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出版者:Rutgers University Press

作者:Rachel Dwyer

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2002-9-30

价格:USD 24.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780813531755

丛书系列:

图书标签:

• 电影
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《银幕上的印度：穿越时空的文化镜像》 书籍简介 《银幕上的印度：穿越时空的文化镜像》是一部深度剖析印度电影工业发展历程、文化影响及其社会变迁的专著。本书旨在超越对宝莱坞歌舞场面的肤浅认知，带领读者进入一个由光影、音乐、政治和大众情感交织而成的复杂世界。本书的叙事线索并非遵循简单的年代顺序，而是以主题驱动，探讨印度电影如何成为理解这个多元化国家社会结构、身份认同和全球化进程的关键媒介。 第一部分：光影的诞生与早期回响（1910s – 1940s） 本书的开篇追溯了印度电影的源起，远早于人们普遍认为的“宝莱坞时代”。我们聚焦于印度早期电影制作的先驱者，如达达萨赫布·法尔克（Dadasaheb Phalke）及其标志性的《罗摩的神迹》（Raja Harishchandra）。这一部分详细考察了默片时代的艺术探索，以及早期电影如何被用作宗教传播、神话叙事和民族主义启蒙的工具。 随后，我们将进入有声电影的转折点。有声电影的出现不仅是技术上的飞跃，更是文化上的巨变，它使地区性语言电影的崛起成为可能。我们细致分析了孟加拉电影、泰卢固电影（Tollywood）以及马拉雅拉姆语电影的早期风格，探讨了在英属印度统治末期，电影如何在娱乐与政治宣传之间微妙地寻求平衡。特别值得关注的是，早期电影中对“印度性”（Indianness）的构建，这种构建往往是精英阶层对传统、家庭价值观的理想化投射，并以此对抗殖民文化的影响。 第二部分：独立时代的宏大叙事与社会关怀（1950s – 1960s） 印度独立后的第一个十年是电影工业的“黄金时代”，也是社会理想主义最为高涨的时期。本部分深入研究了战后重建时期，电影作为国家建设工具的角色。我们重点分析了被称为“平行电影运动”（Parallel Cinema）的艺术流派，特别是萨蒂亚吉特·雷（Satyajit Ray）、比马尔·罗伊（Bimal Roy）等大师的作品。这些导演拒绝了传统歌舞的公式化，转而关注贫困、阶级不平等、农村的困境以及知识分子的道德挣扎。 我们对《愚人的歌》（Pather Panchali）系列进行了深入的文本分析，揭示了它如何将印度现实主义提升到世界级艺术水准，并成为印度对西方电影界发出的文化宣言。同时，本书也探讨了商业主流电影（Masala Cinema的雏形）是如何通过浪漫主义、英雄崇拜和对统一家庭价值的强调，来缝合一个在种族、语言和宗教上日益分裂的新生国家的文化肌理。 第三部分：愤怒的年代与反叛的声音（1970s – 1980s） 1970年代，印度的社会矛盾集中爆发，“愤怒的年代”（Era of Anger）席卷全国。电影对此做出了强烈的回应。本章节的核心是探讨“反英雄”（Angry Young Man）形象的诞生，并以阿米达布·巴强（Amitabh Bachchan）的职业生涯为切入点。我们分析了为什么在腐败加剧、失业率上升的背景下，观众渴望看到一个能够以暴力手段打破体制僵局的银幕人物。 本部分还将分析尼科尔·罗穆（Mani Ratnam）和沙巴卡尔·雷迪（Shyam Benegal）等导演在批判现实主义上的继承与发展，特别是他们如何开始触及种姓歧视、地域政治和极端主义的早期萌芽。同时，随着孟买电影（宝莱坞）日益商业化，其对逃避主义的强调也达到顶峰，音乐和动作场面变得愈发夸张，为后来的全球化浪潮铺平了道路。 第四部分：全球化、回归与身份重塑（1990s – 2000s） 随着印度经济的自由化和海外印度侨民（NRI）的崛起，电影的叙事重心发生了根本性转变。本书详述了1990年代宝莱坞的“回归传统”倾向，表现为对精致化视觉美学、异国情调的取景地（瑞士、伦敦）以及以家庭、婚姻为核心的爱情故事的偏爱。我们审视了卡兰·乔哈尔（Karan Johar）等新一代导演如何成功地将印度传统元素与西化的审美包装结合，创造出极具市场号召力的“全球印度电影”。 此外，本书还专设一章探讨了地区性电影（如泰米尔语和泰卢固语电影）在这一时期的爆炸性增长，它们如何凭借本土化的叙事和对区域身份的坚持，在与孟买的竞争中保持活力和文化相关性。我们分析了这些地区性巨头如何通过技术革新，特别是特效和动作场面，开始挑战宝莱坞的主导地位。 第五部分：数字时代、流动性与文化边界的消融（2010s – 至今） 进入新千年，互联网和流媒体平台的普及彻底改变了印度电影的生产、发行和消费模式。本部分关注了当代印度电影的几个关键趋势： 1. 流媒体的冲击与内容细分： 分析了OTT平台如何为小语种电影和独立纪录片提供前所未有的曝光度，同时也催生了对“真实”故事的渴求，挑战了传统主流叙事的权力。 2. 政治化与民族叙事： 探讨了在日益保守的政治环境中，电影如何被用作强化特定民族主义叙事的工具，以及由此引发的关于审查制度和艺术自由的争论。 3. 超越国界的审美： 考察了印度电影（包括宝莱坞和南印度电影）如何借助全球发行网络，超越传统印度侨民受众，进入更广阔的亚洲和西方市场，探讨了文化挪用与全球共享的复杂关系。 4. 类型片的复兴与融合： 分析了犯罪惊悚片、科幻片和严肃历史传记片的崛起，这些类型片往往比传统剧情片更能深刻地反映当代印度社会的结构性矛盾。 结语：永恒的银幕与变动的现实 本书最后总结了印度电影工业作为“世界最大电影制作中心”的独特地位。它不是一个单一的实体，而是一个由不同语言、不同审美和不同市场驱动的庞大生态系统。通过对历史、政治、美学和社会心理的综合考察，本书试图证明，理解印度电影，就是理解印度这个国家本身——一个在传统与现代、地方与全球、希望与失望之间不断寻求表达与和解的动态实体。印度电影的魔力，恰恰在于它能将所有这些看似矛盾的元素，熔铸成一场场震撼人心的银幕奇观。

