Encyclopedia of American Radio, 1920-1960

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出版者:McFarland & Co Inc Pub
作者:Sies, Luther F.
出品人:
页数:1158
译者:
出版时间:2008-6
价格:$ 220.35
装帧:HRD
isbn号码:9780786429424
丛书系列:
图书标签:
  • Radio History
  • American Radio
  • Broadcasting
  • Media History
  • Popular Culture
  • 1920s
  • 1930s
  • 1940s
  • 1950s
  • Golden Age of Radio
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具体描述

This encyclopedic work comprehensively covers the performers and programming on American radio from its inception to its golden age. Extensively researched over the course of more than twenty years, this new work is the definitive source for scholars of communication, social and cultural history and the popular arts, as well as devoted fans of radio history. The encyclopedia includes entries for programs, announcers, orchestras, musicians, vocalists, comedians, vocal groups, readers, whistlers, musical saw soloists, ministers, sports commentators, reviewers (of books, plays and movies), celebrities, and other personnel broadcasting over American radio from the 1920s to the 1960s. Additional entries cover commercial radio, educational broadcasting, firsts in radio history, opera on radio, religious broadcasting, sports broadcasting, women in radio, border radio, children's programs, comedy on radio, crime shows and mysteries, daytime dramatic serials, and disk jockeys, among other to

美国戏剧史:从殖民地到黄金时代 本书深入探讨了美国戏剧自殖民地时期萌芽至二十世纪中叶“黄金时代”的漫长而引人入胜的发展历程。我们旨在提供一个全面、细致且富含洞察力的历史叙事,剖析不同历史阶段的社会背景、艺术思潮如何塑造了舞台上的声音与形象。 第一部分:根基的建立(1650-1860) 本部分首先考察了美国本土戏剧艺术的早期艰难起步。殖民地时期的清教徒对戏剧抱持着强烈的道德戒律,认为其是堕落的娱乐,这使得舞台艺术的早期发展充满了隐秘与抗争。我们将分析早期从欧洲传入的文本和观念如何与新大陆的现实产生碰撞。重点将放在早期剧作家,如威廉·杜兰特(William Dunlap)及其作品如何开始尝试描绘美国身份的雏形,尽管在主题和结构上仍深受英国戏剧的窠臼。 进入十九世纪,美国戏剧开始寻求独立的声音。尽管“歌舞杂耍剧”(Minstrelsy)的兴盛带来了种族刻板印象的恶劣影响,但它也为后来的流行娱乐形式奠定了基础。我们详细考察了浪漫主义思潮对美国剧本创作的影响,以及严肃戏剧在努力摆脱欧洲中心主义叙事结构的过程。这一时期的剧作常常围绕着美国的神话——拓荒、民主的理想以及国内的道德冲突展开,为美国本土叙事模式的形成奠定了初步框架。 第二部分:现实主义的崛起与民族风格的探索(1860-1920) 美国内战及其后的工业化巨变,深刻地冲击了公众对戏剧的期望。观众不再满足于浪漫的遁世主义,他们渴望在舞台上看到自己生活的真实反映。本部分详述了现实主义戏剧在美国的引入和本土化过程。我们将分析欧洲现实主义大师——易卜生、契诃夫等人的思想如何被美国剧作家所吸收和转化。 重点研究对象是剧作家们如何处理诸如阶级冲突、城市化进程中的社会病态、女性地位的变迁等关键议题。我们考察了“波士顿派”和其他地方性剧团在推动本土剧作方面的努力。特别值得一提的是,这一时期对“美国角色”的塑造达到了新的高度,演员们的表演风格也从过度的、欧化的“大嗓门”表演,转向更内敛、更注重心理深度的刻画。 此外,我们将探讨“大西洋两岸”的文化交流,分析欧洲前卫戏剧运动(如象征主义、自然主义)对美国舞台艺术的启发,以及美国本土剧作家如何成功地将这些技巧融入到本土叙事中,创作出具有强大社会批判力的作品。 第三部分:现代戏剧的开端与先驱者(1920-1945) 二十世纪二十年代的“爵士时代”带来了社会观念的巨大解放,也为现代主义戏剧在美国的爆发提供了肥沃的土壤。这一部分着重描绘了美国现代戏剧的奠基人及其对舞台美学和主题的颠覆性探索。 尤金·奥尼尔(Eugene O’Neill)的工作占据了核心地位。我们将深入剖析他的悲剧作品如何融合了希腊悲剧的结构与弗洛伊德的精神分析,构建出极具美国特色的“家庭地狱”主题。同时,我们关注那些致力于建立“真正美国戏剧”的先驱团体和剧院,如格林威治村的实验性剧场,以及他们如何挑战商业戏剧的陈腐公式。 大萧条时期,戏剧承担了强烈的社会责任感。政治化的戏剧、工会剧社的兴起,以及对工人阶级命运的关注,构成了这一时期舞台艺术的显著特征。本部分也将分析在这一动荡时期,剧作家们如何在艺术纯粹性与社会宣传之间进行权衡与平衡。 第四部分:走向成熟——战后剧场的宏伟景观(1945-1960) 本书的收官部分聚焦于二战后美国戏剧的全面成熟与全球影响力的确立。随着美国经济的繁荣和社会心理的复杂化,舞台艺术迎来了前所未有的创新高峰,这也是我们考察的终点——“黄金时代”的辉煌顶点。 田纳西·威廉斯(Tennessee Williams)和阿瑟·米勒(Arthur Miller)的出现,标志着美国戏剧在艺术深度上达到了顶峰。我们将细致对比威廉斯对南方哥特式美学、脆弱人性与感官欲望的精妙描摹,以及米勒对美国梦的深刻质疑、对中产阶级道德困境的无情解剖。他们的作品不仅在百老汇取得了巨大的商业成功,更在国际上确立了美国戏剧的文化地位。 此外,本部分还将探讨后战争时期新出现的戏剧流派和声音,例如对“反戏剧”先驱的早期回应,以及更关注边缘群体和本土经验的剧作家的早期尝试。我们分析了舞台设计、灯光和表演技巧的现代化如何共同服务于更复杂、更具心理深度的剧本表达。 通过对这四个阶段的梳理,本书试图清晰地展现美国戏剧如何从对欧洲的模仿,历经社会动荡与艺术探索,最终熔铸出一种独特、强大且具备持久生命力的艺术形式,为理解当代美国文化提供了一个不可或缺的视角。

