具体描述
This reader in Whitechapel's Documents of Contemporary Art series investigates the interchange between art and design. Since the the Pop and Minimalist eras--as the work of artists ranging from Andy Warhol to Dan Graham demonstrates--the traditional boundaries between art and architectural, graphic, and product design have dissolved in critically significant ways. "Design and Art" traces the rise of the "design-art" phenomenon through the writings of critics and practitioners active in both fields. The texts include writings by Paul Rand, Hal Foster, Miwon Kwon, and others that set the parameters of the debate; utopian visions, including those of architect Peter Cook and writer Douglas Coupland; project descriptions by artists (among them Tobias Rehberger and Jorge Pardo) juxtaposed with theoretical writings; surveys of group practices by such collectives as N55 and Superflex; and views of the artist as mediator--a role assumed in the past to be the province of the designer--as seen in work by Frederick Kiesler, Ed Ruscha, and others. Finally, a book that doesn't privilege either the art world or the design world but puts them in dialogue with each other. Contributors: David Bourdon, Peter Cook/Archigram, Douglas Coupland, Kees Dorst, Charles Eames, Experimental Jetset, Vilem Flusser, Hal Foster, Liam Gillick, Dan Graham, Clement Greenberg, Richard Hamilton, Donald Judd, Frederick Kiesler, Miwon Kwon, Maria Lind, M/M, N55, George Nelson, Lucy Orta, Jorge Pardo, Norman Potter, Rick Poynor, Paul Rand, Tobias Rehberger, Ed Ruscha, Joe Scanlan, Mary Anne Staniszewski, Superflex, Manfredo Tafuri, Rirkrit Tiravanija, Paul Virilio, Joep van Lieshout, Andy Warhol, Benjamin Weil, Mark Wigley, and Andrea Zittel. "Copublished with Whitechapel Art Gallery, London"
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
坦白说，这本书的某些部分读起来让人感到一种近乎哲学上的疏离感。它不迎合大众审美，甚至有些刻意地营造出一种“局外人”的视角。书中呈现的许多作品，其形式语言极度抽象，甚至可以说有些冷峻和疏离，它们似乎在探讨一些关于“存在”、“虚无”或者“信息过载”的宏大主题，而不是日常的界面设计或产品优化。这种高冷的姿态，反而让我更加尊重作者的独立思考。我花了很多时间去揣摩那些看似随机的字体选择和布局偏移，它们不再是简单的排版错误，而是被赋予了强烈的、几乎是反叛意味的个人立场。这本书更像是一份宣言，一份对当前设计主流的温和而坚定的挑战书。它要求读者不仅要有审美能力，还要有批判性思维的骨架，否则很容易被其深邃的意图所困住，产生强烈的“看不懂”的挫败感。
评分这本书的装帧设计简直是艺术品，触感细腻，色彩搭配也十分考究，拿在手里就感觉像是捧着一件精心打磨的雕塑。初翻阅时，被那些跨页的、充满力量感的排版深深吸引，它似乎在用视觉语言诉说着一种超越文字的叙事。我尤其欣赏它在留白上的处理，那种恰到好处的呼吸感，让每一个元素——无论是粗犷的线条还是纤细的笔触——都有了充分展示自己个性的空间。封面上的那个抽象符号，反复咀嚼后才发现其中蕴含的某种哲学思辨，这种需要读者主动去“解码”的设计手法，极大地提升了阅读的参与感。装帧的硬挺度也让人放心，可以平铺在桌面上，方便临摹或细致观察那些复杂的纹理细节。如果说有些设计书籍只是工具书，那么这本更像是一件值得收藏的工艺品，它的物理存在本身就是对“设计即艺术”这一理念的有力证明。从材质到印刷工艺，每一个环节都透露出对品质的近乎偏执的追求，让人忍不住想要仔细触摸和感受每一个转折和过渡。
评分这本书的叙事结构给我带来了一种解构主义的美学冲击。它仿佛是把一栋宏伟的建筑拆解成了数百个独立的、但相互关联的砖块，然后邀请你重新思考如何将它们搭建起来。我注意到，许多理论性的文字（如果存在的话）被巧妙地嵌入到图像的阴影或边缘，它们从属于视觉的表达，而非主宰一切。这种“视觉优先”的策略，彻底颠覆了我过去对设计理论书籍的刻板印象。它不是在教你一套固定的规则，而是在展示一套可以被无限重组的视觉语汇。我特别欣赏其中几页中对“不确定性”主题的探讨，设计师似乎故意留下了一些模棱两可的交界线和未完成的草图，这使得作品本身也带有一种持续演进的状态，而不是一个最终的、僵硬的结论。这种对开放性、对模糊边缘的拥抱，正是当代艺术和设计思维的核心所在。它鼓励的不是模仿，而是质疑现有框架。
评分阅读体验上，这本书提供了一种非常规的知识传递路径，它更像是一场精心策划的视觉漫步，而非线性的知识灌输。作者似乎刻意避开了教科书式的条分缕析，转而采用了一种碎片化但主题高度集中的叙事结构。每当我翻开一个章节，首先映入眼帘的是一组对比强烈的图像或一组精心编排的元素组合，这些组合本身就构成了一个完整论点。我发现自己不得不放慢速度，去辨识这些图像之间的内在联系，去探究为何设计师将A和B并置，而不是将它们分开。这种需要读者主动建立连接的阅读方式，极大地锻炼了我的视觉分析能力。它不直接告诉你“是什么”，而是让你通过观察“如何是”来推导出“为什么是”。这种隐晦的教学法，对于那些厌倦了陈词滥调的专业人士来说，无疑是一种久旱逢甘霖的新鲜空气。整本书的节奏感把握得非常好，从舒缓的沉思到爆发性的视觉冲击，起伏跌宕，让人欲罢不能。
评分真正让我感到惊喜的是，这本书在处理不同媒介之间的过渡时，展现出了惊人的灵活性和成熟度。它不像一些传统书籍那样将平面设计、空间设计和动态影像生硬地划分开来。相反，它在不同章节之间流动着一种统一的、内在的逻辑脉络，让你感觉无论是在看一幅静止的版画，还是在脑海中模拟一个三维空间的变化，那种核心的设计思想是共通的。这种跨媒介的视听整合能力，体现了作者对“设计思维”这一核心概念的深刻理解，即设计方法论本身是独立于其承载媒介的。例如，书中对“节奏”的探讨，既体现在文字行距的细微调整上，也体现在一个序列动画的帧率控制上，这种融会贯通的讲解方式，极大地拓宽了我对“设计工作”的定义边界。它让我开始思考，我日常接触的每一个视觉或非视觉的构建，是否都可以用书中展示的某种基本美学原则来解析和重构。
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评分要想让搞艺术的人理解设计，还是有点难度，但本书是一种很抽象很好的尝试。这里的“设计”像一个介入的动词，而不是一个平行领域。
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