The Oxford Companion to Indian Theatre pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Oxford University Press

作者:Lal, Ananda 编

出品人:

页数:63

译者:

出版时间:2004-11

价格:$ 186.45

装帧:Hardcover

isbn号码:9780195644463

丛书系列:

图书标签:

• 印度戏剧
• 牛津伴侣
• 戏剧史
• 文化研究
• 表演艺术
• 亚洲戏剧
• 印度文化
• 参考书目
• 学术著作
• 戏剧理论

好的，这是一份围绕《牛津印度戏剧伴侣》（The Oxford Companion to Indian Theatre）这一主题展开，但内容完全独立于该书的，关于印度戏剧历史、流派、表演实践及文化意义的详细图书简介。 剧场之境：印度舞台艺术的千年回响 一卷深入南亚表演传统的恢弘史诗，探索其从吠陀吟诵到当代实验的万千面相。 引言：历史的序幕与舞台的召唤 印度，这片古老而充满活力的土地，其戏剧传统不仅是娱乐的载体，更是宗教信仰、哲学思辨、社会批判与日常生活的生动镜像。本书旨在提供一个全新的、详尽的视角，聚焦于印度次大陆数千年来不断演变和自我革新的舞台艺术实践。我们不局限于某一部既有的工具书，而是力求构建一个立体的叙事框架，勾勒出印度戏剧从起源的朦胧身影到现代剧场实验的清晰轨迹。 本书的叙事将跨越地域的界限，穿越时间的洪流，探究印度戏剧如何适应外来影响，又如何坚守其本土的审美核心——即对“道”（Dharma）与“罗娑”（Rasa，审美情感）的永恒追求。我们关注的不仅是剧本的文本，更是那些转瞬即逝的表演时刻，以及支撑起这些时刻的表演者、音乐家、舞者与观众之间的复杂关系。 第一部分：根源的奠基——古典与神话的交织 印度戏剧的源头深植于宗教祭祀和吠陀颂歌之中。本部分将系统梳理印度古典戏剧的形成过程，重点考察早期文献中对表演艺术的记载，尤其是对戏剧性元素萌芽的探讨。 婆罗多与《戏论》（Natyashastra）的遗产： 虽然学术界普遍认可其重要性，但我们侧重于分析《戏论》作为一套艺术法规，是如何在后续的实践中被解读、被继承，乃至被挑战的。我们将探讨“九种罗娑”（Nava Rasa）理论如何成为结构印度舞台情感体验的基石，以及它在不同地域流派中的变异。 梵语剧场的黄金时代： 迦梨陀娑（Kalidasa）及其同时代剧作家的作品，是梵语戏剧的巅峰。本书将深入分析《沙恭达罗》等作品的叙事结构、角色塑造（如英雄‘Nāyaka’与女主角‘Nāyikā’的典范设置），以及这些剧作如何平衡世俗的爱情主题与形而上的追求。同时，我们将考察巴拉塔（Bharata）学派与信达（Sindha）学派在表演风格上的潜在差异。 民间叙事与地方神话的融合： 探讨在古典高雅戏剧之外，地方性的说唱艺术、木偶戏（如‘Tholubommalata’和‘Kathputli’）以及口述史诗（如《摩诃婆罗多》在不同方言中的演绎）如何保存了底层民众的审美趣味，并为后来的民间戏剧形式提供了丰富的素材。 第二部分：地方的勃发——地域流派的绚烂图景 进入中世纪以来，随着印度各地语言和文化的成熟，印度戏剧呈现出前所未有的多样性。本书将详细描绘几大主要地域戏剧体系的独特性。 南印度的“表演性”传统： 重点分析喀拉拉邦的‘Kathakali’（卡塔卡利）和‘Koodiyattam’（库迪亚塔姆）。我们不仅介绍其复杂的化妆术（Vesham）和手势语言（Mudra），更侧重于分析其“仪式性”的演出结构——如何将剧场转化为一种向神灵献祭的行为。对比分析‘Kuchipudi’（库奇普迪）舞剧中戏剧元素与纯粹舞蹈元素的动态平衡。 北印度的戏剧复兴： 考察北方，尤其是阿瓦德地区，受莫卧儿宫廷影响下发展出的‘Nautanki’（瑙坦基）和‘Bhavai’（巴瓦伊）等通俗剧形式。分析这些剧目如何融入历史故事、民间传说，并以其大胆的幽默感和强烈的音乐性吸引广大观众。特别关注‘Ramlila’（罗摩神故事）作为一种跨越宗教藩篱的、高度即兴的社区戏剧，其在不同邦的变异与统一性。 马哈拉施特拉的‘Tamasha’与‘Yakshagana’的史诗力量： 探讨‘Tamasha’如何在新旧交替的社会环境中，从宫廷娱乐演变为具有强烈讽刺和政治暗示的民间剧场。在西南海岸，分析‘Yakshagana’（延格萨甘纳）如何以其强烈的声光效果、高亢的唱腔和神话叙事，重塑史诗的宏大场面。 第三部分：变革与现代性——殖民影响与剧场的自我重塑 进入近现代，面对欧洲戏剧理论和现实主义思潮的冲击，印度剧场经历了一场深刻的自我审视与转型。 从‘Jatra’到现代舞台： 分析殖民地初期，孟加拉的‘Jatra’（雅特拉）如何从宗教剧场逐渐转向社会批判剧场，并率先引入了更具叙事线索的现代戏剧结构。考察“先驱者”们如何尝试将易卜生、契诃夫的现实主义理念，与印度本土的表演语汇进行嫁接。 语言戏剧的崛起与民族主义的表达： 深入探讨在泰米尔语、马拉地语、孟加拉语等地方语言中，如何通过戏剧来构建民族认同和抵抗殖民统治。分析特定剧作家如何使用象征主义和寓言，规避审查，同时又不失印度美学的精髓。 印度人民剧院协会（IPTA）的遗产： 详细考察二战前后，进步主义思潮如何塑造了印度剧场的政治面向。分析这一运动如何将戏剧带出剧院，走向工厂和村庄，成为动员民众、宣传社会改革的强有力工具。 第四部分：当下的声音——后殖民时代的实验与未来 当代印度戏剧是一个充满活力、高度多元化的领域，它既反思历史，也积极介入当下的社会议题。 “非传统”表演形式的探索： 关注那些拒绝被任何单一流派定义的剧场实践。我们考察那些借鉴了“表演人类学”和“身体研究”的先锋艺术家，他们如何拆解古典‘Mudras’的规范性，转而关注个体身体的当代经验，如跨性别议题、城市化焦虑和身份政治。 剧场与媒介的对话： 分析在电影和电视日益主导大众视野的背景下，舞台艺术如何通过互动性、沉浸式体验以及多媒体技术的运用，来重新确立其作为“在场”艺术的独特价值。探讨‘Street Theatre’（街头戏剧）在当代抗议运动中所扮演的不可替代的角色。 全球化视野下的印度剧场： 探讨当代印度剧作家和导演如何参与国际艺术节，他们的作品如何被翻译和解读，以及他们如何在保持自身文化语境的同时，与世界剧场前沿进行对话。 结语：永不止息的罗娑 本书最终希望展现的是，印度戏剧不是静止的博物馆陈列品，而是一条持续流动的河流。从宫廷的精致到乡野的喧哗，从神祇的颂赞到对社会不公的怒吼，印度剧场始终是理解这个复杂文明最生动、最富于情感张力的窗口。它证明了，即使在最激进的变革中，对“美”（Saundarya）和“真”（Satya）的追求，仍是这片土地上舞台艺术永恒的内核。

