Elizabeth Catlett

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出版者:University of Washington Press
作者:Melanie Anne Herzog
出品人:
页数:240
译者:
出版时间:2005-11-15
价格:USD 29.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780295985459
丛书系列:
图书标签:
  • 雕塑
  • 艺术
  • 非裔美国人艺术
  • 女性艺术家
  • 版画
  • 艺术史
  • 文化
  • 美国艺术
  • 20世纪艺术
  • 艺术家传记
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具体描述

New in paperback Elizabeth Catlett, born in Washington, DC, in 1915, is widely acknowledged as a major presence in African American art, and her work is celebrated as a visually eloquent expression of African American identity and pride in cultural heritage. But this is not the whole story. She has lived in Mexico for 50 years, as a citizen of that country since 1962, and she and her husband, artist Francisco Mora, have raised their children there. For 20 years, she was a member of the Taller de Grafica Popular (Popular Graphic Arts Workshop) and she was the first woman professor of sculpture at the Universidad Nacional Autonoma de Mexico. Her extraordinary career has stretched from her years as a student at Howard University during the 1930s through various political and social movements - including the Chicago Renaissance of the 1940s, the Black Power and Black Arts movements, the Mexican Public Art Movement, and feminism - which have informed her art.This richly illustrated and informative monograph is the first to document the full range of Catlett's life and work. In addition to thoroughly researching primary source materials and to critiquing individual art works with sensitivity and erudition, the author has conducted numerous interviews with Catlett and has analyzed with clarity the political context of her work and her diverse sympathies and allegiances. Herzog examines key artistic influences and shows how Catlett transformed an extraordinary stylistic vocabulary into a socially charged statement.In tracing Catlett's long and continuing career as a graphic artist and sculptor in Mexico, Herzog explores an important period in Catlett's life between the 1950s and the 1970s about which almost nothing is known in the United States. She examines the 'Mexicanness' in Catlett's work in its fluent relationship to the underlying and constant sense of African American identity she brought with her to Mexico. Herzog's solidly grounded interpretation offers a new way to understand Catlett's work and reveals this artist as a fascinating and pivotal intercultural figure whose powerful art manifests her firm belief that the visual arts can play a role in the construction of a meaningful identity, both transnational and ethnically grounded. Melanie Anne Herzog is associate professor of art history at Edgewood College in Madison, Wisconsin.

