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出版者:Antique Collectors Club Ltd

作者:Jahn, Gisela

出品人:

页数:359

译者:

出版时间:

价格:1469.40元

装帧:HRD

isbn号码:9783897901971

丛书系列:

图书标签:

• 明治陶瓷
• 日本陶瓷
• 陶瓷艺术
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• 艺术史
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• 装饰艺术

秘鲁前哥伦布时期陶器：安第斯山脉的土与火的艺术 一、引言：时间洪流中的沉默证人 本书旨在深入探讨秘鲁前哥伦布时期（Pre-Columbian Peru）陶器的辉煌遗产。这些泥土与火焰的杰作，不仅是古代安第斯文明审美情趣的直观体现，更是解开数千年社会结构、宗教信仰、日常生活以及宇宙观的无声钥匙。我们将穿越数个关键的文化阶段——从早期的查文（Chavín）到莫切（Moche）、纳斯卡（Nazca）、奇穆（Chimú），直至最终被印加帝国（Inca）整合——细致描摹这些陶器艺术的演变轨迹、技术革新及其背后的文化语境。我们的焦点将完全集中于秘鲁境内的艺术表达，避开其他地区（如墨西哥或中美洲）的相关比较，力求为读者提供一个专注且深度的安第斯陶艺视觉盛宴。 二、早期文明的奠基：查文与帕拉卡斯（Chavín and Paracas） 我们的探索始于秘鲁高地和沿海地区最早的复杂文化之一——查文文明（约公元前900年至公元前200年）。查文陶器虽然数量上不如后期的莫切那般丰富，但其风格的开创性不容忽视。它们常以深色调为主，表面打磨光滑，纹饰上展现出强烈的宗教象征性，特别是对美洲虎、鹰隼和蛇等神圣动物的描绘，这些图像往往是交织、变形且充满巫术意味的。查文的器型多为罐或钵，体现了早期安第斯精英阶层对超自然力量的崇拜与沟通需求。 紧随查文之后，南部的帕拉卡斯文化（Paracas，约公元前800年至公元前100年）将秘鲁沿海陶艺推向了一个新的高度，尤其以其独特的“包覆陶器”（Polychrome Negative Painting）技术闻名。帕拉卡斯陶器色彩鲜艳，常采用红色、黑色、奶油色和深棕色，通过复杂的负片彩绘技术，创造出层次丰富且图案精密的装饰带。这些陶罐常用于陪葬，描绘了复杂的仪式场景、祭司形象以及神灵的化身，反映出帕拉卡斯社会对来世的深刻关注。 三、海岸线的雄伟叙事：莫切文化的拟人化与现实主义 莫切文化（Moche，约公元100年至公元800年）的陶艺无疑是前哥伦布时期艺术中最引人注目的一环。莫切人，生活在秘鲁北部沿海的干旱冲积扇上，是伟大的写实主义大师。他们的陶器，尤其是“肖像壶”（Portrait Vessels），达到了惊人的逼真程度。