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我必须指出，这本书在处理“电影与政治”这一敏感且复杂的议题时，展现了非凡的勇气和平衡感。作者并没有采取简单的“赞美”或“批判”的二元对立立场，而是深入剖析了印度电影工业与国家意识形态之间长期以来那种既合作又张力的复杂关系。书中对于审查制度的演变、民族主义叙事在不同历史时期的植入与抵制，以及电影人如何在权力结构边缘进行微妙的艺术表达的探讨，令人拍案叫绝。阅读相关章节时，我仿佛置身于一个充满隐喻和暗语的地下室，去解读那些被主流叙事所压抑的声音。这种对权力运作机制的揭示，使得这本书的价值远超一般的电影评论范畴，它更像是一部关于媒介、权力和社会控制的精彩案例分析。作者对电影中“边缘群体”形象的批判性回顾也做得非常到位，揭示了主流叙事中长期存在的性别偏见和阶级盲区，这使得整部作品充满了现代的批判精神和人文关怀。

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这本书的视角非常独特，它没有将焦点完全集中在孟买的中心地带，而是巧妙地将目光投向了区域性电影产业，尤其是南印度电影（如泰米尔语和泰卢固语电影）的崛起及其对全国乃至全球票房格局的颠覆性影响。这种广阔的地域视野，极大地拓宽了我对“印度电影”这一概念的认知边界。作者对区域语言电影的工业化流程、明星制度的构建逻辑，以及它们如何利用地方文化元素在全球化浪潮中寻求差异化竞争的策略进行了深入的挖掘。特别是关于“超级巨星”文化在不同语言区是如何形成和运作的对比分析，非常具有启发性。在某些地区，电影明星的社会影响力甚至超越了政治人物，这本书清晰地解释了这种现象背后的文化根基和经济驱动力。我尤其赞赏作者在处理跨文化传播和本土化适应性问题时的细腻笔触，这些内容让我深刻理解到，电影工业绝非单一的中央集权，而是一个多元、竞争激烈且充满活力的生态系统。它为我们提供了一个透视印度文化输出强大软实力的绝佳窗口。

