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出版者:Thomson Learning

作者:Bartelt, Terry L.

出品人:

页数:656

译者:

出版时间:2005-6

价格:$ 275.66

装帧:HRD

isbn号码:9781401862923

丛书系列:

图书标签:

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《光影流转：20世纪中叶摄影艺术的演变与实践》 第一章：战后摄影的勃兴与社会责任的重塑 (1945-1960) 二战的硝烟散去后，全球社会结构经历了深刻的重塑，这股变革的浪潮也以前所未有的力量冲击了摄影领域。本章将深入探讨战后初期摄影师们如何从记录灾难的沉重使命中抽身，转而关注个体生存状态和日常生活的细腻描摹。 1.1 纪实摄影的转向：从宏大叙事到个人寓言 战前的法尔斯、罗伯特·卡帕等人的作品往往聚焦于宏大的政治事件和战争的残酷。然而，战后的摄影师，如亨利·卡蒂埃-布列松（Henri Cartier-Bresson）及其在“马格南图片社”的同事们，开始将目光投向“决定性瞬间”中的人性光辉与脆弱。他们不再仅仅满足于记录历史的片段，而是试图通过捕捉日常生活中瞬间的张力与平衡，来揭示普遍的人类情感。 欧洲的重建与“新现实主义”： 在饱受战争蹂躏的欧洲，摄影师如爱德华·布拉萨（Édouard Boubat）和让·休伯特（Jean-Philippe Huber）的作品中充满了对残垣断壁下生命力的赞颂，以及对普通劳动者坚韧精神的刻画。他们的作品色彩相对柔和，构图强调光影的对比与诗意，与战前硬朗的社会写实主义风格形成鲜明对比。 1.2 美国摄影的崛起与“生活杂志”的黄金时代 美国在战后成为全球文化和经济的中心，这极大地推动了以《生活》（Life）、《Look》等杂志为载体的周刊摄影的繁荣。这些杂志为摄影师提供了前所未有的曝光机会，但也对作品的叙事性和可读性提出了更高的要求。 W. 欧仁·史密斯（W. Eugene Smith）的介入式报道： 史密斯以其对情感的深度挖掘而著称。本节将重点分析他早期的作品，如对二战太平洋战场的记录，以及他如何将这种强烈的个人情感融入到战后的家庭和社会报道中，例如他对匹兹堡钢铁工人的系列报道，展现了纪实摄影如何成为一种强有力的社会评论工具。 1.3 技术革新对风格的影响：小型相机的普及与街头摄影的解放 徕卡（Leica）和禄来福来（Rolleiflex）等小型相机在战后得到了更广泛的应用，这解放了摄影师的行动力。不再需要笨重的设备，摄影师可以更隐蔽、更快速地融入环境。这种技术上的便利，直接促成了“街头摄影”作为一种独立艺术流派的成熟。 第二章：抽象表现主义与摄影的媒介自觉 (1960-1975) 进入六十年代，摄影开始挑战自身作为“再现工具”的传统定位，受到抽象表现主义和波普艺术的深刻影响，探索媒介自身的特性和主体性的表达。 2.1 摄影与艺术的边界消融：从记录到观念的飞跃 随着战后文化思潮的演进，摄影界开始质疑纪实摄影的客观性神话。艺术家们不再满足于“捕捉现实”，转而利用摄影的特性——其固有的并置、蒙太奇和光化学过程——来构建或解构现实。 边缘的探索者： 本章将详述在这一时期，一些先驱者如何通过对相纸、显影液的化学处理，甚至故意制造模糊、过度曝光等“错误”，来强调摄影的物质性而非仅仅是其内容。例如，通过多重曝光和拼贴技术，打破了单一镜头的线性叙事。 2.2 美国的“新客观主义”与清晰度的回归 与欧洲的实验思潮相对，美国摄影界出现了一股回归对细节和精确性的痴迷，这在很大程度上受到了大画幅相机（如4x5和8x10）的重新启用所驱动。 影响深远的导师群体： 重点分析在加州和纽约的摄影学校中形成的教学范式。