这些器皿并非简单的生活用品，而是具有高度社会政治意义的记录。 莫切陶器的核心特征在于其对人类面部表情、身体特征以及社会身份的精确捕捉。我们能从这些陶罐上清晰辨识出不同社会阶层的人物肖像，捕捉到微笑、愤怒、痛苦甚至性爱中的瞬间神态。此外，莫切陶器也是讲述故事的媒介：它们详尽记录了战争场面、祭祀仪式（特别是活人献祭的场景）、精英的日常生活、航海活动，甚至包括复杂的性行为场景（“情色陶器”）。技术上，莫切人擅长使用模具批量生产基础器型，但随后由技艺精湛的工匠进行手工修饰和上色，其红褐色和奶油色的双色调运用达到了炉火纯青的地步。 四、沙漠中的几何与象征：纳斯卡文化的色彩爆炸 与莫切的写实主义形成鲜明对比的是，坐落于秘鲁南部沙漠地带的纳斯卡文化（Nazca，约公元100年至公元800年）则将艺术的重心转向了强烈的象征主义和令人目眩的色彩运用。纳斯卡陶器以其极高的烧制温度和卓越的色彩多样性而著称，他们能稳定地运用十种或更多种颜色，创造出充满活力和神秘感的图案。 纳斯卡陶器通常是圆底的、带有流口或耳状把手的罐子。其装饰主题围绕着几个核心元素：拟人化的神灵（常带有凶猛的牙齿和羽毛状的头饰）、异域的动植物（如眼镜猴、蜂鸟、仙人掌），以及抽象的几何图形。这些图案被精心布局在器物表面，强调对称性和动态感，暗示着与纳斯卡地画（Nazca Lines）相似的宇宙观和对农业丰收的祈求。 五、帝国的整合：奇穆与印加的风格统一 随着海岸文明的衰落，位于北部沿海的奇穆王国（Chimú Kingdom，约公元900年至公元1470年）崛起，其首都昌昌（Chan Chan）成为当时美洲最大的泥砖城市。奇穆陶器继承了莫切的模制技术，但风格上更加程式化和宏大。奇穆陶器常采用单一的黑色釉面（Blackware），表面经过抛光处理，呈现出金属般的光泽。器型上，奇穆偏爱制作带有复杂鋬（spout-and-handle）的罐子，以及大量描绘日常生活场景和描绘神祇（如海神奈肯 Nech）的雕塑性器皿。 最后，当我们考察印加帝国（Inca Empire，约公元1400年至公元1532年）的陶器时，会发现其艺术特征体现了帝国的集权管理。印加陶艺缺乏早期文化中那种强烈的地域个性和浪漫主义色彩。其主要器型是“阿里巴洛”（Aríbalo，一种高颈、细长、底部尖锐的储藏罐），以及双耳碗“夸皮”（Kero）。印加陶器以实用性和标准化为首要目标，装饰图案多为几何纹样和简单的重复带状装饰，色彩相对克制，主要使用红色和黑色，体现了帝国对效率和秩序的追求，将之前安第斯地区多元的陶艺风格统一于一个高效的行政体系之下。 六、结论：泥土中的文明史 秘鲁前哥伦布时期陶器是一部以土为载体的百科全书。从查文的神秘主义到莫切的现实描绘，从纳斯卡的色彩庆典到印加的帝国秩序，这些陶瓷制品共同构建了一个复杂、精妙且充满生命力的古代社会图景。它们不仅是考古学上的珍品，更是理解安第斯世界如何感知时间、处理死亡、崇拜自然力量的不可替代的视觉档案。本书通过对这些精美器皿的细致梳理，旨在揭示其艺术形式背后所蕴含的深刻文化意义。

