉浸式的音乐体验，而这种体验又将如何影响我们对音乐符号的认知？ 本书最终旨在带领读者，以一种更加开放和充满好奇的视角，去欣赏那些我们日常接触到的音乐符号。我们希望通过这种方式，让读者体会到，每一个音符、每一个记号，都不仅仅是冰冷的指示，而是凝结着人类智慧、情感与创造力的艺术结晶。它们是连接过去与现在、作曲家与演奏者、以及我们每一个热爱音乐的心灵的桥梁。它们本身，就是一部值得反复品读的视觉史诗。

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这本书的论证结构如同一个极其复杂的织锦，线条交错，色彩斑斓，但当你试图找到一条主线时，却发现所有的线都同等重要，又或者，没有哪一条是真正的主线。我发现作者非常擅长设置“悖论”和“反直觉”的论点，这使得阅读过程充满了智力上的刺激。他似乎特别热衷于挑战传统的音乐分析方法，经常用一种近乎颠覆性的视角去解读那些公认的经典作品。这种挑战精神值得称赞，因为它确实推动了思考的边界。但是，问题在于，这种颠覆往往停留在理论层面，缺乏坚实的实证数据来支撑其宏大的论断。书中出现的个别案例分析，往往服务于论证的需要，而不是对实际音乐现象的忠实描摹。例如，他对某个特定旋律的“时间感”的解析，其描述的精妙程度令人叹服，但当我试图将这种分析模型应用到另一首结构相似的作品时，却发现它完全失效了。这让我怀疑，这本书的价值是否更多地体现在提供了一种高度个人化的、或许只适用于作者本人思维体系的分析工具，而不是一个普适性的理论模型。阅读体验是“智力上饱满，实践上空虚”。

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这本书的封面设计，初看之下，色彩搭配得有些沉闷，仿佛预示着内容会是一场严肃的学术探讨。内页的排版非常紧凑，字体选择偏小，这让初次阅读的体验略显吃力，尤其是对于非专业背景的读者来说，需要花费更多精力去适应这种密集的文字信息。装帧质量倒是中规中矩，装订牢固，纸张的触感尚可，但没有太多令人眼前一亮的设计感。内容上，它似乎着重于对某种特定文化背景下音乐现象的深度剖析，引用的理论模型相当复杂，涉及了符号学、结构主义甚至后结构主义的某些晦涩概念。我花了相当长时间才勉强跟上作者的逻辑线索，感觉作者在构建他的理论体系时，过于沉浸在自身的学术框架内，而对如何有效地向更广泛的听众传达这些复杂思想考虑不足。书中大量的图表和符号体系的阐述，虽然对深入研究者或许是宝贵的财富，但对于我这样的普通爱好者来说，更像是一道道难以逾越的门槛。读完第一章后，我感觉自己像是走入了一个精心布置但光线不足的迷宫，虽然知道里面蕴含着知识，但要寻得出口却需要极大的耐心和毅力。总而言之，这本书的气质非常“学院派”，适合在特定领域深耕的学者，但对休闲阅读者的亲和力较弱。

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从实体书的反馈来看，这本书的出版质量略显仓促。纸张的印刷质量在靠近书脊处有些许墨迹渗出，尤其是在那些高密度图表出现的页面，细节处理得不够精细。更令人困扰的是，全书的索引部分做得非常粗糙，许多关键术语和人名并没有被准确收录，这对于需要快速检索特定信息的读者来说，是一个巨大的不便。我理解这类前沿理论书籍的出版可能面临时间压力，但作为一本可能具有长期学术影响力的作品，如此基础的编目工作疏漏，实在令人感到遗憾。内容方面，我个人对其中对“声音的本体论”的探讨最感兴趣，作者试图将听觉体验还原为纯粹的物理振动与大脑皮层的某种先验结构之间的互动，这种尝试非常大胆。但有趣的是，在涉及具体音乐流派的描述时，作者的态度却显得相对保守和审慎，仿佛在谈论“纯理论”时游刃有余，但在面对现实世界的多元音乐文化时，反而变得谨小慎微，不愿做出明确的价值判断或归类。这种理论上的激进与实践上的保守之间的张力，贯穿了整本书，使得最终的阅读感受变得复杂而矛盾，像是在欣赏一座结构宏伟但地基略显不稳的高塔。

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这本书的行文风格极其跳跃，充满了作者强烈的个人色彩和近乎哲学思辨的断言。阅读过程中，我常常需要停下来反复琢磨某一段话的真正含义，因为它似乎更倾向于构建一种内在的、自洽的语义场，而非直接陈述事实或提供清晰的步骤指南。作者似乎有一种对清晰逻辑的“蔑视”，偏爱使用意象化的语言和多重隐喻来表达他的核心观点，这使得阅读过程充满了挑战性，但偶尔也会带来一种醍醐灌顶的“顿悟”时刻，尽管这种时刻非常罕见。例如，他对某一音乐元素如何“折射”出社会结构的那一段论述，简直是诗意的，但紧接着的脚注却又抛出了一个我闻所未闻的德语术语，让我瞬间从诗意的体验中抽离，重新陷入查阅词典的劳作中。这本书的节奏感很奇怪，有些章节的论证铺陈得极其缓慢，如同在慢镜头下解剖一个微小的结构；而另一些关键的转折点却像是被生硬地跳过了，仿佛作者认为读者已经具备了跳跃式思维的能力。我感觉这本书更像是一部作者与自我对话的私密记录，而非一部面向公众的知识普及读物。它要求读者主动去填补逻辑的空白，去猜测作者未尽之言，这使得阅读体验充满了主观能动性，但同时也伴随着巨大的不确定感。

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我必须承认，这本书在参考资料的引用上展现出了惊人的广度和深度。翻开任何一页，几乎都能看到拉丁文、古希腊文的原始文献，或是来自小语种国家的期刊摘要被精确引用。这无疑证明了作者在学术积累上的扎实功底，他似乎试图建立一个跨越文化和历史的宏大理论框架。然而，这种“博学”的展示有时会显得有些过载。当作者频繁地在不同学科之间进行跳跃式引用时，例如从18世纪的音乐美学突然转向20世纪的认知心理学，再连接到一个不太相关的社会人类学案例，读者很容易感到迷失方向，分不清哪些是核心论点，哪些仅仅是旁征博引以彰显其学识广博。我特别留意了书中关于“结构”和“意义”的界定，发现作者似乎刻意模糊了这两个概念的边界，可能是为了追求一种更高的抽象层次。这种模糊处理虽然为后续的演绎留下了巨大的阐释空间，但也意味着读者在阅读过程中，必须时刻保持高度警惕，因为每一个被视为“基础”的词汇，都可能在下一章被重新定义或颠覆。这本书更像是一份详尽的学术地图，充满了标记，但地图的比例尺似乎并不统一，让导航变得异常困难。

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