这些导师教导学生如何利用光线的细微变化和景深的精确控制，使照片的每一个像素都充满信息。他们的作品强调形式的纯粹性、结构的逻辑性，旨在将平凡的物体提升到雕塑般的永恒感。这种对“纯粹摄影”（Straight Photography）的追求，为后来的极简主义奠定了基础。 2.3 肖像摄影的深度转型：不再是社会地位的标签 传统的肖像摄影多服务于记录权威或社会身份，但在这一时期，肖像开始成为对人物内心世界和矛盾性的探索工具。摄影师们开始与被摄者建立更长久、更深入的关系，以捕捉那些隐藏在公众形象之下的个体真实面貌。 第三章：后现代的审视与摄影的多元化叙事 (1975-1990) 七十年代末开始，摄影艺术进入了一个后现代语境的时期。媒介的自我反思、符号学的应用以及对“真实”概念的彻底解构成为主流。 3.1 大画幅的回归与环境肖像的心理深度 大画幅相机的再次流行，并非仅仅是对清晰度的追求，更是一种对时间、空间和观看行为的仪式化。摄影师们开始利用缓慢的拍摄过程，迫使被摄者和拍摄者都进入一种更具冥想性的状态。 场景的构建与舞台化： 这一时期的许多著名肖像摄影作品，往往不再是现场的偶然抓拍，而是经过精心设计的“舞台”。通过对背景元素的刻意选择和摆放，环境本身成为解读人物性格和命运的关键线索。 3.2 色彩摄影的艺术化与媒体影像的挪用 过去，彩色摄影常被视为商业或新闻用途的工具，而艺术摄影则偏爱黑白。然而，随着柯达和富士等公司在彩色胶片技术上的飞跃，以及新型化学处理技术的成熟，彩色摄影开始被严肃的艺术家广泛采纳。 媒介的借鉴与戏仿： 受到波普艺术和符号学理论的影响，部分艺术家开始直接从广告、时尚摄影，乃至家庭快照中提取图像元素，通过复制、放大或改变色彩饱和度，来评论消费文化和媒体建构的“完美生活”。这种挪用技巧，挑战了原创性的概念。 3.3 观念艺术与摄影的融合：图像作为文本 在观念艺术的大背景下，摄影的“图像”本身被降级为一种阐释观念的载体，其美学表现力退居次要地位。本章将分析一些作品如何利用摄影的并置（Juxtaposition）和序列（Sequence）来构建复杂的、多义的文本结构。观众的理解不再依赖于对单一瞬间的解读，而是对一系列图像之间关系、对比和重复的逻辑分析。 第四章：数字时代的黎明前奏：档案、记忆与身份的重构 (1990-2000) 进入九十年代，虽然数字技术尚未完全普及，但其预兆已深刻地影响了艺术家的创作方向。传统材料的局限性开始受到挑战，关于档案和记忆的讨论浮出水面。 4.1 档案摄影的介入：重访与修正历史 随着社会对历史叙事的反思加深，摄影师们开始将目光投向公共和私人档案。他们不再是档案的创造者，而是档案的“编辑者”和“评论者”。 档案的“再激活”： 通过对旧照片的重新聚焦、裁剪、或在新的语境下展示，艺术家们揭示了档案在被保存过程中可能发生的偏见和遗漏。这种介入行为，使得记忆不再是静态的，而是不断被当前视角重新构建的动态过程。 4.2 身份政治与自我的多重表达 在身份认同的议题日益凸显的背景下，自拍（Self-Portraiture）和基于群体的记录成为重要的表现形式。摄影成为了探索性别、种族和阶级差异的工具。 实验性的肖像构建： 艺术家们利用混合媒介技术（如将照片与绘画、雕塑结合），或在肖像中融入强烈的象征符号，表达边缘群体在主流文化中的挣扎与力量。这些作品挑战了以往那种单一、凝视式的肖像传统，强调了身份的流动性和建构性。 4.3 介质的过渡：模拟向数字的心理准备 本章的收尾部分，将讨论在千禧年交替之际，摄影界对新兴数字技术的心理准备。一些先锋摄影师开始尝试早期的高分辨率扫描和初步的数字后期处理，这为未来十年的视觉革命埋下了伏笔。他们关注的焦点已从胶片颗粒的质感，转向了像素的密度与图像信息的承载能力。

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