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不得不说，这本书的装帧设计和排版质量，完全配得上其内容的高度。翻开它，首先映入眼帘的就是那精心选择的纸张和清晰的印刷质量，这对于需要细致观察釉色和纹饰的艺术史书籍来说至关重要。阅读体验非常舒适，无论是注释的标注还是索引的编排，都体现了出版方对学术严谨性的尊重。至于内容本身，它提供了一种极具说服力的论证路径，引导读者理解明治陶瓷并非是一个断裂的、突然产生的现象，而是江户时代技术积累和外部压力共同作用的结果。书中对那些试图在传统和西方风格之间寻找平衡的“折衷主义”作品的分析，尤其精彩，它精准地捕捉到了那个时代知识分子和工匠们内心的挣扎与探索。那些关于“出口品”与“内销品”的区分研究，更是让人耳目一新，揭示了艺术品价值体系中隐藏的等级划分。这本书并非追求轻松愉悦的阅读，它要求读者投入心神去解码那些复杂的视觉语言和历史语境，但一旦投入，回报是丰厚的——你会对那个短暂却充满创造力的时代产生一种近乎亲历者的理解。

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这本关于明治时期陶瓷的著作，无疑是一部令人瞩目的学术力作。作者以严谨的考据和深厚的专业知识，为我们描绘了一幅波澜壮阔的艺术画卷。书中对于不同窑口的风格演变、釉彩技术的革新以及装饰母题的文化内涵，都有着极其细致的剖析。尤其值得称赞的是，作者并没有将目光局限于宫廷御用瓷器的奢华与精致，而是深入探讨了民间工艺的繁荣及其社会背景。例如，对萨摩烧、清水烧等地方性特色的深入挖掘，揭示了技术与地域文化之间复杂而迷人的互动关系。书中插图的精美程度也令人印象深刻，那些高清的实物照片，仿佛带着读者穿越时空，亲手触摸到那些温润的胎体和绚烂的彩绘。阅读过程中，我不断被那种对细节的执着和对历史脉络的清晰梳理所折服。它不仅仅是一本介绍艺术品的图录，更是一部研究日本近代化进程中，手工艺如何应对西方冲击与自我重塑的社会经济史。全书的论证逻辑严密，行文流畅，即便是对陶瓷史不甚熟悉的读者，也能循着作者的引导，逐步领略到那个时代陶瓷艺术的复杂魅力与深厚底蕴。这本书无疑是该领域内一座难以逾越的里程碑。

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读完这本关于明治时期陶瓷的书，我的感受是复杂而多层次的。它不像一些纯粹的艺术鉴赏书籍那样，只停留在对器型美感的赞颂上，而是大胆地将艺术史置于一个更宏大的历史背景下进行审视。作者似乎对明治维新初期那种传统与现代剧烈碰撞的时代精神有着深刻的洞察。书中对于“工艺美术”概念在日本的形成与转变的讨论，尤为发人深省。我们看到，传统的匠人精神如何在新的国家意识形态下被重新包装、甚至是被迫转型以迎合国际市场的需求。叙事结构上，它采用了非线性的叙事手法，将技术分析、市场变动和艺术家的个人命运交织在一起，使得整个阅读体验充满了张力。我特别喜欢其中关于出口瓷贸易的部分，那些关于如何迎合欧洲维多利亚时代审美趣味的案例分析，揭示了艺术生产背后赤裸裸的商业逻辑。这种揭示性，使得这本书的价值远远超出了艺术史的范畴，它更像是一部关于文化全球化早期案例的精彩研究。书中的有些论断颇具争议性，但也正是这种挑战既有看法的勇气，让这部作品显得如此鲜活和具有学术前瞻性。

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这部关于明治陶瓷的巨著，其最令人惊叹之处在于其对“工艺”这一概念的深度挖掘。它超越了传统艺术史中对“美”的简单归纳，转而关注材料科学、烧制条件与人力组织之间的精妙平衡。作者似乎对日本的传统化学和物理学知识有着深刻的掌握，书中对新型釉料的研发过程、对进口原材料的适应性改造，都有着近乎实验报告般的精确描述。我尤其欣赏作者对“技术流派”的划分和追溯，这使得原本纷繁复杂的陶瓷生产体系变得条理清晰。它解答了许多我过去在观察相关作品时产生的疑惑：为什么在短短几十年内，陶瓷的厚度和光泽度会发生如此剧妙的变化？这本书给出了坚实的、基于实践的解释。此外，书中对一些被历史边缘化的中小作坊的关注，体现了作者强烈的历史关怀，避免了将目光都集中在少数几家“明星”工厂的倾向。总的来说，这是一本为那些真正想了解“陶瓷是如何被制造出来”的读者量身定制的权威参考书，其专业性毋庸置疑，但解读过程需要一定的耐心和基础知识积累。

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阅读此书，仿佛置身于一场精妙绝伦的文化辩论现场。作者的写作风格充满了批判性的思辨色彩，他并不急于给出一个简单的结论，而是巧妙地设置了一系列问题，引导我们去质疑“明治艺术”的既有定义。他对于“日本化”过程中的文化挪用与本土创新的关系有着独到的见解，尤其是在处理日本陶艺家如何吸纳德、法等国艺术思潮，并将其“本土化”为具有日本特征的装饰语言时，论述得入木三分。书中的案例选择极具代表性，它们不仅展示了精湛的技艺，更像是那个时代社会情绪的缩影。读完之后，我开始以一种全新的视角去看待那些曾经认为只是“华丽”的瓷器，我看到了背后隐藏的政治经济考量、技术焦虑以及对国家身份的构建欲望。这本书的阅读体验是启发性的，它迫使我不断地去反思：在快速的现代化浪潮中，艺术的本质究竟是在坚守传统，还是在勇敢地向外借力并进行重构？对于任何研究近代亚洲艺术史，或者对文化转型期工艺美术研究感兴趣的人来说，这本书都是一份无可替代的宝贵资料。

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