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这部《牛津印度戏剧伴侣》无疑是一部宏伟的学术巨著，它以一种近乎百科全书式的详尽，勾勒出了印度戏剧这片广袤而古老的艺术疆域。初次翻阅时，那种扑面而来的信息量就足以令人震撼。它不是那种轻松的入门读物，而更像是一份为严肃研究者准备的地图集，精确地标注了从吠陀时代复杂的祭祀仪式，到莎士比亚时代传入的欧洲戏剧影响，再到当代孟买宝莱坞对传统叙事模式的解构与重塑的每一个关键节点。我尤其欣赏它对于“地方性”（regionality）的重视。许多西方视角下被忽略的、根植于特定邦、特定语言社群的民间戏剧形式，如喀拉拉邦的卡塔卡利舞剧（Kathakali）的精妙手势语汇，或是阿萨姆邦的安基亚·纳特（Ankiya Nat）的宗教叙事结构，在这里都被赋予了应有的篇幅和深入的分析。这种对多样性的尊重，使得全书的论述充满了活力，避免了将“印度戏剧”视为一个单一、同质化实体的倾向。它成功地将戏剧艺术的脉络，与印度的宗教哲学、社会阶层变迁以及政治历史紧密地交织在一起，展现出一种多维度的理解框架。对于任何渴望深入理解南亚文化肌理的人来说，这都是一份无可替代的参考工具，其条目编排的逻辑性和引用的权威性，足以支撑起一篇硕士论文的论证基础。