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对于一个历史爱好者来说,这部作品的价值是毋庸置疑的,它为那个时代的广播业提供了一个坚实的背景框架。不过,我发现它在探讨商业模式的演变时,似乎过于侧重于广告内容的罗列,而未能充分挖掘广告背后的心理学基础和市场营销的演进。例如,肥皂剧(Soap Operas)的命名本身就与赞助商紧密相关,但我希望能更深层次地了解,从早期的“硬性推销”到后来建立的“品牌忠诚度”模型,中间经历了哪些关键的创意和数据驱动的转变?当时的广告公司是如何利用听众反馈来迭代他们的脚本和时段选择的?此外,关于广播牌照制度的变迁,书中提到了联邦通信委员会(FCC)的角色,但我更想看到一些关于早期游说团体如何影响政策制定的内幕,那种幕后交易和权力博弈,才是驱动整个产业形态变化的隐形之手。这本书的笔触显得过于“官方”和“正面”,少了些许对那个时代商业斗争的野性描摹。

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这本参考书的编排结构,尽管详尽,却让我感到有些许的“割裂感”。我本来期望能看到一条清晰的、贯穿始终的文化演变脉络,尤其是在涉及社会议题时。比如,民权运动的兴起对广播内容构成了巨大的冲击,但书中对这一转变的处理似乎过于平铺直叙。我希望看到的是,当黑人听众群体开始形成自己独特的收听需求时,主流白人电台是如何应对的?他们是选择忽视、压制,还是逐渐引入相关内容来迎合市场?更进一步,那些专门服务于非裔美国人社区的电台,它们在获取资金、设备和人才上面临的结构性障碍有哪些?这本书似乎把这些关键的文化冲突点放在了不同的条目下,导致这些议题之间的互动性和张力被削弱了。阅读体验上,就像是在看一系列独立的、互不关联的剪报,而不是一幅连贯的、充满戏剧性的历史画卷。

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我不得不承认,作为一部涵盖了二十世纪前四十年广播史的工具书,它的信息密度令人敬佩。然而,对于一个对早期广播制作流程充满好奇的“幕后”观察者来说,这本书的“舞台”太亮,而“布景”和“道具”的细节却有些模糊。我们看到了明星播音员的华丽辞藻,却鲜有关于如何构建一个早期广播演播室的描述。例如,早期广播制作中,如何处理现场乐队和演讲者的声音平衡?那种实时混音的挑战,在没有数字化工具的时代是如何靠经验和物理设备实现的?我想了解那些早期的音效师——他们是如何用简单的道具模拟出狂风暴雨、马蹄声甚至枪战的?这本书更多地聚焦于“说什么”和“谁来说”,而对于“如何创造出这种声音体验”这个核心的艺术和技术结合点,却着墨甚少,使得它在某种程度上错失了对广播媒体作为一种独特艺术形式的深度挖掘机会。

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初读这本百科全书,我首先被它包罗万象的广度所震撼,它几乎收录了你能想到的所有与1920到1960年间美国广播相关的人物、节目乃至小镇上的小型电台。然而,随着阅读的深入,我开始寻找一些关于不同地区广播文化差异的更细致的剖析。比如,南部乡村音乐的广播是如何与东北部都市爵士乐的传播路径形成鲜明对比的?那些偏远农场地区接收信号的挑战性,是否催生了当地独特的接收器制造工业,或者形成了某种地方性的收听习俗?我期待看到对不同社会经济阶层收听习惯的社会学分析——那些拥有昂贵落地式收音机的富裕家庭和只能依靠简易晶体管收听的工人阶级,他们接收到的“美国之声”在内容和体验上究竟有何鸿沟?这本书似乎将所有这些信息一股脑地打包在一起,导致在探讨特定议题时,深度略显不足,像是一张铺得太开的地图,有些重要的城市标记得不够清晰,缺乏那种让人拍案叫绝的微观田野调查视角。

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这部厚重的著作简直是一部时间胶囊,将我瞬间拉回了那个充满怀旧气息的黄金年代。虽然我期待它能深入探讨一些具体的技术革新在广播业中的应用,比如调频(FM)技术是如何缓慢渗透并最终挑战传统的调幅(AM)霸主的,或者解析早期真空管技术对音质提升的细微差别,但它似乎更侧重于一个宏观的历史叙事。我翻阅着那些关于特定电台的兴衰和著名主持人的简介,虽然信息量巨大,但我总觉得缺少了技术层面的“骨架”。例如,当谈到二战期间的宣传广播时,我很想知道具体的信号加密技术或者跨洋传输的难度是如何通过工程手段解决的,但书中更多的是对内容本身重要性的强调,而不是实现这些内容背后的硬科学。我尤其想看到关于早期麦克风和录音设备设计哲学对比的部分,那种对声音保真度追求的演变,那种工程师们在材料和电路上的权衡取舍,才是真正定义了“美国之声”的底层逻辑。遗憾的是,这些技术细节在浩如烟海的名词和日期中被稀释了,让这本书更像是一份详尽的年鉴,而非深入的技术解析手册。

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