好的,这是一本关于古代炼金术与神秘符号学的图书简介,旨在深入探讨中世纪及文艺复兴时期,炼金术士们如何运用复杂且富有象征意义的符号系统,试图揭示物质转化和宇宙奥秘的历程。 --- 秘传之钥:中世纪炼金术符号的密码学解析 内容提要 本书《秘传之钥》并非简单梳理炼金术的历史脉络,而是聚焦于其最核心、也最难以解读的面向——符号学。本书挑战了将炼金术视为原始化学的传统观点,而是将其置于更广阔的哲学、宗教与神秘主义的语境中进行考察。我们认为,炼金术士们所使用的那些看似晦涩难懂的图形、几何结构以及奇特的混合生物,构成了一个严密且具有多层含义的“秘传语言”。 本书将系统性地解构这些符号的起源、演变及其在不同阶段的实践意义。从赫尔墨斯主义(Hermeticism)的哲学基石,到具体的化学操作过程(如“大作业”——Magnum Opus),每一个符号都承载着物质、精神乃至神圣层面的三重信息。 第一部分:符号的源流与哲学基础 第一章:赫尔墨斯的阴影:炼金术思想的古老根源 本章追溯炼金术符号学的思想源头,重点探讨古埃及神祇托特(Thoth)与希腊神祇赫尔墨斯·特里斯墨吉斯图斯(Hermes Trismegistus)的融合。我们将分析《翠玉版》(Tabula Smaragdina)中那些被反复引用的、看似抽象的语句,如何被后世炼金术士转化为视觉符号。 宇宙的对应关系(As Above, So Below): 探讨行星、金属和人体器官之间的对应关系如何构建了炼金术的符号宇宙观。我们将详细考察七种基本金属(金、银、铜、铁、锡、铅、汞)与七大行星的系统化关联,以及这些关联如何在图谱中被视觉化。 四元素与三原质(Prima Materia): 分析土、气、火、水四元素符号的变体,以及对“原始物质”的符号化表达。特别关注“硫-盐-汞”三原质理论的视觉化表现,以及它们在揭示物质转化潜力方面的作用。 第二章:图形的语法:炼金术符号的结构分类 本书构建了一个详细的炼金术符号分类体系,帮助读者理解这些符号并非随机的涂鸦,而是具有清晰的语法结构。 几何图形的意义: 深入解析圆形(代表完美与永恒)、三角形(代表元素与转变方向)和方形(代表物质性与稳定)在不同上下文中的精确含义。例如,不同方向的箭头符号如何指示氧化、还原或蒸馏的过程。 动物与神话生物的寓言: 重点研究“乌鸦头”(Caput Corvi,象征黑化阶段)、“白化”(Albedo)中的白鸟,以及“炼金术之龙”(Ouroboros)的复杂意涵。我们探讨这些生物如何作为复杂化学反应的隐喻,而非仅仅是装饰。 第二部分:大作业的视觉编码 第三章:颜色与阶段的转译:从黑色到金色 “大作业”(Magnum Opus)的四个主要阶段(黑化、白化、黄化、红化)是炼金术实践的核心。本章致力于解读这些阶段是如何通过一系列精确的视觉符号序列来记录和传达的。 Nigredo(黑化): 解析与腐烂、溶解、分解相关的符号,如破碎的容器、燃烧的尸体、以及“恶龙吞噬太阳”的图像。这些符号如何提示了物质内部的“精神性死亡”? Albedo(白化): 探讨与净化、清洗相关的符号,如洗礼、月亮、纯净的泉水以及“白色的新娘”。我们将比较不同学派对此阶段象征性描述的细微差异。 Rubedo(红化): 聚焦于最终阶段的符号,如凤凰涅槃、红色的狮子、以及“贤者之石”的最终形态——通常表现为晶体或红宝石的符号表示。 第四章:容器与仪器的密码学 炼金术实践依赖于特定的玻璃仪器,而这些仪器的形状本身也成为了符号系统的一部分。 Athanor(炼金炉)的象征意义: 炉灶不仅是加热的工具,更是“宇宙熔炉”或“精神熔炉”的隐喻。本书分析了不同炉体设计(如双层炉、封闭炉)所暗示的操作哲学。 Philosopher’s Egg(炼金之卵): 深入研究这种封闭容器的几何结构及其在维持“内在太阳”或“内在火候”方面的符号功能。我们考察“卵”如何象征着孕育新物质的完美隔离环境。 第三部分:符号的实践与误读 第五章:手稿中的双重叙事:实践与灵性 炼金术文献的解读一直是学术难题,因为它们通常包含“双重叙事”:一个面向普通操作(Exoteric),另一个面向深度灵性转化(Esoteric)。 图示与文字的张力: 通过分析如尼古拉·弗拉梅尔(Nicolas Flamel)或乔治·里普利(George Ripley)的著名手稿,我们辨析何时符号代表了蒸馏的温度,何时它象征了灵魂的升华。 区域差异与符号变异: 考察中世纪晚期在德意志、意大利和尼德兰地区,同一概念符号是如何因地方文化和宗教背景而产生微妙差异的,这为理解符号的流动性提供了新的视角。 第六章:现代炼金术的符号回响 本书的结论部分探讨了炼金术符号学对后世科学、艺术和心理学的影响。 从实践到心理: 分析荣格(Carl Jung)如何借用这些古老符号来构建其“原型”理论,以及这些符号如何在无意识层面继续发挥作用。 符号的“去魅”与永恒的魅力: 总结本书的研究成果,论证即使在现代化学和物理学已经取代了其物质追求之后,炼金术符号依然作为一种强大的原型叙事,持续激发着人类对转化与完美的渴望。 --- 目标读者: 历史学者、符号学研究者、艺术史学家、以及对西方神秘主义传统有深度兴趣的读者。本书要求读者具备一定的哲学思辨能力,而非仅关注简单的化学反应复述。本书致力于提供一个严谨的符号学框架,以解锁这些尘封已久的秘传知识。

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读后感

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用户评价

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这本书真正厉害的地方在于它的“连接性”。它成功地将一位艺术家的个人创作,巧妙地嵌入到更广阔的社会、政治和文化脉络之中。作者没有将艺术史孤立地看待,而是清晰地展示了艺术是如何与民权运动、性别议题以及全球化的进程相互作用、彼此塑造的。读到关于特定时期作品的分析时,我深刻体会到艺术在动荡年代所能发挥出的强大精神力量——它既是反抗的呐喊,也是疗愈的途径。书中的论述逻辑严密,论据翔实可靠,每一次观点提出都有充分的历史文献或影像资料作为支撑,这使得整本书的论述极具说服力。它促使我反思,我们今天看待这些经典作品时,是否完全理解了它们诞生的历史语境?这本书就像一把钥匙,不仅开启了我们对这位艺术家的理解,也为我们提供了一个审视自身时代背景的全新框架。它远超了一般的艺术家传记,更像是一部关于艺术如何参与历史进程的深度研究报告。