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阅读体验上，这本书提供了一种沉浸式的学术漫游感，尽管它的体量令人望而生畏，但其组织结构却展现出极高的清晰度。它没有遵循严格的年代线性叙事，而是采用了主题式和关键人物聚焦相结合的方式。比如，它对不同“流派”（schools）的讨论，不仅仅是罗列它们的特点，而是深入挖掘了支撑这些流派的哲学基础——这对于理解为什么某些表演形式在特定的历史时刻会兴起或衰落至关重要。书中对梵剧（Sanskrit Drama）的结构分析部分尤为精彩，对“rasa”（情味/审美感受）和“bhava”（情感状态）的探讨，摆脱了教科书式的干涩定义，而是通过大量具体的文本案例，展示了这些概念如何在舞台上实现其审美功能。我发现自己不得不频繁地停下来，查阅那些关于古代戏剧理论家如阿耆婆（Bharata Muni）的注释，这说明本书的深度要求读者必须有一定的前置知识，或者愿意进行同步学习。然而，正是这种挑战性，让最终的理解变得更加扎实和令人满足。它迫使你超越对印度舞蹈的肤浅印象，去探究其背后复杂的符号系统和历史语境。

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总而言之，这部《牛津印度戏剧伴侣》是一次对印度复杂艺术传统的全面、深入的考察，它成功地将地方叙事与全球戏剧理论对话起来。它并非一本轻快的读物，更像是一份严肃的学术契约，要求读者投入时间、精力和思考。它的广度令人敬佩，因为它几乎没有遗漏任何一个重要的流派或理论思潮；而它的深度则令人信服，因为它总能追溯到现象背后的哲学根源。通过它，我得以领略到，印度戏剧远非我们通过少数几部电影片段所能想象的单一形象，而是一个由数百种语言、神话、社会抗议和审美追求交织而成的复杂织锦。这部书的伟大之处在于，它不仅记录了历史，更重要的是，它提供了一套分析和理解这些历史的批判性工具。它填补了现有研究中一个重要的空白，并无疑将成为未来几十年内研究印度表演艺术领域的核心参考标准。

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从装帧和校对的角度来看，这部作品体现了牛津大学出版社一贯的严谨与专业。纸张的质量、索引的详尽程度，都说明了这是一本被设计成可以经受数十年使用的工具书。尤其值得称赞的是其参考文献体系的完整性。每一章节后的书目都是一座小型图书馆，涵盖了从原始梵文文本到最新的英文期刊文章，为进一步研究提供了清晰的路径图。然而，对于一个初次接触印度戏剧的读者而言，这海量的信息也可能成为一种负担。书中的术语密度非常高，很多地方需要依赖脚注或图表来辅助理解。例如，在描述特定的服装或舞台道具时，如果能配有更多的视觉辅助材料，或许能更好地服务于非专业背景的读者。尽管如此，对于那些已经拥有一定基础，并希望系统性地梳理和深化自己知识体系的学者来说，这种“以文本为王”的编纂方式反而更为高效，因为它将焦点牢牢锁定在理论和文本分析之上，避免了视觉展示可能带来的主观性干扰。

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这本书的价值，尤其体现在它对当代戏剧实践的关注上，这常常是这类“伴侣”书籍容易遗漏的环节。许多学者倾向于将注意力集中在古典遗产上，但《牛津印度戏剧伴侣》则令人惊喜地涵盖了后殖民时代至今的剧场实验。它细致地分析了诸如P.L. Deshpande或Vijay Tendulkar等现代剧作家的社会批判性视角，以及他们如何利用戏剧这一媒介来挑战根深蒂固的社会不平等和政治腐败。书中关于戏剧在城市化进程中所扮演角色的论述，尤其发人深省。它展示了剧场如何从皇室和寺庙的赞助下解放出来，转变为一种更具公共性和对话性的空间。此外，对边缘群体，特别是女性剧作家和表演者的收录和评价，也展现出了一种进步的、批判性的学术立场，这在以往的许多文化史著作中是难以找到的。这种对“新声音”的重视，使得整部作品保持了新鲜的学术活力，而非仅仅是历史的陈列柜。

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