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这本书简直是一场视觉的盛宴，每一个章节都像是一扇通往印度电影黄金时代的窗口。作者对于早期宝莱坞的叙事手法和技术革新有着极其深入的洞察力，他不仅仅是罗列事实，而是将那些老电影的魅力——那种独特的夸张表演、动人心魄的歌舞场面——如同手术刀般精确地剖析开来，让我们明白为什么这些作品在那个年代能够席卷整个次大陆，并影响至今。我尤其欣赏他对音乐和舞蹈如何作为叙事核心的论述，这并非简单的配乐分析，而是上升到了文化符号构建的高度。例如，书中对1950年代经典剧作中“英雄形象的诞生”的探讨，展示了如何通过特定的服装、台词和镜头语言，来塑造一个既符合大众道德期望又充满浪漫主义色彩的理想男性形象。这种深度的文本解读，让即便是对印度电影历史了解不深的读者，也能迅速进入状态，感受到那种扑面而来的怀旧与激情。读完这些篇章，我忍不住想去重温那些尘封已久的老胶片，去体会那种纯粹的、不加修饰的电影魔力，那种在今天精致的CG特效中已经很难寻觅的原始冲击力。这本书的行文流畅，引用了大量罕见的行业内幕和鲜为人知的幕后故事，让整个阅读过程充满了寻宝般的乐趣。

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坦白说，我原本以为这会是一本枯燥的学术著作，堆砌着大量的电影史料和晦涩的理论术语，但事实完全出乎我的意料。这本书的笔触极其轻盈而富有洞察力，它成功地架设了一座桥梁，连接了印度电影工业的商业运作逻辑与其深刻的社会文化内涵。作者对于1980年代到1990年代中期“大众娱乐片”崛起的分析，简直是教科书级别的案例研究。他没有陷入对“艺术性”的刻板批判，而是公正地审视了在社会转型期，电影如何充当了社会情绪的稳定器和集体梦想的投射场。书中最精彩的部分，莫过于对“家庭价值”主题在不同时代变迁中的体现的对比分析。从早期强调集体责任的大家庭模式，到后期对个人主义和新中产阶级焦虑的微妙反映，这些细致入微的观察，展现了作者对印度社会脉搏的精准把握。阅读时，我感觉自己不是在看一部电影史，而是在参与一场关于身份、阶级和现代性冲突的深度对话。更重要的是，作者的论证结构严谨，每一点都用具体的影片实例佐证，让人心悦诚服，读完后对当代印度社会的面貌也能有更立体的理解。

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我向所有对电影制作的幕后运作感兴趣的人强力推荐这本书，因为它提供了一个罕见的、关于“如何将艺术梦想转化为可持续的商业帝国”的实战指南。作者对电影融资模式、制片厂系统在印度特有的社会经济环境下的变异和发展，进行了极其详尽的梳理。那些关于明星片酬谈判的细节、发行渠道的灰色地带，以及新兴的流媒体平台如何重塑传统院线格局的分析，都让我这个局外人受益匪浅。这本书的价值在于，它将艺术家的浪漫情怀与冷酷的商业现实放在同一个天平上进行衡量，并且不偏不倚地展示了两者是如何相互塑造的。对我来说，最引人入胜的部分是作者对技术迭代的追踪，比如从黑白到彩色、从胶片到数字化的过程，背后牵扯的不仅仅是设备升级，更是整个行业生态链的重塑与调整。它不是一个关于电影明星的八卦集，而是一份关于一个庞大且复杂的娱乐经济体的深度剖析报告，读完后，我对这个光影世界的敬畏感又增加了一层。

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