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我对这本书的整体感受是震撼与敬佩——敬佩作者的田野调查之广博,以及他们梳理复杂线索的超凡能力。这本书的深度远超一般的入门读物,它真正深入到了创作的“方法论”层面。比如,书中对材料选择背后哲学意义的探讨,以及对不同媒介(雕塑、版画、壁画)之间内在联系的梳理,都展现了作者深厚的专业积累。我特别喜欢作者在描述艺术家创作过程时所采用的“现场感”叙事,仿佛我们能闻到颜料和石膏的味道,感受到双手在材料上雕琢时的那种专注与力量。这本书不是那种读完就束之高阁的书籍,它会成为一个参考点,一个在你未来思考相关艺术议题时会不由自主回溯的工具书。它培养了一种批判性的阅读习惯,让你学会不再满足于表面的赞美,而是去探究“为什么是这样,而不是那样”。对于任何对艺术史、尤其是关于身份认同艺术感兴趣的读者来说,这本书都提供了一种近乎百科全书式的、同时又充满生命力的阅读体验。

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这本书的结构安排颇具匠心,它并非简单的生平回顾,而更像是一部编年史与评论的精妙混搭。初读时,我有些担忧内容会过于学术化,但很快发现我的顾虑是多余的。作者显然深谙如何将复杂的艺术理论和历史背景,转化为大众可以接受的、充满人情味的叙述。书中对不同时期创作风格转变的剖析,尤其令人印象深刻。比如,当提到艺术家如何应对社会变革时,文字中流露出的那种深刻的共情能力,简直让人动容。我们看到的不仅仅是创作技法的演变,更是艺术家内心世界的不断挣扎与和解。我特别喜欢其中穿插的一些侧面描写,那些关于工作坊的日常、与同行或家人的互动片段,这些“幕后花絮”极大地丰满了人物形象,让她不再是高高在上的艺术符号,而是一个有血有肉、在现实生活中摸索前行的个体。这种叙事策略的运用,使得整本书的节奏张弛有度,既有宏大的历史视野,又不乏微观的个人情感流露。可以说,它提供了一个极其立体和多维度的视角来理解一位重要艺术家的全部创作生涯。

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这本书真是让人眼前一亮,从翻开第一页开始,就被那种扑面而来的艺术气息牢牢抓住了。作者的叙事手法非常高明,没有那种刻板的、流水账式的介绍,反而更像是在带领我们进行一场沉浸式的、充满发现的旅程。我尤其欣赏他对光影和材质的细腻捕捉,即便是文字描述,也能让人清晰地“看”到那些雕塑作品的粗粝与光滑,感受到木头或青铜特有的温度。书中的许多章节似乎都在探讨“身份”与“传承”这两个宏大主题,但作者的切入点总是那么精准而富有诗意。他没有直接给出答案,而是通过大量的案例和背景资料,引导读者自己去思考艺术家是如何在时代洪流中,用艺术语言来定义和重塑自我形象的。那种感觉就像是站在一个巨大的画廊里,每件作品都有它自己的低语,而这本书,就是那个最好的导览员,它用一种近乎私密的对话方式,向你揭示了艺术背后的心路历程。读完之后,我对“什么是真正的艺术表达”有了更深层次的体悟,不再仅仅停留在视觉表象,而是深入到了创作者的灵魂深处。这本书的排版和装帧设计也体现了极高的审美水准,每一页的留白都恰到好处,让阅读体验本身成为一种享受。

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坦白说,这本书的文字功底达到了一个令人惊叹的高度,很多段落读起来简直就像在品味精妙的散文诗。作者的遣词造句非常讲究,既有历史的厚重感,又充满了现代的活力。我发现自己常常需要放慢阅读速度,不是因为内容晦涩,而是因为那些措辞和比喻太过精妙,值得反复玩味。这种对语言的极致运用,使得即便是那些探讨抽象艺术理念的章节,也变得清晰而富有画面感。更难得的是,作者在保持专业性的同时,成功地避免了故作高深的腔调。他仿佛是一位学识渊博的朋友,耐心地引导你走进一个全新的知识领域,随时准备解答你的疑惑,但又绝不强迫你接受任何既定的观点。阅读过程中的那种愉悦感是难以言喻的,它提供了一种智力上的满足,让你感觉自己的审美水平和对艺术史的理解都得到了实质性的提升。这是一本可以被放在床头,随时翻开一页就能获得启发和慰藉的宝藏之书。

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